NOCHE DE VERANO EN AAGAASTRANDT EDVARD MUNCH

NOCHE DE VERANO EN AAGAASTRANDT  1904

Noche de verano en Aagaastrandt
óleo sobre madera 99x103 cm
París, Musée d´Orsay

Aunque todavía esté discutido en Noruega, Munch adquiere, a comienzos del siglo XX, una reputación internacional. Recibe una acogida favorable en diversas exposiciones: en Berlín durante la Secesión en 1902, en Praga en el seno de la asociación artística Manes, en 1905 y en París, donde está presente en el Salón de los Independientes de 1902 a 1904. Munch presenta precisamente Noche de verano en Aasgaardstrand en los Independientes de 1904, entre varias vistas de este pequeño pueblo situado a orillas del fiordo de Oslo donde acude asiduamente desde 1888.


 El motivo de este cuadro se encuentra en varios de sus lienzos anteriores (Jóvenes en un puente, 1899-1901, Moscú, Museo Pushkin, y Mujeres en un puente, 1902, Bergen, Billedgalleri). Se trata pues de un tema antiguo y habitual para el artista, pero mediante el que da aquí toda la envergadura de su evolución estilística, expresando sus nuevas preocupaciones formales, constructivas y de color.


Los elementos del paisaje, árboles, muro, casa, rotundamente estilizados y a veces delimitados por espesos trazos de color, la larga diagonal que cava el lienzo, creando un espacio relevante, tenso, proporcionan su profundidad a la composición. Ninguna figura, ningún elemento anecdótico viene para alterar el rigor de construcción de este paisaje, impregnado de esta luz azulada típica de las noches de verano nórdicas. Una atmósfera intensa e inquietante está presente en el lienzo, plasmada mediante una pincelada diversificada, enérgica y rápida, animada por violentos contrastes de colores, debidos a la oposición entre tonos cálidos y fríos.


La obra de Munch llama la atención de los futuros Fauves, Matisse, Derain, Marquet, Dufy y Friesz, que admiran la "precisión salvaje y la coloración espiritual" del artista, precursor de las investigaciones cromáticas llevadas a cabo por el fauvisme.s Musée d´Orsay 

Mercedes Tamara

30-09-2014

Bibliografía : Edvard Munch, Edic Taschen

ATARDECER EDVARD MUNCH

ATARDECER 1888

ATARDECER
óleo sobre lienzo 
75x100,5 cm
Museo Thyssen Bornemizsa

A finales de la década de 1880 la pintura del joven Edvard Munch atravesaba un periodo de transformación desde el naturalismo , y el realismo social de su primera etapa, hacia una mayor influencia del impresionismo francés al que el artista añadiría una componente simbolista y expresionista muy acusado.

. Durante el verano de 1888 viajó junto a su amigo el pintor Karl Dørnberger a la pequeña localidad noruega de Bergen , donde el artista realizó este retrato de su hermana Laura .Con actitud ausente y protegida por un sombrero de paja, la melancólica joven, en los prolegómenos de su futura esquizofrenia , está sentada de perfil en primer término, a la izquierda de la composición, junto a una casa cercana a la orilla en donde se divisan dos figuras en la distancia.




La disposición de Laura, en primer término, descentrada y aislada del fondo del paisaje, inaugura un tipo de recurso que Munch utilizará habitualmente en el futuro para enfatizar la tensión emocional, una tensión que aquí se acrecienta todavía más con la luz de atardecer. La forma ondulada de la costa característica del fiordo de Kristiania (hoy Oslo), también anticipa las composiciones posteriores, como el retrato de su otra hermana Inger en la costa , pintado durante el verano de 1889 en Åsgårdstrand


. En ambos retratos Munch concede la misma importancia a las figuras y al paisaje según un esquema compositivo que caracterizará gran parte de su obra. Ahora bien, como puede apreciarse en las radiografías de Atardecer , en un principio Laura no se encontraba sola. Junto a ella Munch había colocado otras dos personas en la composición: una mujer en el centro y otro personaje subiendo por las escaleras de la casa. Al eliminarlas, Munch no sólo acrecentó la soledad de Laura sino que también logró incrementar el dramatismo que respira la escena.

