lunes, 30 de diciembre de 2013

MEDITACIÓN SOBRE EL ARPA SALVADOR DALI

MEDITACIÓN SOBRE EL ARPA


Meditación sobre el arpa
óleo sobre lienzo 47 x 67
Museo del Ermitage , San Petesburgo




Esta obra fue presentada en la exposición de la Galería Pierre Colle en París durante mes de junio de 1933. La obra ha sido interpretada en numerosas ocasiones de forma diferente. Para muchos especialistas, la muleta representa la realidad, el afianzamiento de lo terrenal, de lo real, que sostiene en equilibrio el sentido de la sexualidad en el cerebro y en la imaginación. Las muletas también son interpretadas como emblema mítico de valores humanos mediante la individualidad o la colectividad. 


El tema del arpa aparece en el año 1932 en El arpa invisible, fina y media, que representaba a los hijos de la protagonista de "La ben plantada". En el arpa siempre está presente una muleta, el cuerpo se representa como una "caja sonora" y el cráneo de forma atrofiada. Respecto al aspecto de la cabeza, algunos estudios psicoanalíticos aclaran que se debía a su angustia sexual y a problemas asociados al evidente narcisismo del artista. El significado de la muleta es otra obsesión de Dalí, que se remonta a sus años infantiles cuando en el desván de su casa encontró una muleta.

El pintor cuenta en "La Vida Secreta de Salvador Dalí" la importancia de esta figura en su producción: "El segundo objeto cuya personalidad despertó en mi interés fue una muleta. Yo nunca había visto una anteriormente y su aspecto llamó poderosamente mi atención, como algo extraordinariamente insólito. Me apropié de la muleta inmediatamente y comprendí que ya nunca podría separarme de ella, tal era el fanático fetichismo que se apoderó como la más elevada expresión de la autoridad y la solemnidad... El objeto me proporcionaba una seguridad en mí mismo y una arrogancia hasta entonces desconocidas. Desde entonces la muleta representa en mí un símbolo de la muerte y un símbolo de resurrección




Mercedes Tamara
30 -12-2013


Bibliografía : Surrealismo, Edic Taschen

domingo, 29 de diciembre de 2013

GALARINA SALVADOR DALI

GALARINA 1944-1945

GALARINA
oleo sobre lienzo 
Fundación Gala- Salvador Dalí
Boymans - van - Beunigen Museo de Rotterdam. 



Gala ha representado a menudo en las obras de Dalí.  Incluso se podría decir que ella es la única mujer cuyo rostro y la silueta parece no cesar, dice el pintor "Ella es el ser más raro de ver, la superestrella que no puede en ningún caso ser comparada con la Callas o Greta Garbo, porque uno puede verlos a menudo, mientras que Gala es un ser invisible, por excelencia antiexhibicionista


En casa de Salvador Dalí, hay dos primeros ministros;  uno es mi esposa, Gala, y el otro es Salvador Dalí Salvador Dalí y Gala son dos seres únicos. capaz de matemáticas de moderación y exaltar mi locura divina ".Este retrato pertenece al período clásico del artista.La obra fue pintada en los Estados Unidos poco antes de la final de la Segunda Guerra Mundial. "Iniciado en 1944,"Dalí escribe en el comentario del catálogo de su exposición en la Galería Bignou in1945, "me tomó seis meses de trabajo de tres horas al día para terminar este retrato

 Nombré este Galarina pintura porque Gala es para mí que Fornarina La era Rafael. Y sin premeditación, éste es el pan de nuevo. Un análisis riguroso y perspicaz saca a la luz la semejanza de los brazos cruzados de Gala con los lados de la canasta de pan, su pecho que parece ser la extremidad de la corteza .

Yo ya había pintado Gala con dos chuletas oh hombro para transcribir la expresión de mi deseo de devorarla. Fue en el  momento de la carne viva de mi imaginación. Hoy en día, ya que Gala ha aumentado en la jerarquía de heráldica de mi nobleza , se ha convertido en mi canasta de pan ".

Este cuadro fue pintado en los Estados Unidos en 1944 - 45,tres años después se había casado con Gala Dalí, en una ceremonia civil.¿ Que se estaba haciendo en el momento en que el artista pretendía haber descubierto por primera vez en su vida la verdadera manera de pintar,es decir: con más y en la pintura?. Para él, esto es infinitamente más sutil en sus tonalidades de los cuadros pintados antes. Que se vincula ya a la época de Leda atómica , cuando estaba haciendo todo el trabajo de investigación técnica relacionados con la materia

Esta investigación lo absorbió tanto que terminó por no prestar atención a las conversaciones e incluso a las declaraciones que hizo Gala de él  En el recuerdo de este episodio que relata la siguiente anécdota:: "Fue precisamente durante este período que me despertaba por la noche para colocar la gota de barniz, más o menos, en una pintura era una locura completa Luego Gala - nos.dijo. en medio de la guerra en el momento mismo en que los estadounidenses se dirigían hacia el Pacífico.'¿En serio, ¿qué haría usted si un día lo mismo que le pasó en cuanto a estos chicos que deben salir a la guerra en los aviones todos los días para ir a luchar?

