CASA CON PALMERA JOAN MIRÓ

CASA CON PALMERA 1918

Casa con palmera
óleo sobre lienzo 65 x 73 cm
Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofia, Madrid

De Joan Miró ( 1895-1983 ) , el propio Breton afirmó que podía pasar por el más surrealista de todos ellos. Los primeros pasos del artista le relacionan con los autores modernistas por su valoración del grafismo y de la linea ; mantuvo contacto con los artífices del Noucentisme catalán de quienes aprendió a considerar los objetos volumétricamente , en esa admiración que sentía por el Barroco . Tuvo sus primeros contactos con la vanguardia europea a través de las exposiciones organizadas en la galeria Dalmau de Barcelona ; su estilo espontáneamente fauve, derivó hacía una esquematización conseguida a base de trazos sistemáticos .

En 1918 , Dalmau organizó la primera exposición individual de Joan Miró , quien viajó a Paris , donde entabló amistad con Picasso y llevó a cabo la realización de obras como su segundo Autorretrato y Desnudo ante el espejo , ambas de 1919. La violencia que se desprende de esas obras fue sustituida por una composición y un dibujo minucioso que le aproximan a un detallismo extremo




Las búsquedas llevadas a cabo por Joan Miró entre 1916 y 1918 iban a desembocar en la creación de cuatro paisajes detallistas, realizados en el verano de 1918 en Montroig. Estas composiciones –que culminarían, a su vez, en la famosa obra titulada La masía, de 1922– son consideradas como de innegable importancia en la evolución del estilo del pintor, ya que evidencian un cambio sustancial con respecto a su producción inmediatamente anterior.

Una de esas cuatro creaciones decisivas es La casa de la palmera, donde Miró aplica un tratamiento del paisaje tan acusadamente realista y descriptivo, que ha sido definido incluso como de «registro de objetos». Este tipo de obras, cuya factura desarrolla el artista a lo largo de un período que finaliza en 1922, posee cierto aire onírico e ingenuo, debido fundamentalmente a la ausencia de efectos de plein air y al mencionado detallismo descriptivo con que están resueltos los elementos paisajísticos. El momento de realización de La casa de la palmera constituye el primer gran hito creativo del pintor catalán, que empezará a llevar a cabo obras más claramente cercanas al surrealismo a partir de 1923-1924.

Mercedes Tamara

30-03-2015

Bibliografia ; Joan Miró, Edic Taschen

PABLO PICASSO AMEDEO MODIGLIANI

PABLO PICASSO 1915

Pablo Picasso
óleo sobre papel montado sobre cartón 34,2 x 26,5 cm
Colección privada

Pablo Picasso nunca fue amigo íntimo de Modigliani . Sin embargo, los itinerarios artísticos de ambos pintores se cruzaron constantemente en el París de las primeras décadas del siglo XX especialmente durante las primeras décadas de la Primera Guerra Mundial , período en que ambos permanecieron en la capital francesa . Ninguno de los dos participó en el conflicto , Modigliani se ofreció como voluntario , pero fue rechazado por motivos de salud , Picasso, en cambio, prefirió quedarse en Montparnasse.

Modigliani tenía un particular aprecio por Picasso y un gran respeto por su obra. sin embargo, está estima fue habitualmente correspondida con cierta indiferencia e incluso con arrogancia por parte del creador del cubismo. La conducta irreverente del italiano irritó en más de una ocasión al español Picasso decía, no sin ironía 

" Es extraño , pero nunca ves a Modigliani borracho...como no sea en las esquinas del boulevard Montparnasse y del boulevard Raspall "

Modigliani conoció a Picasso poco después de llegar a París en 1906, una vez instalado en Montmatre. Picasso estaba, en ese momento concentrado en una experimentación pictórica que lo llevaría en 1907 y 1908 al nacimiento de la pintura cubista, la gran revolución artística de principios de siglo . Generalmente, cualquier joven artista residente en París durante estos años quedaba reducido por la innovadora manera de pintar la realidad que se proponía el cubismo . El arte de Modigliani es uno de los escasos ejemplos que no sucumbieron a esa fuerza arrolladora . Sin duda, su negativa a participar del movimiento cubista lo mantuvo aislado de uno de los grupos de vanguardia más influyentes en la escena artística del momento.