Mercedes Tamara 

25-09-2014

Bibliografía : Edvard Munch, Edic Taschen 

AUTORRETRATO CON TRENZAS FRIDA KHALO

AUTORRETRATO CON TRENZAS 1940

Autorretrato con trenzas de Frida Kahlo 
óleo sobre tela 51x38 cm
Colección A.N. Gelman

Esta pintura Autorretrato con trenzas lo realizó Frida poco después de la nueva boda con Rivera, en diciembre de 1940. Muestra a la artista con un peinado muy parecido al que usan las mujeres indigenas en la región norte de la provincia de Oaxaca y en Sierra Norte de Puebla .

El pelo está peinado hacía atrás , bien apretado , y un mechón trenzado con una cinta roja de lana que se eleva sobre la cabeza como un adorno postizo . Sus salvajes cabellos son difícilmente domables , diversos  mechones salen de forma irregular del trenzado.  Los cabellos cortados de un cuadro reaparecen en el siguiente recogido y trenzados .

Podemos interpretar este tocado , cuya trenza constituye una cinta sin fín , como símbolo del eterno circular del tiempo , una metáfora reforzada aún más por la planta de acanto que se enreda en el busto desnudo  de la artista ( esta planta es, debido a su  perseverante crecimiento , un antiguo símbolo de la vida eterna ) . 

Así , un año más tarde recuperó Frida Kahlo la feminidad que en 1940 había rechazado y depuesto.

Mercedes Tamara
24-09-2014

Bibliografía :Frida Khalo, Edic Taschen 

EL SUICIDIO DE DOROTHY HALLE FRIDA KHALO

• EL SUICIDIO DE DOROTHY HALLE 1938-39

El suicidio de Dorothy Halle
óleo sobre fibra dura con marco de madera pintado 60,4 x 48,6 cm
Phoenix, Art Museum

Clare Boothe Luce, la editora de la revista de moda " Vanity Fair " le encargó un trabajo a Frida . Su amiga Dorothy Halle , una actriz a la que también Khalo conocía ,se había suicidado en octubre de 1938. " Poco después fui a la exposición de los cuadros de los cuadros de Frida Khalo "explicaba la editora el contexto del encargo :"Frida Khalo se dirigió a mi, a través de la multitud de personas y comenzó a hablar sobre el suicidio de Dorothy (....) Khalo no tardó en proponer que ella podría realizar un recuerdo de Dorothy . Yo no entendía suficiente español para entender el significado de la palabra recuerdo (...) Pensé que Khalo haría un retrato de Dorothy al estilo de su propio autorretrato ( dedicado a Troski ) que yo había comprado en México ( y todavía poseo ) . De pronto se me ocurrió que un retrato de Dorothy pintado por una conocida pintora amiga podría ser algo que a su pobre madre le gustaría tener. Expuse esta idea, y Khalo me reafirmó en ella .Pregunté el precio,  Khalo me lo dijo y yo contesté : " Mándame el retrato cuando esté listo" Yo se lo envió a la madre de Dorothy ".


Así surgió el cuadro El suicidio de Dorothy Halle , la documentación de un suceso real que Frida Khalo tradujo al lenguaje del exvoto. Dorothy Hall se había tirado por la ventana de un rascacielos. Frida Khalo retuvo la escena en diferentes fases de la caída, como en una fotografía expuesta varias veces, y expuso el cadáver sobre una llanura a modo de escenario , separada del rascacielos y situada en primer plano. El suceso está comentado en una inscripción con letras rojo sangre : " En la ciudad de Nueva York , el 21 de octubre de 1938, a las seis de la mañana , se suicidó la señora Dorothy Hale tirándose desde una ventana muy alta del edificio Hampshire House. En su recuerdo ( aquí están borradas algunas palabras ) ese retablo, pintándolo Frida Khalo.


Dorothy Halle , cuyo marido Gardiner Hale, un pintor de retratos reconocido en la High -Society americana , había muerto a mediados de los años treinta en accidente automovilístico , tenía grandes dificultades económicas. No podía financiar el costoso estilo de vida mantenido durante los años de matrimonio. Probó suerte en Hollywood , pero no superó las pruebas cinematográficas y vivía del favor de sus amigas y amigos , En sus repetidos intentos de encontrar trabajo, le dijeron que era demasíado vieja- treinta y tres años- para una carrera profesional. en lugar de un trabajo haría mejor buscándose un marido rico, Poco antes de su suicidio -invitó a sus amigos a una fiesta de despedida.