Parece que junto a este los problemas técnicos que no son tan insolubles! es mucho menos dramático! Y me respondió: «Si se debe hacer tal cosa para mí, si insistían en salir, el paracaidismo" - porque en ese momento existía la posibilidad de que los extranjeros se alistaron - "Bueno, en ese caso, no te debian dejar. " Me había olvidado por completo que se trataba de mi curso y estaba convencido de que si alguien tenía que ir a la guerra, sería Gala! "

La pulsera que llevaba en la muñeca fue una creación de inspiración Fabergé Mogul que Dalí le gustaba muchísimo. Él utilizó la colocó alrededor del tobillo de su esposa en la pintura el pecado original , que puede ser visto hoy en el Boymans - van - Beunigen Museo de Rotterdam. La serpiente, junto con todas las joyas de Gala, fue robado unos años más tarde desde el dormitorio del hotel en el que la pareja estaba en California.

Mercedes Tamara
27 12.2013

Bibliografía : Dalí, Edic Dawn Adex
                      Dalí, Edic Taschen

viernes, 27 de diciembre de 2013

LA VIRGEN DE GUADALUPE SALVADOR DALI

LA VIRGEN DE GUADALUPE 1959

La Virgen de Guadalupe
óleo sobre lienzo 200 x 130 cm

Colección particular










En La Virgen de Guadalupe , Dali reinterpreta la venerada talla en madera de la Virgen con el niño vestida con brocados que, según se dice, esculpió San Lucas y le regaló el papa Gregorio el Grande a san Leandro obispo de Sevilla . La estatua fue enterrada en tierras de Extremadura por unos píos caballeros visigodos tras la victoria de los sarracenos sobre don Rodrigo en el año 711.Ahí  permaneció durante más de seiscientos años hasta que un ganadero llamado  Gil Cordero la desenterró en 1326, supuestamente a raíz de una aparición de la  Virgen . Magnificamente conservada pese al tiempo transcurrido , fue consagrada en un monasterio franciscano a orillas del río Guadalupe / río Lobo,  en árabe ) y , desde entonces pasó a ser conocida como la Virgen de Guadalupe. 





La estatua está tocada con una majestuosa corona rodeada de un halo dorado,  que, en el cuadro, es sustituida por una espiral de flósculos de girasol, prueba  de los conocimientos que Dali tenía de los patrones de un crecimiento natural . Al igual que en la Ascensión, de 1938, el girasol evoca la Divina Geometría y  prueba la existencia de Dios, pues sin él sería imposible un fenómeno logarítmico de este tipo. A la vez, los flósculos dibujan la corona de la Virgen . El cuerpo de la Virgen de Dali encierra un grupo de ángeles -reminiscencia  de la escalera angélica que según la Biblia apreció ante Jacob-flanqueados por dos apóstoles humillados , tomados de La Última Cena de 1955. Como es habitual Gala pone rostro a la Virgen ; la capa rosada y blanca , el niño Jesús y las nubes de tormenta proceden directamente de la Madonna Sixtina de Rafael ( 1513-1514 ) , obra que Dali plasma en el interior de la oreja atomizada del papa Juan XXIII en su propia Madonna Sixtina de 1958.




Las rosas que rodean a la Virgen daliniana son el símbolo tradicional de la Virgen María y podrían aludir a la aparición de 1531 en los altos de Tepeya , en las afueras de la ciudad de México . Según la tradición , la Virgen de la Inmaculada Concepción -vestida con un manto rojo y azul decorado con estrellas que, curiosamente, Dali no incluyó en el cuadro, por más que aparecen en el manto de la talla -se le apareció a un indígena mexicano . Quahtlaroazin, bautizado seis años antes con el nombre de Juan Diego. La virgen conminó a Diego a que pidiera al obispo Juan de Zumárraga , la construcción de un templo en su honor en lo alto de la montaña . Cuando el escéptico obispo le pidió pruebas a Diego ,éste, acudió de nuevo a la Virgen, quien le hizo llenar su tilma- el capote que usaban los indigenas mexicanos - de rosas rojas de Castilla, que, milagrosamente florecieron a pesar del frío invierno. Cuando Diego regresó ante el obispo , abrió la tilma y en ella encontró, bajo las rosas , una pintura de la Virgen en lo alto de una luna creciente.




Al parecer , la Virgen le había hablado a Diego en náhuarl, la lengua de los aztecas, dándose a si misma el nombre de Coatlaxopeuh, de pronunciación parecida a Guadalupe y que traducido significa " la que aplasta a la serpiente "refiriéndose tal vez al dios-sepiente Qietzacoalt . Muchos de los aztecas creyeron que se trataba de una aparición de la diosa Tonantzin, cuyo templo había estado una vez en los altos de Tepeyac, pero los conquistadores españoles la identificaron con Guadalupe, seguramente porque muchos de ellos-incluido Hernán Cortés- procedían de Extremadura. La tilma milagrosa y los relatos de esa Virgen de Guadalupe de tez oscura que hablaba en lengua náhuatl fueron una poderosa herramienta en manos de la Iglesia con vistas a catolizar a los aztecas se habían convertido al cristianismo.