Este retrato fue pintado de memoria . Este trabajo, así como los retratos de Diego Rivera y el de Frank Haviland , dan cuenta del empleo por parte de nuestro pintor de una técnica de corte divisionista . Las pinceladas son irregulares y entrecortadas, los trazos ligeros y la superficie se ha trabajado a base de manchas de colores intensos. Todo ello genera un efecto de vibración pictórica.

Durante los años 1915-16 . Modigliani escribía palabras alrededor de sus personajes retratados, como sucede en este retrato, para el que utilizó el mismo apellido del personaje en un sentido decorativo, al estilo  Art- Nouveau . Sobre el hombro izquierdo también se puede leer SAVOIR que se presta a diversas interpretaciones : puede ser una referencia al español como SABER o como SABIDURIA o quizás a las cualidades artísticas que Modigliani admiraba en el artista español

Mercedes Tamara

27-03-2015

Bibliogarfia : Modigliani Galeria de Pintores, Edic Monsa 

LA CONDICIÓN HUMANA II RENÉ MAGRITTE

LA CONDICIÓN HUMANA II 1930

La condición humana II
óleo sobre lienzo
Galeria de Christie

Una constante preocupación para los surrealistas era la metafísica o el desvanecimiento de una suposiciones a-priori sobre la representación ilusoria de la realidad. En gran parte de su obra, René Magritte juega ingeniosamente con estas percepciones al tratar el tema desde los dos puntos de vista.

En La condición humana II , Magritte ejemplifica las contradicciones entre el espacio tridimensional y los limites de un lienzo bidimensional. Pero lo más importante de todo es el título que hace referencia a la relación que los humanos mantienen con esas contradicciones como parte de la " condición humana " . Como tal,

Magritte mantiene el proceso de cuestionar las suposiciones de la idea del Renacimiento de la pintura como una " ventana de la realidad " en las que ya se había empezado a sumergir Picasso y Braque en su 

" laboratorio cubista " . Para Picasso " la realidad estaba en la pintura"

reemplazando el transpantojo ( trampa del espíritu ).

La condición humana II es una versión de la pintura realizada en 1934, en la que empezó a explorar las ideas sobre el tema del interior y exterior. En la primera versión, el lienzo pintado se coloca sobre una ventana . La segunda versión incorpora otra perspectiva ingeniosa del original , al sugerir que el espectador ya está fuera mirando a través de un arco transpantojo

Mercedes Tamara

25-03-2015

CHAÏM SOUTINE AMEDEO MODIGLIANI

CHAÏM SOUTINE 1915

Chaim Soutine
óleo sobre madera 36 x 27,5cm
Staasgallerie, Stuttgart

Éste es el primer retrato de un grupo de cuatro que Modigliani hizo de su querido amigo Chaim Soutine , de origen lituano, a quien había conocido en 1913.

El año 1915 fue para Amedeo un año lleno de inquietudes y de plena experimentación pictórica . Hacía apenas un año que había retomado el oficio pictórico tras una fase dedicada a la escultura. En los retratos pintados en el transcurso de 1915 se advierte al artista ensayando distintas fórmulas para la representación del rostro humano, que encontrarían su definición más acabada y personal al año siguiente. Se trata de pinturas en el que el artista investigó un tipo de retrato más anónimo , más despersonalizado, más universal . Este retrato de Soutine constituye una curiosa excepción dentro de este grupo de obras.

En este trabajo, Modigliani buscó exteriorizar : como pocas veces la personalidad y la individualidad de su modelo. Fue sobre todo a través de los ojos que logra expresar la particularidad del personaje . Los diminutos toques de color blanco en los ojos , que iluminan las pupilas sería un recurso atípico en nuestro pintor, quien en sus retratos posteriores representaría los ojos como enigmáticas cuencas vacías . Con estos ojos, pequeños pero atentos, y la boca entreabierta , como si quisiera insinuar una sonrisa, Modigliani dotó a su retratado de cierto carácter y personalidad.