Cuando Claire Boorke vio el cuadro . pensó seriamente en destruirlo : " Nunca olvidaré el susto que me llevé cuando saqué el cuadro de la caja , Me sentía psiquícamente enferma .¿ Qué iba a hacer yo con este escalofriante cuadro del cadáver estrellado de mi amiga , con su sangre esparcida por todas partes ?


Finalmente , la editora se dejo aconsejar por sus amigos y no destruyó el cuadro

Mercedes Tamara

23-09-2014

Bibliografía : Frida Khalo , Edic Taschen

ARBOL DE LA ESPERANZA MANTENTE FIRME DE FRIDA KAHLO

 

ARBOL DE LA ESPERANZA MANTENTE FIRME 1946

Árbol de la esperanza
mantente firme de Frida Kahlo 
óleo sobre fibra dura 55,7x 40,6 cm
Colección privada

Frida Kahlo pintó este autorretrato tras una operación en Nueva York , pero su mecenas , a quien en una carta Frida le hablaba de las cicatrices " que me han dejado estos hijos de puta de cirujanos " . Con la frase que aparece en la banderilla que sujeta en sus manos : " árbol de la esperanza mantente firme"Frida Kahlo parece querer darse ánimos asi misma. Al cuerpo esnudo, herido y debilitado se opone la Frida fuerte .

El dualismo de su personalidad , de su ser, se refleja también en las dos mitades del cuadro, dividido en día y noche . El sol que según la mitología azteca se alimenta de la sangre de las víctimas humanas , corresponde al cuerpo mutilado. Dos profundos desgarramientos en la espalda encuentran su correspondencia en el agrietado paisaje de fondo . La luna, en cambio, símbolo de feminidad, conecta con Frida fortalecida,llena de esperanza.

Este principio dual presente en gran cantidad de sus cuadros,tiene su origen en la antigua mitología mexicana , constante fuente de inspiración para la artista. Significó para ella la expresión de su filosofía de naturaleza y vida. El dualismose basa en la concepción azteca acerca de la guerra permanente entre el dios blanco Huitzlopochtli- el dios del sol, la encarnación del día- y su contrincante Tezcatlipoca- lo negro,el dios del sol poniente, la encarnación de la noche y del cielo estrellado, del invierno, de la noche y del agua.

Esta lucha garantiza el equilibrio del mundo. El principiode la dualidad en la unidad está presente sobre todo en aquellos cuadros en los que en el fondo aparece divididoen una mitad clara y una oscura , una mitad noche y una mitad día . Al mismo tiempo están presentes la luna y el sol, los principios femeninos y masculinos . Esta divisiónen dos del universo se extiende incluso a su propia persona cuando se representa doble, como personalidad dividida

Mercedes Tamara

22-09-2014

Bibliografia : Frida Khalo , Edic Thyssen

MÚSICA I GUSTAV KLIMT

MÚSICA I 1895

Música I
óleo sobre lienzo 37 x 44,5 cm
Neue Pinakothek, Munich

En 1895 Gustav Klimt representó por primera vez un tema al que volvería en su producción posterior por las grandes posibilidades simbólicas que ofrece : la música . En estos años el pintor se hallaba en un proceso de cambio respecto a la formación académica recibida que condujo su estilo entre corrientes como el Impresionismo y la abstracción a las que nunca llegó a adscribirse por completo; no obstante, aún mantenía de los comienzos el gusto de la suntuosidad y la  primacía de las representaciones alegóricas , como se observa en Música I

Música II , 1898
óleo sobre lienzo 150 x 200 cm
cuadro destruido en un incendio

Respondiendo a la asimetría de la composición , a la izquierda se sitúa una figura femenina que está tocando la lira, motivo al que recurrió en 1901 para Música, la litografía en color realizada para el número 4 de la revista de la Secesión y en 1902 en la figura de la Poesía del Friso de Beethoven. El contraste entre la sutilidad vaporosa casi impresionista con que se concibe a la joven y la abstracción dorada y plana que da forma a la lira muestra la fluctuación estilística propia de estos años.