En 1737, la Virgen de Guadalupe fue nombrada patrona de la Ciudad de México, y al cabo de diez años de toda la Nueva España. En 1910 , el papa Pio X la declaró patrona de América Latina y Pio XII , patrona de las Américas en 1946, extendiendo su patronato también a la anglófona América del Norte . La importancia de la Virgen de Guadalupe para la imposición del catolicismo en América podría apuntar una posible conexión entre el cuadro de Dali y su casi contemporáneo El sueño de Cristobal Colón , de 1960, más allá de la grandilocuente religiosidad y la exagerada verticalidad de ambos. De hecho los documentos que autorizaban el primer viaje de Colón fueron firmados en el Monasterio de Santa María de Guadalupe ante Isabel la Católica y, por consiguiente, los primeros nativos americanos que se convirtieron al catolicismo fueron bautizados así. Gala aparece en El sueño de Cristobál Colón en el papel de la Virgen de la Inmaculada Concepción , a la que Dali tiene por patrona de España, mientras que al fondo se distingue la inequívoca figura de El Cristo de san Juan de la Cruz ( 1951 ) basado en un dibujo del mítico avilés. Estas obras, junto con La Virgen de Guadalupe , celebran lo que Dali describió  en 1960 como " el avance del imperio español hacía Dios " en una exaltación al imperialismo católico español desde Colón-al que Dali tenía por catalán de Girona -a Hernán Cortés.



Mercedes Tamara
27-12-2013


Bibliografía . Dalí, Edic Dawn Adex

jueves, 26 de diciembre de 2013

GALA DESNUDA MIRANDO AL MAR QUE A 18 METROS APARECE EL PRESIDENTE LINCOLN SALVADOR DALI

GALA DESNUDA MIRANDO AL MAR QUE A 18 METROS APARECE EL PRESIDENTE LINCOLN 1973



GALA DESNUDA MIRANDO AL MAR QUE A 18 METROS APARECE EL PRESIDENTE LINCOLN
de Salvador Dalí
óleo sobre papel fotográfico 4,5 x 3,5 cm
Fundación Gala- Salvador Dalí ( Figueras )







La segunda mitad del siglo XIX fue testigo de rápidos avances en la forma en la que las imágenes podían crearse . Dalí fascinado constantemente por las formas en la que las cosas parecían y se veían utilizaba cada oportunidad para experimentar . Dalí utilizaba las puntas de Benday ( puntos de medio tono ampliados ) , las imágenes estereoscópicas e incluso los hologramas para probar distintas formas de contemplar las cosas.


En 1973 , un artículo escrito por Leon Harman de la revista Society American demostraba como con muy poca información se puede crear un rostro reconocible . Consiguió hacer esta demostración al crear una imagen de pixeles o " gran escala de Abraham Lincoln que aunque no es más que una secuencia de cuadros monocromáticos se podía seguir viendo como la imagen del rostro de Lincoln.


Dalí utilizó como referencia la imagen de pixeles original de Harman, la reprodujo en color y dentro de una forma crucíforme del rostro de Lincoln , incorpora la imagen de Gala desnuda , Jesucristo crucificado imágenes con motivos y un collage de otras versiones más reconocibles de la imagen de Harman.


Se trata de una obra verdaderamente grande 4,5x 3,5 metros. En ello Dalí reune temas tan contradictorios como : la religión, el sexo, los avances  tecnológicos , la naturaleza de la autoridad , la Guerra Civil, su eterno afecto por la cultura estadounidense y lo más importante de todo , lo que aporta el espectador a la interpretación de la imagen

Mercedes Tamara
26 -12-2013


Bibliografía : Dalí, Fundación Gala Salvador Dali

GRADIVA DESCUBRE LAS RUÍNAS ANTROPOMORFAS SALVADOR DALI

GRADIVA DESCUBRE LAS RUÍNAS ANTROPOMORFAS 1931-1932
Gradiva descubre las ruinas antropomorfas
óleo sobre lienzo 65 x 54 xm
Colección Thyssen Bornemizsa



Cuando en 1929 Salvador Dalí se instala en París, entra en contacto con el grupo surrealista reunido en torno a André Breton. En el verano de ese mismo año, invita a Cadaqués a los surrealistas René Magritte Camille, Goemans, Luis Buñuel y Paul Éluard, con su mujer Gala, de la que Dalí se enamora de inmediato y se convierte en su musa para el resto de su vida. La principal aportación de Dalí al surrealismo sería su «método paranoico-crítico», desarrollado a partir de 1930, según el cual, en base a las teorías freudianas de la interpretación de los sueños, cada imagen podría ser sometida a dobles lecturas: «Es mediante un proceso netamente paranoico —explica el artista— como ha sido posible obtener una imagen doble: es decir, la representación de un objeto que, sin la menor modificación figurativa o anatómica, sea al mismo tiempo la representación de otro objeto absolutamente diferente, desprovisto también de cualquier género de deformación o anormalidad que pudiera revelar algún arreglo».