Como es característico de este período, para este retrato de busto, Amedeo utilizó un lienzo de reducidas dimensiones y otorgó una especial atención al rostro del personaje. Parece como si el pintor acercara el foco y recortara el encuadre . La cabeza vista de frente , se asienta sobre un elongado cuello , que anuncia la acentuada estilización de los cuellos de los retratos siguientes.

A diferencia de otros retratos de este período , esta estlización destaca por un tratamiento más pictórico del asunto. Una materia densa y elaborada se extiende por toda la superficie. Un color vibrante y contrastado se aplica sobre el lienzo en una trama de pequeñas y empastadas pinceladas. El uso de una linea negra gruesa para delimitar los contornos se advierte especialmente en el cuello  y en el comienzo de los hombros , mientras que el contorno del rostro aparece más difuminado

Mercedes Tamara

24-03-2015

Bibliografia Modigliani.,Edic Taschen

MUJER DEL COLLAR ROJO AMEDEO MODIGLIANI

MUJER DEL COLLAR ROJO 1919

que

Mujer del collar rojo
óleo sobre lienzo 92 x 65,4 cm
Cincinnatí Art Museum, Ohio

Esta pintura tardía de Modigliani, probablemente realizada en el transcurso de su último año de vida , sorprende por la rigurosa frontalidad y el estatismo en que se presenta esta anónima mujer.

La severidad de su rostro y el hieratismo de su cuerpo, que se erige rígido e inmóvil sobre un asiento que permanece oculto a la mirada del espectador , recuerdan la solemnidad de las cabezas de piedra esculpidas por el artista varios años antes. De las cabezas escultóricas también parecen derivar la estricta simetría de esta composición , cuyo eje vertical está marcado por la linea de la nariz.

Bien típica de Modigliani es la posición de la figura en un primer plano, haciendo que ésta ocupe gran parte de la superficie pictórica - en este caso la cabeza alcanza a tocar el borde superior del lienzo - lo que otorga a esta mujer una singular monumentalidad . La inmovilidad e impasibilidad de la modelo, enfatizadas por la verticalidad del rostro y del cuello y por la grave y distante mirada que lanzan sus grandes ojos abiertos, son características de las figuras retratadas por nuestro pintor.

La cabeza está definida como un óvalo, aunque bastante menos estilizado que en otros retratos del mismo año , como por ejemplo, en los de Jeanne Hébutene o de Lunia Czechwska . La contextura oval de este rostro se repite en la forma ovalada del collar y en las lineas de los hombros caídos y los brazos que se juntan en el regazo conformando un óvalo perfecto.

El collar de perlas rojo  que luce esta dama hace juego con el brazalete rojo de su manga derecha . Ambos accesorios destacan sobre el sobrio traje de color azul, un tono azul poco habitual en Modigliani.

La superficie de esta tela aparece trabajada con pinceladas pastosas y más bien pequeñas en ciertas zonas - principalmente en el traje azul -

se observan pinceladas más espaciadas , que dejan visible la imprimación del lienzo.

Mercedes Tamara

22-03-2015

Bibliografia : Modigliani, Edit Taschen

MUJER CON CORBATA NEGRA AMEDEO MODIGLIANI

MUJER CON CORBATA NEGRA 1917

Mujer con corbata negra
óleo sobre lienzo 65 x 50 cm
Colección Fujikawa , Galleries Tokio

En sus retratos, Modigliani concedió una especial importancia a los ojos y al poder sugestivo de las miradas. La intensa carga expresiva que emana de las miradas de sus personajes es uno de los rasgos más originales de la pintura de nuestro artista.

Pocas pinturas como Mujer con corbata negra muestran de manera tan acabada y con tanta incidencia en el misterio de la mirada de los modelos de Modigliani. En este retrato de una mujer anónima , los ojos se erigen en protagonistas de la obra . Parecen estar cerrados, parecen ojos invisibles . Sus ojos vacíos , sin iris ni pupila, definidos como dos cuencas grandes de forma almendrada y pintadas uniformemente de un rosa pálido , el mismo tono que exhibe su rostro.

El efecto que produce es inquietante y casi hipnótico .

