miércoles, 24 de junio de 2015

MADOLINA Y GUITARRA JUAN LES PINS, PABLO PICASSO

MADOLINA Y GUITARRA JUAN LES PINS, 1924
Mandolina y guitarra " Juan les Pins"
óleo y arena sobre lienzo
Museo Guggenheim, Nueva York


La fusión del estilo que se había convertido en una característica de la obra de Picasso es evidente en Mandolina y guitarra " Juan les Pins"
Los instrumentos de cuerda desempeñaron un papel vital como motivo en el Cubismo analítico durante el período comprendido entre 1910 y 1911 . 

Sus collages y papiers colié ( papel pegado ) de 1912 contenían elementos ya preparados de la vida moderna como periódicos , billetes de autobús y fragmentos de partituras , además de desechos como el serrín , hilo y arena . Para Picasso , estos fragmentos de vida moderna constituían una nueva forma de representación que no sólo interpretaba el espacio pictórico , sino que también ofrecía un nuevo lenguaje visual en que los objetos actuaban como símbolos. En el siguiente período de la producción artística de Picasso conocida como
Cubismo sintético , desarrolló formas más definidas de significados pictóricos al otilizar, por ejemplo, una paleta de colores más vivos para expresar sus ideas 

Picasso pintó 
Mandolina y guitarra " Juan les Pins" en el punto álgido de su participación en el Surrealismo en el que André Breton le describió como " uno de los nuestros " 

Mercedes Tamara ( autora )
24-06-2015





jueves, 18 de junio de 2015

MARGHERITE SENTADA AMEDEO MODIGLIANI

MARGHERITE SENTADA 1916

Margherita sentada
óleo sobre lienzo 80 x 39, 6 cm
Colección privada



Esta pintura es un testimonio de cómo Modiglani solía trabajar en series, dedicando más de un retrato a sus personajes . De esta manera, de cada sesión con sus modelos , sacaba el mayor resultado económico. La misma modelo de este retrato , con el mismo vestido de color rosa pálido y de escote cuadrado, aparece en otra pintura - también reproducida en en la pintura de abajo en posición sentada de perfil.

Mientras que la mayoría de los personajes masculinos que pintó el artista están identificados muchos de ellos , eran artistas , marchantes o coleccionistas de gran notoriedad en el círculo artístico parisino -, cuando se trata de personajes femeninos aparecen a menudo identificados únicamente por el mismo nombre- como Louise, Renée o Alice - o simplemente no aparecen identificados , a excepción de los retratos dedicados a amigas o compañeras del pintor.

En el caso de la mujer que posó para esta pintura, se desconoce casi ninguna información sobre su persona. Está identificada como Mragherita porque su nombre aparece inscrito en el ángulo superior derecho de la tela . Algunos estudiosos han sugerido que se trata de un retrato de la hermana de pintor Margherita , que vivía en Italia junto a su madre y que visitó en reiteradas ocasiones al pintor en París . Sin embargo, la última visita que realizó antes de la ejecución de esta pintura fue en el verano de 1913 , lo que sugiere que este retrato hubiera ser pintado de memoria. También es probable que se trate de una modelo anónima y que el artista haya titulado la obra en memoria de su hermana.








La mujer aparece aquí representada de medio cuerpo , sentada con el brazo izquierdo apoyado sobre el respaldo de la silla , una pose que se repite en  otros retratos de nuestro pintor . la habitación en la que se ha ubicado al personaje está apenas indicada con la presencia de una puerta , en el fondo a la izquierda y el espacio está levemente sugerido por la perspectiva de la silla.

El rostro de la mujer es delgado y está delineado por un delicado trazo negro-véase la elegante linea de la nariz recta y alargada. Hierática y severa en su postura , toda la expresividad de esta figura se concentra en los grandes y vivos ojos , que miran atentamente al espectador . Estos ojos , como en muy pocos casos ocurre en los retratos de Amedeo, están representados de un modo convencional  y con la pupila bien definida . Incluso las pestañas aparecen definidas, lo que otorga una mayor expresividad a la mirada . La cabeza se apoya sobre un cuello esbelto y estilizado , un signo distintivo de los retratos  femeninos de años posteriores.

Mercedes Tamara
18-06-2015

Bibliografia : Amedeo Modigliani, Edic Taschen 

domingo, 14 de junio de 2015

AUTORRETRATO AMEDEO MODIGLIANI

AUTORRETRATO 1919
Autorretrato
óleo sobre lienzo 100 x 64,5 cm
Museo de Arte Contemporáneo de Sao Paulo


A finales de 1919 , unos meses antes de morir, un frágil pero sereno Amedeo presagiando quizás su final inminente se retrató a sí mismo. Él que tanto se había dedicado a retratar la figura humana , en sus últimos días , como en un acto de introspección , se representó a si mismo .

Éste es el único autorretrato conocido del pintor exceptuados unos pocos dibujos y una representación bajo la máscara de Pierrot realizada en 1915.