Gradiva descubre las ruinas antropomorfas (Fantasía retrospectiva) es una pintura generalmente fechada en 1931, pero como ha señalado Christopher Green, al no haber figurado en la importante exposición del artista celebrada en la galería Pierre Collé de París un año más tarde, se debería fechar en 1932, una vez finalizada esta muestra. Gradiva había entrado en la mitología personal de Dalí en 1931, el año que se tradujo al francés el texto de Sigmund Freud El delirio y los sueños en la Gradiva de Jensen, de 1907, una interpretación de la novela de Wilhelm Jensen, de la que simultáneamente apareció una traducción francesa. Para Freud, Gradiva ofrecía una metáfora arqueológica del análisis del deseo reprimido y de inmediato suscitó el interés de los surrealistas, que vieron en la novela una manifestación del poder del sueño y del deseo sobre la realidad. 

El relato de Jensen está protagonizado por un joven arqueólogo, Norbert Hanold, que vive obsesionado por la figura de una mujer ataviada con una túnica, Gradiva, que había visto en un relieve clásico. La joven se le presenta en sueños en el momento de la erupción del Vesubio en Pompeya y, cuando visita las ruinas de esta antigua ciudad italiana, se le aparece la misma fantasmagórica figura en tres ocasiones. Al principio considera que se trata de la encarnación de Gradiva, pero más tarde se percata de que es un amor de juventud, Zoe Bertgang, que convierte de inmediato en su «Gradiva rediviva».

Los surrealistas hicieron de Gradiva su heroína y en el caso de Dalí será Gala la que ejerza el mismo efecto curativo, por lo que se convertirá en su Gala-Gradiva. En la obra de la colección Thyssen-Bornemisza, entre las ruinas del paisaje desértico y fantasmal aparecen dos figuras abrazadas, una de ellas parece haberse convertido en una roca. William Jeffett las interpreta como dos representaciones de Gradiva, una la verdadera, la otra la enterrada en los recuerdos del joven Hanold. O lo que es lo mismo, dos representaciones de Gala-Gradiva enterrada en los recuerdos del joven Dalí-Hanold . 

Mercedes Tamara
26 .12-2013



Bibliografía : Surrealismo, Edic Taschen

FUENTE NECRÓFILA QUE SALE DE UN PIANO DE COLA SALVADOR DALI

FUENTE NECRÓFILA QUE SALE DE UN PIANO DE COLA 1933
Fuente necrófila que sale de un piano de cola
óleo sobre lienzo
Fundación Gala- Salvador Dalí








Ramón Pichot , que vivía en un pueblo costero de Cadaqués, era amigo del padre de Dalí y miembro de un clan familiar de talentosos artistas. Se cree que animó a Dalí a que se convirtiera en artista. En la finca de la costa, la familia Pichot celebraba conciertos improvisados al aire libre, en ocasiones alrededor de un piano de cola,a la que el joven Dalí asistía.




Entre 1932 y 1934 , Dalí pintó una serie de pequeñas obras que contenían pianos de cola. En los cuadros de Dalí, no obstante, el piano no es la fuente del recuerdo  placentero de su niñez. Las obras como Cráneo y su apéndice lírico farmaceútico levantando con suma precaución la cutícula de un piano de cola y Cráneo atmósferico sodomizando a un piano de cola,todos ellos pintados en 1934, revelan na actitud más neurótica hacía este instrumento musical.







En Fuente necrófila que sale de un piano de cola , el piano ha adoptado la forma deun sarcófago de piedra, el ciprés en la tapa se refiere a la asociación de estos árboles con los cementerios como a los cipreses de la finca de la casa de Pichot . 
Un riachuelo fluye del piano que parece una tumba hasta una charca que está debajo con la forma de la tapa de un piano. El agua cayendo al suelo desde un lugar " muerto "otorga al manantial su calidad necrófila





Mercedes Tamara 

26 -12-2013


Bibliografía : Dali, Fundación Gala-Salvador Dali

FAMILIA DE CENTAUROS MARSUPIALES SALVADOR DALI

FAMILIA DE CENTAUROS MARSUPIALES 1940
Familia de centauros marsupiales
óleo sobre lienzo
Fundación Salvador Dalí- Gala



Dalí solia afirmar que sus primeros recuerdos eran de cuando estaba en el vientre desu madre " el paraíso uterino materno " . Se interesó por las teorías de Otto Rank  ( 1842-1939 ) cuyo libro El trauma del nacimiento sugería que las complicaciones en el parto eran la causa de casi todas las neurosis posteriores. En un principio, Rank fue un buen amigo de Freud pero más tarde acabaría convirtiéndose en uno de sus críticos más duros.


A Dalí le atraía la idea de que los niños pudiesen nacer y luego regresar al útero materno siempre que lo desearían , En Familia de centauros marsupiales visualiza esto mismo no en humanos , sino en centauros , fabulosa criatura de la mitología griega con cabeza y torso de hombre , pero con la parte inferior del cuerpo de  caballo. Tanto en su contenido como en su técnica , la pintura es un regreso al estilo Neoclásico en el que Dalí expermentaría en la década de los años 20.


Aunque Dalí lo pintó en Estados Unidos , los centauros aparecen sobre una linea costera rocosa similar a la de la zona de Cadaqués en Cataluña. La misma linea costera aparece cuatro años después en Sueño causado por el vuelo de una abeja en torno a una granada , un segundo antes de despertar.