Al representar estos ojos enigmáticos , misteriosos, de mirada ausente y vacía , el artista evitó el contacto de su modelo con el espectador y buscó aislarlo en un estado de autismo introspectivo . El pintor encontró en estos ojos ausentes, en esa mirada ciega y velada , un medio eficaz de expresión , un vehículo del sentimiento interior . Son ojos que buscan mirar dentro de si , como en un acto de meditación.

Esa manera tan peculiar de representar los ojos en sus retratos pictóricos  fue una consecuencia directa de la experiencia escultórica del pintor ; que tuvo lugar entre 1909 y 1914 . En sus personalísimas cabezas esculpidas , los ojos aparecen muy estilizados y únicamente 

se sugieren sus contornos . Ligeramente incisos sobre la piedra, son grandes y de forma almendrada. El aspecto inacabado o sólo abocetado de estos ojos no dejan de surgir de una imposición del material , pero que, al trasladarse a la pintura , crea un efecto de excepcional intensidad.

De aquellas cabeza pétreas , también derivaron la forma oval de este rostro , la pureza lineal de sus rasgos, la delgada y estilizada nariz y boca apretada de labios carnosos . El color rojo intenso de éstos, es ,junto con los ojos , el foco de atención de este retrato.

La pureza lineal y la tersura con que el pintor trabajó el rostro se contraponen el tratamiento más libre del torso de la mujer. La corbata es una pincelada suelta negra y la blanca camisa aparece manchada con pinceladas toscas y empastadas. En el fondo, neutro y de tonalidades frías , unas ligeras pinceladas se extienden por el lienzo en todas las direcciones.

Mercedes Tamara

19-03-2015

Bibliografía : Modigliani, Edic Taschen

PAULETTE JOURDAIN AMEDEO MODIGLIANI

PAULETTE JOURDAIN 1919

Paulette Jourdain
óleo sobre lienzo 100 x 65 cm
Colección Alfred Taubman

Este retrato forma parte del último grupo de pinturas realizadas por Modigliani , grupo en el que trabajó pocos meses antes de su muerte acaecida en enero de 1920.

Esta obra sigue las pautas generales de los retratos tardíos del artista La figura aparece representada de frente, se presentan tres cuartas partes de su cuerpo , y está ubicado en el eje central de la composición, sobre un fondo donde aparece una puerta . Sus manos, apenas esbozadas , están cruzadas y apoyadas sobre su regazo , una postura que se repitió en varios retratos de este período . La verticalidad de la pose , mitad sentada , mitad de pie, está acentuada por la rigurosa frontalidad con que se erige la cabeza , apoyada sobre su estilizado cuello.

Las proporciones estiradas y la fisonomía esquematizada de la joven mujer, recuerdan una vez más , las cabezas que el artista esculpiera en piedra varios años antes . La cabeza está definida como un óvalo, aunque bastante menos alargado que en otros retratos . La forma oval del rostro se reitera en el cuerpo : las lineas de los hombros caídos y los brazos que se juntan forman un óvalo perfecto.

En esta obra tardía , Modigliani prescindió del trazo negro para delimitar las lineas elementales de la figura y trabajó la obra a base de grandes planos de color yuxtapuestos. También característico de su fase tardía es el uso de una gama cromática más viva y contrastada .Las carnaciones , de una palidez extrema , destacan sobre el negro del pelo y de la vestimenta , así como sobre el ocre y los tonos rojos del fondo.

Al igual que en otros trabajos de este período en el fondo aparece una puerta tratada en un marrón oscuro y unas lineas diagonales sugieren cierta profundidad en la planimetría dominante de la composición . El muro aparece dividido horizontalmente por dos grandes planos homogéneos de color 

Mercedes Tamara ( autora )

16-03-2015

Bibliografia : Modigliani,Edic Taschen

NIÑA CON BOINA AMEDEO MODIGLIANI

NIÑA CON BOINA 1918

Niña con boina
óleo sobre lienzo 65,2 x 46.5 cm
Colección privada

Este retrato de una niña anónima forma parte de una serie de pinturas dedicadas a niños , que Modigliani realizó durante su estancia en el sur de Francia , donde residió entre abril de 1918 y mayo de 1919, en la Costa Azul , donde la obra del artista se pobló de imágenes de niños, jovencitas y muchachos jóvenes. 

