sábado, 12 de enero de 2019

BAÑISTA CON UNA PELOTA DE PLAYA PABLO PICASSO

Bañista con pelota de playa 1932


Bañista con pelota de playa
óleo sobre lienzo 146 x 115 cm

Colección particular








En en el periodo de verano de 1928 que coincide con su entrada en el Surrealismo , Picasso comenzó a pintar una serie de escenas playeras que exploraban abiertamente la sexualidad.. Los primeros años que pasó en Paris revelan una obsesión con la sexualidad  y, en particular, con las enfermedades de transmisión sexual . Su cuaderno de bocetos de 1927 , cuando vivía en Cannes revela una obsesión por la sexualidad centrada en el falo en la que representa figuras andróginas antropomoficas.


El arte de Picasso de este periodo es un reflejo. de su vida  personal. En 1927  conoció a una nueva modelo Maria Thetese Walter, en una época en la que relación con su esposa Olga estaba empezando a agriarse Aunque en realidad no se separó hasta 1935. mantuvo en esa época un romance con Maria Thetrse  y su obra refleja esa tensión inevitable .La representación de muchas de esas escenas en la playa es explícitamente sexual  y con frecuencia sus proporciones son las mismas que la de Maria Therese con en  Bañistas con una pelota de playa . La naturaleza depredadora de su amante en esta imagen en la que Picasso regresaría más tarde en sus representaciones del mito del. Minotauro ,tema clave del Surrealismo


        Mercedes Tamara
12 03 2019

Bibliografía.El Surrealimo Edit Taschen






























I







miércoles, 22 de agosto de 2018

BISTROT ( EL JAMÓN ) PABLO PICASSO

BISTROT ( EL JAMÓN ) 1912
El bistrot ( el jamón )
óleo sobre cartón y limaduras 29, 9 x 38 cm
Museo del Ermitagea








Pablo Ruiz Picasso (1881-1973) tuvo un desaforado apetito por la vida, el arte y las mujeres, pero lo que igual no saben ustedes es que en cuestión alimenticia fue bastante sobrio y seguidor de una estricta dieta durante muchos años. Comensal parco y frugal, el pintor dedicó sin embargo gran parte de su obra a elementos relacionados con la comida como bodegones, cerámicas o esculturas hechas con utensilios de cocina.

 Bistrot pertenece al género de cuadros formulados por Picasso en los cuales un grupo de elementos tomados arbitrariamente conforman un sistema de símbolos . El trozo de jamón , el menú , la cuenta , el cuchillo , el tenedor y la servilleta arrugada son los símbolos o signos de la restauración dispuestos en desorden en el óvalo del cuadro 



Picasso introduce en la obra elementos ajenos al tema : limaduras pintadas . Signo concluyente de la estancia en el bistrot, la cuenta está escrita con. tiza sobre una hoja negra que recuerda a una pizarra.



Mercedes Tamara
22-08-2018

Bibliografia : Picasso " Edit Taschen "







martes, 10 de julio de 2018

MUJER CON SOMBRERO DE PLUMAS PABLO PICASSO




MUJER CON SOMBRERO DE PLUMAS 1901

Mujer con sombrero y plumas
Óleo sobre lienzo, 46 x38 cm. leyenda







En la época azul, Picasso distorsionó a la figura humana con imaginación para representar el decaimiento moral y físico de sus personajes. Dibujó miembros y dedos alargados y pintó cuerpos huesudos. Este estilo de pintura es similar al estilo de El Greco que Picasso había visto en Madrid y Toledo. Los cuadros siguientes--El guitarrista viejo (1903) y Dos figuras (1904)--muestran este estilo; la mano flaco del limosnero y la mano frágil de la mujer son ejemplos buenos del estilo.


No pertenece estrictamente al periodo azul de Picasso, pero en la obra ya predomina esa tonalidad, un color frío asociado a la Virgen, que viste en la pintura religiosa tradicional de blanco y azul (los colores de la pureza y el cielo).