Mercedes Tamara
26 12-2013


Bibliografía : Dali, Fundación Gala-Salvador Dali

EL ROSTRO DE LA GUERRA SALVADOR DALI

EL ROSTRO DE LA GUERRA
El rostro de la guerra
óleo sobre lienzo
Colección privada








Dalí estaba profundamente interesado en todas las formas de expresión artística y en la década de los 60 se involucró en la realización de largometrajes y en el mundo de las ilusiones de Hollywood En 1941, pintó cinco bosquejos y tres pinturas para la película Marea Lunar , que inicialmente inició Fritz Lang y protagonizó Jean Gabin . Las ilustraciones se utilizaron en la escena pesadillesca de la secuencia de apertura cuando el personaje de Gabin está tan borracho que más tarde cree haber asesinado a un joven.


El rostro de la guerra, es la obra en la que Dalí basó la secuencia de la película yen si misma una imagen verdaderamente espeluznante . Dalí no trató de utilizar su técnica de imagen doble para crear la forma del rostro como hizo en otras de sus imágenes de calaveras. Simplemente muestra una cabeza , como si fuera la de Medusa , dscomponiéndose con sus " cabellos serpientes " atacándola desde ambos lados. Los ojos y la boca contienen más calaveras, que a su vez tienen  más calaveras en las cavidades de los ojos y la boca , una secuencia que se supone que continúa hasta al infinitum.




Como la mayoría , la imagen obtiene su fuerza de la expresión de miedo e impotencia sorda del  rostro que Dalí transmite tan despiadadamente.




Mercedes Tamara
26 12-2013

Bibliografía : Dali, Edic Fundación Gala Salvador Dali

EL MOSQUETERO PABLO PICASSO


EL MOSQUETERO 1969
El mosquetero 1969
Óleo contrachapado 101x 85,5 cm
Ludwig Museum of Contemporany Art Budapest





Picasso pintó este cuadro en Mougins el 28 de marzo de 1967. Contaba ya ochenta y cinco años de edad y lo firmó en el reverso con una inscripción sumamente reveladora : " Domenico Theotocopoulos van Rijn da Silvas " Se trata realmente de una alegórica identificación del  autor con el arte de tres de los grandes maestros que tanto le atrajeron- El Greco, Rembrandt y Velázquez- mediante una extravagante firma en la que concatena sus nombres reales y no aquellos, por lo que son universalmente conocidos.


¿ Hay acaso , en esta figura del personaje del pasado una fusión de la idea del retrato masculino según las creaciones de efigies que fueron habituales en la producción de los tres celebérrimos pintores ? Observando la indumentaria no parece desacertada tal opinión, aun cuando el aire retador y la acusada manera de mostrar al modelo se vincule más con el siglo XVII que con  el XVI .


Otra consideración es la de que si se trata de un autorretrato , derivándolo de la actitud de las figuras varoniles del siglo de oro europeo , como si desase él mismo sumarse al trío, formando un inigualable cuarteto de artistas del pincel- su arma más segura para pasar a la eternidad- con fino humor , al modo de grupo de expertos aventureros en el manejo de la espada , batalladores y eternamente jóvenes merced a su protagonismo en la inmortal novela de Alejandro Dumas.

Mercedes Tamara
26 -12-2013


Bibliografía : Picasso, Edic Taschen

ESPEJISMO SALVADOR DALI


ESPEJISMO ,1946
ESPEJISMO
óleo sobre lienzo
Fundación Salvador Dalí- Gala




Esta es la tercera imagen en la Trilogía del desierto que Dalí crea para la empresa Shulton ( Nueva York ) para anunciar su perfume " Flor del desierto " . La primera imagen en Los amantes invisibles y la segunda es Oasis (1946). En esta tercera serie de la obra Espejismo Dalí se centra menos en crear imágenes dobles y más en utilizar un estilo clásico y una perspectiva espectacular para llamar la atención del espectador.


En esta ocasión Dalí identifica el espejismo con la ilusión del amor . La joven parece estar enamorada de la figura etérea que se parece al dios Apolo y que se mantiene en equilibrio sobre unas ruínas de estilo clásico un tanto extrañas .




Estas ruínas parecen haber salido de la imaginación o de la colina de la llanura del desierto, que casi seguro se trata de la playa lisa y desértica de Rosas, cercana a Cadaques . Dalí se sentía orgulloso del legado de las civilizaciones antiguas en su Cataluña natal sobre todo la de Ampurias y por ello, incorpora a veces un ánfora en sus pinturas para simbolizar este sentimiento.