La infancía no era una temática hacía la cual el artista hasta el momento había manifestado especial interés . El ambiente mediterráneo ofreció nuevos personajes para sus pinturas , Como éste, los retratos pintados en la región sureña muestran a personas anónimas que el artista tenía a su alcance como modelos.

Esta pintura prueba cómo Modigliani solia trabajar en serie, dedicando más de un retrato a sus personajes: cada sesión de sus modelos podía dar como resultado la ejecución de dos retratos . La pequeña modelo que posó para Niña con boína es la misma que aparece en la obra titulada Niña con trenzas , actualmente en la colección pública japonesa.Ambos retratos son prácticamente idénticos : presentan casi las mismas dimensiones , el mismo entorno donde se ubica la figura "véase la puerta en la parte derecha del fondo-y el mismo tono ocre anaranjado predominante. El artista trae la figura a la superficie , a un primer plano y la presenta en una riguroosa y severa frontalidad . En ambos casos, unos mechones caen sobre la frente, los ojos son grandes y almendrados y la boca de gruesos labios , está entreabierta y deja ver unos dientes desparejos.

Niña con trenzas
óleo sobre lienzo 60 x 45.5 cm
City, Art Museum Nagoya

A pesar de estas similitudes , entre un trabajo y otro se presentan algunas diferencias . La más evidente es el peinado que luce la niña . Mientras que en uno su cabello tiene dos trenzas que caen simétricamente hacía delante, en este retrato su pelo ha sido recogido bajo la boina negra, lo que otorga a la niña un aspecto más masculino . En este caso también se observa un tratamiento asimétrico en los ojos: el izquierdo es todo pupila . Se advierte también que el rostro de Niña con boina está trabajado con una materia más densa y empastada.

La boina que luce esta niña era frecuentemente utilizada por los habitantes del sur de Francia a principios del siglo XX , especialmente niños, niñas , campesinos y pastores. Esta gorra sin visera , redonda y achatada , generalmente de felpa y de una sola pieza , era una prenda típica de la región vascofrancesa. Ya iniciado el nuevo siglo , su usó se generalizó y pasó a convertirse , durante la Segunda Guerra Mundial , en símbolo de la resistencia francesa.

Mercedes Tamara

9-03-2015

Bibliografia : Modigliani , Edic Taschen

ALICE AMEDEO MODIGLIANI

ALICE 1915

Alice
óleo sobre lienzo 78 x 39 cm
Statens Museum for Kunst, Copenhague

En esta postura inmóvil y rígida , de estricta frontalidad , esta joven muchacha mira atenta de frente con sus inmensos ojos oscuros. Está sentada , con los brazos hacía delante de su cuerpo, con los dedos de las manos curiosamente entrelazados . Esta composición está dominada por una acentuada verticalidad y simetría , cuyo eje central está marcado por la linea de la nariz y el cruce de las manos , el lazo del cabello , la pequeña cruz en el pecho y la franja oscura al fondo quiebran sutilmente el equilibrio de la escena.

En la vasta producción de retratos de Modiglini, retratos más realistas, más naturalistas alternan con otros más despersonalizados , menos individualizados , y por consiguiente, más alejados del espectador . En este caso, el artista buscó la interacción entre su modelo y el observador a través de la intensa mirada de su figura . En sus ojos, el pintor trabajó de un modo más realista de representación , dejando la pupila y las pestañas bien definidas . En este rostro, destaca especialmente la linea gruesa que marca con fuerza y precisión los contornos de las facciones , este trazo negro intenso delimita también los contornos del torso . La boca de labios gruesos en un color rojo intenso , destila una aniñada sensualidad .