Música 1901
litografía
Graphische Sammlung Albertina, Viena

El resto de la obra acoge distintas representaciones frecuentes en la época finisecular que nos ocupa . Por un lado, la esfinge, símbolo de la dialéctica entre lo animal y lo espiritual en la naturaleza humana así como de la libertad del artista y del enigma que rodea a la creación ; por otro, el diente de león como metáfora de la difusión de las nuevas ideas y la máscara , asociada desde la Antigüedad a las artes escénicas y dramáticas. En 1898 Nikolaus Dumba encargó a Gustav Klimt la decoración de la  sala de música del Palacio de Dumba en Viena.

Safo o el anhelo de felicidad satisfecho en poesía
del Friso de Beethoven 1902
Kunsthistoriches Museum Viena

El pintor realizó dos cuadros, destruidos en la Segunda Guerra Mundial: Música II y Schubert al piano . En Música II se retoma la figura femenina creada en la versión de 1895 aunque ahora es concebida bajo la forma de femme fatale que ya se esbozó sutilmente en la joven que encarnaba a La Antigua Grecia I en el conjunto decorativo de la escalinata del Kunsthistoriches Museum de Viena realizado por la Compañia  de Artistas entre 1890 y 1891. Asimismo, en esta segunda versión vuelven a aparecer elementos tales como la máscara, la esfinge, los dientes de león o la lira, aunque ésta última vea su importancia ( y, en consecuencia, sus dimensiones ) reducida considerablemente . Gustav Klimt ensayaba sobre un mismo modelo , reafirmado definitivamente en la litografía de 1902, los recursos que en pocos años configurarían el universo estético y simbólico propio de su producción madura: un mundo repleto de misterio y poblado por mujeres etéreas, las cuales , sin embargo, resultaban amenazadoras e inquietantes.

Mercedes Tamara

21-09-2014

Bibliografía : Gustav Klimt , Edic Taschen 

LA PRIMERA COMUNIÓN PABLO PICASSO

LA PRIMERA COMUNIÓN 1970

La primera comunión

óleo sobre tela 118 x 166 cm

Museo de Montserrat, Cataluña

En septiembre de 1895 la familia Ruiz Picasso se instala definitivamente en Barcelona, al obtener el padre una plaza de profesor en la Escuela de Bellas Artes de la Llotja. Pablo prosigue en este centro los estudios iniciados en La Coruña , y los dos años de asistencia al mismo consolidan la formación académica del joven.



Tutelado por el padre , realiza La Primera Comunión , una tela de formato mucho más ambicioso que el que trabaja habitualmente, y que le sirve de entrada en el mundo artístico oficial al presentarla a la Exposición de Bellas Artes e Industrias Artísticas de Barcelona. El certamen conlleva la primera crítica importante de la prensa que dice:
" Es una obra con sentimientos en los personajes principales y trazos apuntados con firmeza ".

El tema es totalmente convencional : la comunión de su hermana Lola . La niña está arrodillada en el reclinatorio leyendo un misal.  Es apadrinada por un señor bastante parecido a su padre, si bien muy a menudo se le identifica con el doctor Vilches , un amigo de la familia y padre de Pedro , el monaguillo que se encuentra en el prebisterio , poniendo un ramo de flores en el altar . Picasso dedica este óleo a este niño , al que sitúa en el prebisterio apagando las velas del candelabro que se encuentra detrás del ramo. La obra, que pertenece al Museo de Montserrat, enlaza con un óleo del Museo Picasso de Barcelona. Un monaguillo dando óleo a una anciana y los esbozos preparatorios del mismo.

La composición es de factura y cromáticamente academicista y está precedida por unos dibujos preparatorios. Todos ellos, así como el conjunto de los dibujos y pinturas de temas eclesiásticos que realza en estos momentos , que en su mayor parte se encuentran en el Museo Picasso de Barcelona, muestran que el arte religioso es potencialmente provechoso dentro del ambiente artístico en el que se mueve.