La mujer parece estar en un estado de trance , además de admirar la flor del desierto , una referencia al nombre del perfume , que aparece en la frente de la figura masculina de estilo clásico




Mercedes Tamara
26 -12-2013


Bibliografía : Dalí, Fundación Gala -Salvador Dali

EL DESAYUNO JUAN GRIS

  1. EL DESAYUNO  1914 
El desayuno de Juan Gris
Papeles y periódicos 
recortados y pegados,
lápices decolores y 
carbón aguada y óleo
sobre lienzo 80x 50
The Modern Art of New York



EL paper collé inventado por Georges Braqué y Pablo Picasso en 1912 , encontró una expresión rica y compleja en las obras de 1914 de Gris . La concepción de sus papiers collies los hace más semejante a pinturas que las composiciones parcamente dibujadas de sus predecesores a diferencia de éstos , Gris cubré toda la superficie con papeles pegados y pigmentos .En obras como El desayuno hace un uso de los papeles impresos más literal que el de ellos : los pedazos con veteado de madera suelen ajustarse al contorno de una mesa , integrándose así en la composición , y las indicaciones de la perspectiva son relativamente legibles y precisas. Son dibujos superpuestos de objetos domésticos,fragmentados pero suavemente modelados y casi siempre vistos desde arriba , se combinan para crear una composición pictórica más representacional que las de Braque y Picasso.

A pesar de esas notas El desayuno está lleno de inquietantes contradicciones El fondo del papel pintado a rayas se derrama sobre la mesa : ciertos objetos ( una copa a la izquierda, , una botella arriba a la derecha )  aparecen como presencias fantasmales , la cafetera está descoyuntada, el paquete de tabaco está pintado y dibujado con un ilusionismo fotográficamente realista, pero su etiqueta es de verdad . Así aunque la imagen capta aspectos del bienestar doméstico , Gris también plantea muchos interrogantes subjetivos y objetivos sobre como se percibe la realidad.



Mercedes tamara
26 -12-2013


Bibliografía : Cubismo, Edic Taschen

EL SON SALVADOR DALI

EL SON 1919
El Son
´oleo sobre cartulina
Fundación de Salvador Dalí- Gala





El año en que Dalí pintó El Son en 1919 fue muy importante para el joven artista.A principios de año, se realizó la primera exposición oficial de su obra en su  ciudad natal , Figueras, en la provincia de Gerona. De los diversos artistas que  también expusieron , Dalí fue el único que retrató el periódico local Emporda  Federal, cuya crítica acabó con las siguientes palabras: " Damos la bienvenida al nuevo artista con la firme esperanza de que con el tiempo nuestras palabrasse conviertan en profecía.Salvador Dalí llegará a ser un gran pintor". A finales del mismo año Dalí vendería sus primeros cuadros.




El Son , óleo sobre cartulina se subtitula El artista al timón del Son . Dalí representa  esta pequeña barca de vela tradicional del Mediterráneo deslizándose sobre las olas y con una única vela triangular que atrapa el viento. La pincelada ancha y  vigorosa aplicada en este óleo que revela el encuentro del pintor con los impresionistas franceses, como Edouard Manet ( 1832.1833 ) , Claude Monet ( 1840- 1926 ) y Auguste Renoir ( 1841.1919 ) conducen a Dalí a su evolución artística en esta etapa. Cabe también destacar la influencia que Ramón Pichot ( 1872.1925 ) artista catalán impresionista y amigo de la familia Dalí cuyas obras tenían los Dali  en casa, ejerció sobre el joven pintor. El escenario de El Son en la bahía de Cadaqués, donde los Dalí veraneaban



Mercedes Tamara
26 -12-2013


Bibliografía : Dali , Edic Taschen

sábado, 21 de diciembre de 2013

RETRATO DE MI HERMANO MUERTO SALVADOR DALI

RETRATO DE MI HERMANO MUERTO 
RETRATO DE MI HERMANO MUERTO 1963
Retrato de mi hermano muerto
óleo sobre lienzo 175x 175 cm

The Salvador Dali Museum




Dali contaba cincuenta y nueve años cuando ejecutó esta obra enigmática sobre su relación con su hermano muerto. En Dali por Dali afirmó que " sus padres desesperados ...cometieron el crimen de bautizar al nuevo Dali con el nombre de su hijo muerto" Salvador llevó el nombre de su padre , Salvador Dali Cusi , aunque también fuera el nombre del hermano murió. Salvador Gal Anselm Dali . Este niño murió como consecuencia de una gastroenteritis a los veintiún meses de edad .



En la autobiografía Vida secreta sorprende ver cómo Dali expresa de forma inexacta unos elementos esenciales de la vida de su hermano . En el libro sostiene que falleció a los siete años de edad y que murió de meningitis . Dichos errores se repetirían veintitres años después en el retrato de su hermano fallecido . El retrato se vincula a las dobles imágenes dalinianas , aunque de forma no evidente , y aflora a  partir de una lluvia de cerezas oscuras y claras que caen del cielo , a modo de puntos benday del joven Roy Lichenstein.




Según Dali" las cerezas representan las moléculas , las oscuras forman la cara de mi hermano muerto , mientras que las iluminadas por el sol crean la imagen de Salvador Dali vivo. " De esta forma el artista sugiere que este rostro no es sólo el retrato de su hermano ausente , sino una imagen con poesía del hermano y del propio artista, objetivada mediante la asociación simbólica de cerezas oscuras y claras . Dicha asociación se ve subrayada en el centro de la cara por dos cerezas unidas por un único rabillo y por la estructura molecular a la altura de la nariz .