El uso de este tono tiene claros referentes simbólicos que operan sobre nosotros, seamos o no conscientes; también está asociado, sobre todo en la cultura anglosajona, a la depresión y la melancolía, el cielo, el mar y la noche. A esta última y no al cielo remite el azul picassiano, teniendo en cuenta que asociamos esta, y no el día,  a la tristeza y la desesperanza.

 El color para ese estado de ánimo era irremediablemente el azul, y no era asunto nuevo: así eran La noche estrellada y una de las habitaciones de Van Gogh, azul de fondo había en El grito de Munch, era un tono recurrente en Nonell, Cézanne o Toulouse-Lautrec y Enso rpintaba en Bruselas mundos de pensamiento melancólico. Antes, El Greco había representado con verdes azulados figuras espiritualizadas y consumidas: como el negro, es un tono que estiliza por evocar lo trascendente.
El año en que Picasso pintó a esa dama con sombrero, 1901, corresponde al inicio de su periodo azul, y fue también el año en que murió su amigo Casagemas y él pintó su entierro. 

Mercedes Tamara
10-07-2018



domingo, 8 de julio de 2018

MUJER ECHADA EN UN DIVÁN PABLO PICASSO


MUJER ECHADA EN UN DIVÁN
Mujer echada en un diván
óleo sobre lienzo 81 x 100cm
Museo de Basilea 










Las postreras obras de Picasso parecen analizar en todos sus aspectos el tema amoroso, y lo hacen con una pintura siempre renovada. Ahora, sus lienzos adquieren una nueva sensibilidad crornática y formal. Líneas curvas, espirales y formas ovaladas son puestas en directa contraposición a narices y nucas cortantes y afiladas. Los reflejos nacarados de los miembros inferiores y el rojo vivo y denso del fondo entran sin embargo en conflicto con el azul sucio de algunas zonas, mezclado con un melancólico gris que parece simbolizar el paso del tiempo. En cráneos desproporcionados, deformados, los ojos se pierden uniéndose a narices y bocas duras, rígidas, casi metálicas.




En esta obra, el cuerpo de la mujer parece dividirse en las dos extremidades. Un hipotético beso, muy distinto del apasionado y casi no humano de 1925, aproxima a las dos figuras. La cita de un acto casi incumplido parece además subrayada por la ausencia de corporeidad del personaje de la derecha, que como un fantasma apenas indicado se mimetiza con el fondo, de un gris azulado.


 El trazo con que están hechas las figuras parece volver al grafismo de las obras de la segunda postguerra, Cráneo, erizos de mar y lámpara sobre la mesa (1946) y La cocina (1948). El lienzo fue realizado en Mougins, donde el mar y la luz parece haber influido en muchas de las opciones cromáticas de Picasso. El azul de esta pintura pasa de zonas oscuras a transparencias casi vítreas. El tiempo, el amor y la pintura son los temas que el artista quiso seguir cultivando hasta el final en sus experimentaciones pictóricas. El mismo declaró: "Todo lo que he hecho no es más que el primer paso de un largo camino. Se trata únicamente de un proceso preliminar que deberá desarrollarse mucho más adelante".


Mercedes Tamara
9-07-2018

Bibliografia Picasso: Guía de los Grandes Museos Edit Planeta

lunes, 2 de julio de 2018

GIRELOTS ROSES CIELS EN LAMBEAUX RENÉ MAGRITTE

GIRELOTS ROSES CIELS EN LAMBEAUX 1930

Grelots roses, ciels en lambeaux (Cascabeles rosas, cielos en jirones)
Óleo sobre lienzo, 73 x 100 cm. Museo Reina Sofía.





Uno de los principales elementos que puebla las obras de René Magritte es el cascabel, un icono recurrente en su producción, que evoca de forma misteriosa la infancia del pintor y que posteriormente pasaría a integrar el conjunto de elementos simbólicos de su obra. Grelots roses, ciels en lambeaux (Cascabeles rosas, cielos en jirones), 1930, es una de las pinturas en las que Magritte incluye este símbolo, junto con otro de sus motivos preferidos, las nubes. Como en otras de sus pinturas en las que aparecen también estas «campanas mudas», los cascabeles flotan materialmente en el aire ocupando la mitad del cuadro, desprovistos de su peso, función y escala habituales, lo que les proporciona una apariencia irreal, en la que radica su potencia onírica. A ello contribuye también la técnica utilizada, de precisión casi fotográfica, que parece congelar la imagen en el tiempo y el espacio.