Amedeo aparece sentado en una silla , arrimado a una mesa , en un ambiente dominado por colores cálidos . Presenta su cuerpo de perfil y la cabeza levemente inclinada hacía atrás . Su rostro pálido y delgado, es el de una persona cansada y enferma.

Tal como se acostumbraba , al pasearse por París, va vestido con una chaqueta gruesa de terciopelo y un pañuelo alrededor del cuello. En su mano derecha sostiene la paleta de colores; en la izquierda un pincel, que apenas se insinúa . Es la imagen legendaria y convencional del pintor con sus atributos . Amedeo parece aquí querer emular a célebres artistas del pasado . Como hicieran Rembrandt, Velázquez , Paul Gauguin  o Vicent van Gogh . Amedeo se representó por única vez en  su condición de pintor . En este Autorretrato dejó su testimonio no sólo de su arte sino también de la idea que tenía de sí mismo.

En la obra , el pintor no renunció a los elementos característicos de su pintura. Sometió su propio cuerpo a su peculiar elongación y distorsión de la figura, lo que se traduce especialmente en el rostro oval e inclinado . Y por última vez, repitió esos ojos extrañamente vacíados, unos ojos que no están ni abiertos ni cerrados , lo que enfatiza esa rara sensación de ensimismamiento del personaje . En la mirada retrospectiva , distante , el pintor expresa ese alejamiento del mundo que ya sentía dentro de sí

Mercedes Tamara
14-06-2015

Bibliografia : Amedeo Modigliani, Edic Taschen

martes, 9 de junio de 2015

LA COPA AZUL PABLO PICASSO

LA COPA AZUL 1902.1903
La copa azul
óleo sobre lienzo 66,1 x 28,5 cm
Museo Picasso Barcelona


La simplicidad compositiva , así como la maestría técnica que vuelca en este pequeño óleo , hacen de él una obra de excepcional belleza plástica .

Convierte una simple copa de cristal en un jarro en el que reposa la flor . Picasso manifestó en una ocasión : " El objeto más cotidiano es un barco , un vehículo de mi pensamiento . Es para mí lo que la parábola para Cristo " . Extraer una copa de las escenas de café de la Barcelona y el París de aquellos años , que proliferan en su obra , de las mesas en las que se apoyan personajes abatidos o algunos de sus amigos , para individualizarla en otra mesa donde comparte protagonismo con una flor de pétalos rojos.

El cristal tiene un centelleo realzado con blanco y toques de azul oscuro que le dan la total transparencia e inmaterialidad que acentúa el tono misterioso y simbólico de la obra. A través de ella , la visión se alarga hasta la opaca pared azul del fondo , color que tiñe la totalidad de la composición excepto los pétalos rojos de la flor , que conserva el corazón y los nervios azules . Esta especie de lirio amarillo, símbolo de la decadencia fin de siècle , ya ha aparecido anteriormente en 1900, en la mano de Jaume Sabartrés en Poeta decadente , así como en algunos dibujos de aquel momento que se conservan en el Museo de la Naturaleza muerta del año 1901.

Un estudio radiográfico de la obra ha descubierto debajo de la misma una pintura de un hombre de perfil


Mercedes Tamara
9-06-2025


Bibliografia : Guía del Museo Picasso de Barcelona

martes, 2 de junio de 2015

LA TENTACIÓN DE SAN ANTONIO LEONORA CARRINGTON

LA TENTACIÓN DE SAN ANTONIO 1947
La tentación de San Antonio
óleo sobre lienzo
Christies Images Londres


Leonora Carrington era una rebelde y fue expulsada del convento donde estudiaba por rebelarse contra la iglesia Católica y su familia 
cuya excesiva devoción detestaba. Carrington también despreciaba los ideales capitalistas de su padre, un rico fabricante de telas de Lancashire.

En La tentación de San Antonio, Carrington refleja estas dos cosas. Como tenía veinte años , el padre de San Antonio murió dejándole a éste una gran suma de dinero . Después de leer posteriormente el  
Evangelio de San Mateo en el que se alienta al lector a vender sus posesiones a cambio de los tesoros del cielo. San Antonio donó su herencia y abrazó el ascetismo y se hizo ermitaño . En el desierto estuvo sometido a la tentación de los demonios de un muy parecido a Jesús . Habiéndose resistido a estas tentaciones San Antonio emprende la búsqueda hacía un monasterio que se basara en su propia vida ascética . La interpretación de Carrington es iconoclasta , donde desafía las convenciones de las pinturas renacentistas que representan a San Antonio resplandeciente con una capa roja. Aunque San Antonio adquiere en la imagen de Carrington presencia física , aparece como un ermitaño escuálido , siendo su torturador quien lleva ahora la resplandeciente capa roja

Mercedes Tamara
2-06-2015

FIGURA EN UNA MESA MUCHACHA ACODADA SALVADOR DALI

                            FIGURA EN UNA MESA MUCHACHA ACODADA 1925 Figura en una mesa, muchacha acodada óleo sobre cartón sobre tabla 46 x...