En la Vida secreta Dali amplifica su premisa de la identidad compartida atribuyendo a su hermano cualidades que nunca había poseído " Mi hermano y yo nos parecíamos como dos gotas de agua , pero desprendíamos reflujos diferentes . Como yo, el presentaba la inconfundible morfología facial del genio...Mi hermano era probablemente una primera visión de mi mismo , pero según una concepción demasiado absoluta " . Dali afirmaba que sus padres querían convertirle en el sustituto de su hermano muerto y ese espectro se convirtió en una amenaza para mi narcisismo , induciéndole a cultivar su excéntrico comportamiento exhibicionista.



Influido por las teorías del psiquiatra Pierre Rounegère , el artista empezó a referirse al hermano y a sí mismo como dos dioscuros griegos Castor y Polux. Aunque estuviera muerto el hermano continuaba presente en la vida de Dali que en una entrevista afirmó : " Todos los días mató la imagen de mi propio hermano ..lo asesinó con regularidad porque el Divino Dali no puede tener nada en común con ese individuo terrestre " En el cuadro, los conquistadores con las lanzas alzadas asisten a Dali en la empresa de ahuyentar el rostro del ex Salvador y encaminan la atención del observador hacía la iconografía inspirada en el " progreso del hombre .Las lanzas apuntan hacía extrañas figuras sentadas similares a austronautas que simbolizan los fines del progreso humano. Abajo a la izquierda, Dali introduce algunas figuras que incluyen la imagen espectral de la pareja y de la carreta de El Angelus de Millet, retomando el tema del deso erótico y de la muerte , con la pareja padre y madre de pie sobre sacos de patatas, una alusión a Dali y a su hermano .






Cuando expuso por primera vez esta obra en Nueva York, en la galería Knoedler,en la exposición de noviembre de 1963 Dali la describió : " El buitre según los egipcios y Freud, representa el retrato de mi madre. " El ave al que se refiere el artista se esconde entre los cabellos de su hermano y su presencia está indicada por el ojo y el pico . Al describirlo como un buitre , Dali vincula el retrato al estudio freudiano de Leonardo, en el que Freud interpretó un sueño del artista sobre un pájaro que se posa sobre su boca y lo relacionó erróneamente con un término que en la lengua egipcia designa el buitre, entendido como la simbolización de la madre.


En otros cuadros Dali amplifica esta relación e interpreta el buitre/ madre como Leda ( Gala ) madre de los gemelos Castor y Polux ( los gemelos Salvador ) . Un último aspecto en esta obra se refiere al misterio que rodea al modelo. El hermano retratado debería ser un niño de veintiún meses -o de siete años como Dali afirmó en Vida secreta- pero aquí el artista lo presenta como un adolescente , como si hubiese continuado creciendo incluso después de la muerte. La fuente en la que se inspiró el rostro del hermano no se conoce y es probable que procediera de una fotografía anónima sacada de un periódico o de una publicidad. El retrato se ha comparado a menudo con el aviador Charles Lindbergh y también una referencia indirecta al escándalo provocado por Dali en 1935 cuando Gala acudió a un baile en Nueva York con un peinado formado por un recién nacido muerto de celuloide y un avión. La oreja aparentemente ausente sugiere también una alusión a Van Gogh  que compartía con Dali el hecho de llevar el nombre de su hermano muerto prematuramente




Mercedes Tamara
21-12-2013




Bibliografía : Dalí, Edic Down Adex






viernes, 20 de diciembre de 2013

LOS DESNUDOS DE MODIGLIANI AMEDEO MODIGLIANI

       

LOS DESNUDOS DE MODIGLIANI

DESNUDO ECHADO CON LOS BRAZOS ABIERTOS
óleo sobre lienzo 61x92 cm
C

colección Gianni Mattiol






















Amigo de Picasso, Apollinaire, André Salmon, Diego Rivera o Max Jacob, tuvo una vida bohemia plagada de excesos, mujeres y excentricidades, que fueron llevadas a la pantalla grande en 2006, con el actor Andy Milán, García en el papel de Amedeo, en la película Modigliani (Mick Davis, 2006). Fue un destacado integrante, de la denominada Escuela de París




Su arte resultado de una mezcla de las estéticas expresionistas y cubistas, presenta un estilo definido de manera definitiva desde 1915, momento desde el que presentó un ingente número de composiciones. Reconocibles por una temática especializada en los retratos de amigos, procedentes del mundo de las artes y las ciencias, o al contrario de un contexto cercano a la indigencia o lo corriente. También son comunes en su carrera los rostros y desnudos femeninos en posiciones acostadas o reclinadas, pintados en fondos oscuros en los que resaltan las figuras. La fisonomía de sus figuras con largos cuellos, rostro con forma de óvalo,ojos almendrados, bocas pequeñas y narices torcidas provenía en gran medida de sus conocimientos de la escultura y, deja constancia del impacto que le causó haber descubierto tiempo atrás, el arte africano y camboyano en el museo del hombre de París. Defensor del uso de colores vivos, sus pinturas nos acercan a una clara tendencia a la esquematización de las figuras y al trazado conciso de las lineas.