A pesar de que el artista puso a su personaje en contacto con el espectador a través de la representación realista de los ojos, nunca pretendió interrumpir el clima de silencio de que lo rodeó. Los retratos de Modigliani producen la impresión general de que sus personajes permanecen ensimismados en su propia atmósfera , aislados en su propio tiempo y espacio 

Mercedes Tamara

8-03-2015

Bibliografia .Modigliani, Edic Taschen

NATURALEZA MUERTA VIVIENTE SALVADOR DALI

NATURALEZA MUERTA VIVIENTE 1956

Naturaleza muerta viviente
óleo sobre lienzo 125 x 160 cm
St. Petesburg ( FL ) The Salvador Dalí Museum

Una obra emblemática del misticismo nuclear emergente de Dalí , este cuadro de grandes dimensiones fue el sexto de una serie de lienzos históricos monumentales que el artista inició en 1948, y es el primero en alejarse de su temática estrictamente religiosa . Obra que tardó cinco meses en preparar y elaborar , la composición es una variación postatómica del cuadro del artista flamenco Floris Van Schooten ( 1590-1655 ) Bodegón con pan , carne y frutas ( 1617 ) que se encuentra en el Museo del Prado . La obra de Van Schooten se desintegra en objetos individuales que flotan y rotan en el espacio , desmembrándose y sosteniéndose en equilibrio al mismo tiempo . Todos los objetos vuelan por separados y no se tocan entre sí. Dalí utilizó el término divisionismo para describir ese enfoque estructural de su obra de la década de los cincuenta , en la que los objetos se descomponen metafóricamente en una serie de partículas flotantes suspendidas en el aire . Dicho proceso se ha denominado también corpuscular , describiendo el modo en que Dalí divide la composición en corpúsculos más pequeños.

Presentando un caos paradójicamente armónico ( tal como subraya el juego de palabras del título " naturaleza muerta viviente ") , la obra sugiere que si bien la bomba atómica destruye la realidad , revela un orden cósmico divino en el nivel subatómico . Todos los objetos del cuadro empiezan a desintegrarse como resultado de la bomba atómica , pero se desintegran en una disposición armónica . En palabras de Dalí Naturaleza muerta viviente es " ( un cuadro explicativo donde puede observarse la división dinámica e irracional de un plato de fruta siguiendo los coeficientes de incertidumbre de Heisenberg en contraposición a la seguridad positiva  que los cuadros cubistas trataron de ofrecernos " . Dalí declara su interés por la física moderna y su postura contra la percepción postecuclidiana desarrollada por las artistas modernistas previa a Hiroshima . Antes Dalí se refirió al concepto 

" espacio -tiempo " de Albert Eistein , un aspecto clave de su " Teoría especial de la relatividad " que se ilustra en el movimiento detenido y la separación espacial de los objetos del cuadro . Tal como sostiene Robert Lubar de manera muy convincente , Dalí utiliza un espacio renacentista ilusorio, para, acto seguido, socavarlo mediante la presentación de cada objeto enfocado de forma muy precisa , eliminando la perspectiva atmosférica y también las sombras de cualquier fuente luminosa singular .

Dalí crea un espacio donde los objetos existen en un continuo sin perspectiva fija , un mundo postatómico de suspensión dinámica , que presenta en la oposición a la cualidad plana del plano imagen desarrollado a partir del cubismo a través del expresionismo abstracto . Con el empleo del divisionismo , Dali sostiene que el

" cubismo " ...y la tradición del arte abstracto que éste generó corresponden a una concepción del espacio que la física nuclear ha convertido en obsoleta "En uno de los alardes de ingenio característicos, Dalí afirma que los pequeños fragmentos de color de la franja inferior izquierda representan los " últimos pedazos sin sentido que quedan de ( mi ) ataque en solitario al expresionismo abstracto ". Esta obra revela la obsesión de Dalí por las formas de orden subyacentes . Las estructuras espirales aparecen por todas partes : desde el cuerpo del rinoceronte del extremo superior izquierdo hasta el frutero retorcido del centro, pasando por el cogollo de la coliflor de la derecha que recuerda a un meteorito . Para Dali la espiral es la forma más perfecta que puede encontrarse en la naturaleza , un símbolo que utilizaba para representar el orden cósmico . La espiral dorada , derivada de la sección áurea , puede encontrase tanto en las formas naturales como artificiales de la obra .

Mercedes Tamara

6-03-2015

Bibliografia Salvador Dali : Fundación Gala Salvador Dali, Edic Dawn Ades