La otra mitad de la escena –la pintura está dividida en dos zonas exactamente iguales– está ocupada por un cielo repleto de esponjosas formaciones de nubes, que contrastan con la majestuosa rotundidad del espacio poblado de esféricos cascabeles. La diferencia cromática –azul encendido para el fondo nuboso y salmón eléctrico para el espacio en que se recortan los cascabeles– contribuye a la sensación general de desconcierto e inquietud que emana del cuadro, como corresponde a las más logradas visiones surrealistas.




Mercedes Tamara
2-07-2018
Bibliografia ForoXerbar 

viernes, 29 de junio de 2018

FEMME AUX BRAS CROISES PABLO PICASSO

FEMME AUX BRAS CROISES 1902
Femme aux Bras Croisés ( Mujer con brazos plegados )
óleo sobre4 lienzo 60 x 80 cm
Donación de Gertrude Stein









La pintura es un buen ejemplo del período azul de Picasso, ambos capturan la combinación de colores y las emociones sombrías encontradas en su trabajo durante este tiempo




Femme aux Bras Croisés ( Mujer con brazos plegados ), es una pintura de Pablo Picasso realizada en 1902 durante su período azul . El tema de la pintura es desconocido, pero ella puede ser un recluso del hospital Saint-Lazare-prisión en París.








A primera vista, esta imagen parece bastante vacía, sin embargo, al profundizar en las características de la pintura es evidente que hay muchas cualidades connotativas y, a su vez, es una de mis pinturas favoritas de Picasso. Pintado durante el "período azul" de Picasso, como es más conocido, la imagen está dominada por tonos de azul que denotan una sensación de tristeza, misterio y evoca intriga. Mediante el uso de un color dominante en el lienzo con poco énfasis en cualquier otro, Picasso es capaz de crear muchas emociones simplemente por el tono de su imagen. 




Mercedes Tamara
29-06-2018

Bibliografia Wikipedia

domingo, 24 de junio de 2018

LA COMIDA FRUGAL PABLO PICASSO

LA COMIDA FRUGAL




La comida frugal
Aguafuerte sobre plancha 46,3 x 37,7 cm
Colección Carmen Thyssen

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La  comida frugal, un aguafuerte ejecutado en septiembre de 1904 sobre una plancha de zinc que había ya utilizado Joan González para grabar un paisaje, previamente borrada, es una de las primeras incursiones de Picasso en la técnica del grabado. Pertenece a La Suite des saltimbanques, una serie de quince aguafuertes y puntas secas realizada entre 1904 y 1905. Por consiguiente, sorprende la maestría técnica con la que Picasso trabaja en un medio que era prácticamente nuevo para él. 

Esta melancólica obra, que marca el final de su época azul, nos muestra posiblemente a dos saltimbanquis que se convertirían en el motivo principal de su periodo rosa desde que los vio actuar en la Esplanade des Invalides en 1904. Al mismo tiempo, el hombre ciego, que nos muestra de perfil en contraste con la imagen frontal de la mujer, nos acerca al tema del retrato de la ceguera que ya había introducido en una de sus pinturas más conmovedoras del periodo azul, Ciego comiendo, realizada en Barcelona en el otoño de 1903. Los cuerpos enflaquecidos y frágiles de la pareja, sus manos exageradamente alargadas y sus rostros angulosos, unidos a un lenguaje de ritmos manieristas, no hacen más que enfatizar su aspecto marginal. Fernande Olivier testimoniaba años más tarde que el grabado personificaba «una intensa expresión de pobreza y alcoholismo». 

 Mercedes Tamara
24-06 .2018

Bibliografia Colección Carmen Thyssen Bornemizsa 

FIGURA EN UNA MESA MUCHACHA ACODADA SALVADOR DALI

                            FIGURA EN UNA MESA MUCHACHA ACODADA 1925 Figura en una mesa, muchacha acodada óleo sobre cartón sobre tabla 46 x...