Desnudo echado sobre un cojín azul



En los retratos de las jóvenes desnudas puede observarse la misma tendencia de las pinturas hacía una estilización ornamental . De nuevo es el dibujo sugestivo de las lineas suavemente trazadas por las que las siluetas de las figuras contrastan con la superficie que la rodea, lo que confiere a los cuadros un toque elegante y delicado . Del mismo modo la reducción y la abstracción son elementos formales de composición fundamentales para Modigliani .

Aparte de algunos datos puntuales sobre el espacio en que se encuentra la modelo ( la alusión a un sofá,un cojín o una sábana blanca ) no hay nada que distraiga la atención de los cuerpos rosados juveniles. El empleo moderado del color - en la mayor parte de los casos es tan sólo el peculiar tono encarnado,anarajando de los desnudos el que contrasta con uno o dos colores diferentes- demuestra una fuerte concentración en lo formal 

Mercedes Tamara
20-12-2013



Bibliografía : Amedeo Modigliani, Edic Taschen

MUCHACHAS A ORILLAS DEL SENA SEGÚN COUBERT DE PABLO PICASSO


MUCHACHAS A ORILLAS DEL SENA SEGÚN COUBERT 1950

Muchachas a orillas del Sena según Coubert
óleo sobre contrachapado 100.5 x 205 cm
Offenliche Basel  Kuntssammlung , Basilea






A lo largo de la quinta década de la centuria, Picasso se interesó cada vez más en reelaborar composiciones de grandes maestros antiguos a efectos de investigar sus detalles estructurales y en, cierto modo , en la captación de su magia intrínseca . Aparte del célebre caso de Bacanal de Poussin , tantas veces citado , de 1944 hubo otras curiosas adquisiciones de ideas: utilizó  un cuadro de Cranac en 1947 como punto de partida para la serie de litografías David y Bernabé


En 1950 nació la obra que se concreta en esta página partiendo del conocido lienzo conservado en el Petit Palais , pintado por el artista de Ornans en 1856; análogamente , vio la luz una  interpretación de un retrato de El Greco y, más tarde , ya entre 1955 y 1957 , fueron apareciendo curiosas obras inspiradas por Manet, Rembrandth de nuevo Cranach, Velázquez  y Murillo.








Son todas piezas aisladas que anticipan o son coetáneas de sus grandes series . Tales cuadros tienen un antecedente en 1917, cuando se inspiró en un lienzo de los Le Nain La comida campesina . En realidad son adaptaciones de composiciones , o motivos referidos a una obra  concreta y que dan lugar a un solo cuadro suyo . Esta práctica supone una clara continuidad  respecto de muchos pintores- Rubens interpretando a Rafael, Tiziano, Delacroix o Rubens  y Van Gogh a Rembrandth, por citar unos cuantos representativos -y tal actividad sin duda  le proporcionó rentables inspiraciones, como acontece en el presente proyecto , cuya sorprendente imagen de dos modelos vestidas al aire libre suponía una verdadera tentación  para ser representada, de modo ágil como lo consiguió.




Mercedes Tamara
20 12 2013 


Bibliografía : Picasso, Edic Taschen

jueves, 19 de diciembre de 2013

LA FILOSOFÍA DE LA ALCOBA RENÉ MAGRITTE

LA FILOSOFÍA DE LA ALCOBA  1966


la filosofía de la alcoba
óleo sobre lienzo 75 x50 cm
colección particular



A diferencia de Dali que siempre plasmaba en sus pinturas toda clase de temores , visiones paranoicas de la realidad en la que él estaba inmerso , en parte por su adhesión a las creencias freudianas y por la ingestión de sustancias alucinógenas .En Magritte el surrealismo no guarda ninguna relación con Dali , más bien es antagónico.

El surrealismo de Magritte fue evolucionando hacía un estilo muy personal ya que él es un pintor de ideas, de pensamientos visibles. En Magritte el impacto poético -o si se prefiere la emoción estética.es inseparable del placer que produce la reflexión .Magritte era un pintor muy intelectualista , mental e hiperreflexivo .

Para Magritte no hay vida que no sea sensible ,pero lo que puede percibirse del más allá porque tenemos un cuerpo, una carne , unos sentidos y entre ellos los ojos.

No hay vida que no sea sensible , como no hay pintura que no sea visible . Lo que puede percibirse del más allá , no es un ser propiamente dicho , una esencia invisible : en el mejor de los casos ,el más allá se percibe como un objeto cuyos contornos señalan el limite de lo visible e insinúan una frontera infranqueable 

En Filosofía de la alcoba el humor cede ante la virulencia del erotismo . La camisa de noche muestra muy claro lo que se suele ocultar , pero que es que más interesa Los pechos y el pubis los ha sacado del cuerpo de la mujer y los ha colocado encima del camisón . Magritte ha plasmado una escena muy libidinosa como un  homenaje al marqués de Sade por ejemplo.

Mercedes Tamara
19-12-2013



Bibliografía : Surrealismo, Edic Taschen



FIGURA EN UNA MESA MUCHACHA ACODADA SALVADOR DALI

                            FIGURA EN UNA MESA MUCHACHA ACODADA 1925 Figura en una mesa, muchacha acodada óleo sobre cartón sobre tabla 46 x...