Mercedes Tamara

19-09-2014

Bibliografía : Picasso, Edic Taschen

GALA Y EL ANGELUS DE MILLET PRECEDIENDO A LA LLEGADA INMINENTE DE LA ANAMORFOSIS CÓNICA SALVADOR DALI

GALA Y EL ANGELUS DE MILLET PRECEDIENDO A LA LLEGADA INMINENTE DE LA ANAMORFOSIS CÓNICA 1933

Gala y el Ángelus de Millet precediendo a la llegada inminente
de la anamorfosis cónica ( 1933 )
óleo sobre lienzo 24,2 x 192, 2 cm
Otawa, National Gallery of Canada

Esta diminuta , luminosa y enigmática pintura pertenece a una serie de obras de principios de la década de 1930 que exploraban los miedos emocionales que El Ángelus de Jean-François Millet provocaba en Dalí. Este cuadro del siglo XIX fascinaba intensamente al artista , fascinación suscitada por el recuerdo infantil de una ocasión en la que vio una reproducción de la obra en el pasillo de su escuela en Figueras. Aunque la mayoría consideraba El Ángelus como una imagen sagrada de piedad rural, para Dalí era un ejemplo monstruoso de represión sexual y violencia disfrazadas. En su interpretación crítico paranoica del cuadro, a la que dedicó un libro titulado "El mito mágico del Ángelus "de Millet, que empezó hacía 1932 pero que no publicó hasta el 1963. Dalí afirmó que la obra estaba codificada con imágenes manifiestas de castración y muerte. Según este panorama mórbido , los humildes campesinos, la campesina y su esposo, que juguetea con su sombrero, mientras espera que ella concluya la oración, adoptan las siniestras connotaciones del extravagante ritual del apareamiento de la mantis religiosa, en el que el marido está a punto de ser devorado por su pareja sexualmente agresiva tras la cópula.

En este cuadro, en lugar de transformarlo por el método crítico paranoico de Dalí, El Angelus de Millet está reproducido sin alteración significativa, aunque la composición se ha ampliado horizontalmente para hacer del espacio que hay entre las figuras y a cada lado de ellas mayor que en original y que ocupe por completo la anchura del umbral abierto sobre el que se sitúa el cuadro. En esta obra, la presencia de una reproducción moderadamente fiel de El Angelus sobre la puerta aporta una explicación parcial de la acción que se desarrolla justo debajo, donde una Gala de sonrisa grotesca que se ve en el fondo con su chaqueta multicolor de ricos bordados, adopta el papel de hembra predadora y dominante.Frente a ella, al otro lado de la mesa, está la figura de Lenin, el líder de la revolución comunista, reconocible por su calva , mientras que el extraño personaje con cabeza de langosta que escucha a escondidas detrás de la puerta ha sido identificado como Máximo Gorki. Otro revolucionario presente en la habitación es André Breton, el poeta y el líder del grupo surrealista , que está retratado en el busto de yeso colocado en una balda elevada que queda sobre Gala y Lenín. Aunque el significado último de la misteriosa obra sigue siendo insondable, la presencia de Gala, Lenin, Gorki y Breton bajo el símbolo de El Angelus de Millet, sugiere que el cuadro tenía la intención de ser una alegoría de las ansiedades y obsesiones más profundas del artista, que en ese momento se centraba en madres que devoraban a sus hijos en forma de caníbalismo sexual

Mercedes Tamara

14-09-2014

Bibliografía: Dali , Edic Taschen 

RETRATO DE LA MADRE DEL ARTISTA PABLO PICASSO

RETRATO DE LA MADRE DEL ARTISTA1896

Retrato de la madre del artista
pastel sobre papel, 49,5 x 39 cm
Barcelona,Museo Picasso

En el año 1896, Picasso intensifica su actividad como retratista concentrándose sobre todo en el entorno familiar . El padre,la madre y la hermana se convierten en modelos habituales del artista novel y en protagonista de un número importante de pinturas y dibujos en los que se observa el profundo esfuerzo por captar al ser humano.

Uno de los más bellos es el que dedica a su madre , María Picasso López ( 1855- 1938 ) , con la que guarda un gran parecido físico y siempre estará muy unido . No tardará mucho tiempo en dar primacía al apellido materno hasta convertirlo en la única firma de la mayor parte de sus obras .

Como la mayoría de sus dibujos de juventud , esta obra sigue las corrientes de la sensibilidad de la época y las nociones estéticas que le guían a lo largo de estos años de aprendizaje académico. Picasso la realiza antes de emprender su propia reflexión , que le lleva a reconsiderar los valores estéticos establecidos.

La técnica del dibujo , más sutil y corporal que la de la pintura , le sirve para dar a la figura de su madre una percepción más fogosa y de mayor presencia . Capta el momento en que doña María , de perfil , reposa adormilada , con la cabeza ligeramente inclinada hacía delante y los ojos cerrados , en el nuevo domicilio familiar de la calle de la Mercè .

La atmósfera plácida , unida al buen uso de la técnica del dibujo , sobre todo en los reflejos lumínicos del rostro de la dama y en la textura de la ropa de la camisa blanca realizados por trazos de un blanco álgido , hace de este retrato una obra trascendental de formación del artista.

Mercedes Tamara Lempicka

14-09-2013

Bibliografía: Wikipedia; " Retrato de la madre del artista 

EL SUEÑO 1917 DE SALVADOR DALÍ

EL SUEÑO 1917 

EL SUEÑO 1917 de Salvador Dalí
óleo sobre lienzo 51x78 cm
Colección particular

Para el psicoanálisis el sueño tiene un efecto compensador para nuestra vida despierta. ,Aquí para Dalí marca el tiempo necesario para olvidar los horrores de la guerra y lo pinta como un gran monstruo que, aunque está sostenido por muletas , es el único refugio. También quisó expresar la máxima intensidad de la angustia causada por el espacio vacío .


Su tremenda violencia refleja el terror que se vivía en los años 1917 anteriores La terminó seis meses antes de estallar la guerra como forma de canibalismo destructivo;un monstruoso cuerpo humano cuyo brazos y piernas entremezclados se estragulan mutuamente en pleno delirio , profetizando así la " España fascinada por el horror de la destrucción ".


Es una de las imágenes más agresivas y dramáticas de cuanto han pintado sobre la guerra, mucho más incluso que el Guernica ( 1937) de Picasso. El terrible rostro de Dalí tiene una relación con Saturno devorando a los hijos de Goya. Saturno es la personificación romana del dios griego Cronos , que se caracteriza por su poder destructor por el paso del tiempo . Pero también en tiempos de Homero ,Saturno es el terrible, el destructor dios promotor de la guerra .



Bibliografia : Salvador Dali , Edic Todo Arte

Mercedes Tamara

4-09-2014

LAS AMIGAS DE GUSTAV KLIMT

LAS AMIGAS 1916-1917

Las amigas
óleo sobre lienzo 99x 99 cm
destruido en un incendio

En su artículo titulado "Ornamento y crimen", Adolpf Loos empieza con una frase que resulta ideal para definir la obra de Klimt: "Todo arte es erótico". Sin embargo, el artículo pretende criticar a Klimt y a los artistas de los Talleres de Viena, a lo que el maestro vienés respondió pintando un Autorretrato con genitales.

Las dos amigas es un ejemplo más de la obsesión que tenía Gustav Klimt porque las protagonistas de sus cuadros siempre fueran mujeres, ya que detestaba pintar al hombre , como se puede apreciar en la abundante producción pictórica en la que la protagonista única y absoluta siempre es la mujer sola o en compañía de otras mujeres,

El turbante de la muchacha, truncado en la parte superior para captar la atención del espectador, añade otra nota de teatralidad y exotismo.Como en Friederike María Beer, las muchachas miran directamente al observador, sin mostrar para nada la profundidad psicológica que había comenzado a surgir en sus últimas obras y que constituía un progreso interesante. De hecho, en esta representación de una pareja abiertamente lesbiana, Klimt parece regresar a su antigua mitología de la mujer fatal, mediante la recuperación de expresiones cargadas de sensualidad y provocación.

El lenguaje pictórico despierta un escenario en donde predomina la  sensualidad , una de las amigas está desnuda como si estuvieran  preparándose para tener una relación lésbica y la otra aparece  adornada con un bello turbante de color rojo - quizá influencia  del fauvismo-Rodean a Las amigas una ornamentación de tipo orientalizante con motivos animales , algo que ha utilizado  mucho Gustav Klimt en pinturas anteriores y, que aparecen diseminados a lo largo del tapiz del fondo :dragones, un gallo para ofrecer una visión fantástica y para acompañar a las dos mujeres que sin esta  ornamentación daría la sensación de un lienzo que está muy vacío 

Bibliografía .Gustav Klimt, Edic : Taschen 

Mercedes Tamara

1-09-2014