LA INVENCIÓN DE LOS MONSTRUOS SALVADOR DALI

LA INVENCIÓN DE LOS MONSTRUOS 1937

La invención de los monstruos
óleo sobre lienzo 51,4 x 78,1 cm
Chicago, Joseph Winterborham Collection

Cuando el Art Institute of Chicago adquirió este cuadro en 1945, Dalí envió el siguiente telegrama " Su adquisición me complace y me honra . Según Nostradamus ,la aparición de monstruos presagia el estallido de la guerra . Este lienzo fue pintado en las montañas de Semmering cerca de Viena , pocos meses antes del Anchluss y tiene un carácter profético . Las mujeres-caballos equivalen a los monstruos maternales de las orillas. La jirafa en llamas equivale al monstruo cósmico masculino apocalíptico. El ángel gato equivale al monstruo divino heterosexual. El reloj de arena equivale al monstruo metafísico . Gala y Dalí equivalen al monstruo sentimental . Únicamente el perrito azul no es monstruo real. Atentamente Salvador Dalí " . Esta descripción detallada ofrece ideas muy valiosas sobre el contenido y el significado de esta obra misteriosa y oscuramente ominosa, de la que ahora sabemos que fue pintada en la pequeña estación de esquí de Senmmering en los Alpes austriacos a finales de 1917. A pesar de su postura apolítica durante la Guerra Civil española, que contempló como un fenómeno natural de la historia que implicaba fuerzas básicas e instintivas , el artista no era inmune a la realidad política contemporánea de Europa.


La referencia de Dali al astrólogo Nostradamus , cuyos cuartetos crípticos son interpretados por algunos como la predicción de las futuras apariciones de tiranos, la caída de imperios y el estallido de guerras, indica una afinidad con su propia obra, a la que consideraba capaz de actos similares de profecía y adivinación. Así por ejemplo, el artista veía la obra anterior Construcción blanda con judías hervidas como una premonición de la turbulenta guerra civil en su España natal mientras que La invención de los monstruos estaba claramente asociada a la inminente catástrofe de la Segunda Guerra Mundial . Dalí creía intuitivamente que ese conflicto llevaría al derrumbamiento de la tradición y la cultura europeas, que quizás explique las referencias a la mitología clásica y a la iconografía cristiana , que están, todas ellas, amenazadas por el Apocalipsis que se aproxima y que adopta la forma de una jirafa en llamas a distancia.


Este cuadro hace referencia a la amenaza inminente del levantamiento caótico de la guerra. Esto se puede ver en la composición deliberadamente simétrica , en que las figuras están desplazadas hacía la parte izquierda del lienzo , como el contenido de un barco escorado por una tormenta , lo que resulta tan inquietante como los propios monstruos de dos cabezas. Se invita al espectador a presenciar los acontecimientos, que son descubiertos ante sus ojos y por la mano petrificada que emerge misteriosamente de la esquina inferior izquierda del cuadro y apunta a modo de advertencia a la escena que tiene delante. En este punto , una figura sibilina mira fijamente con las cuencas de los ojos negros a la mariposa y al reloj de arena que sujeta con las manos , mientras una mano anquilosada que está a su lado en la mesa sujeta una bola. La mariposa y el reloj de arena se pueden interpretar como símbolo del memento mori o recordatorios visuales de la muerte y la mortalidad y la naturaleza transitoria de las posesiones terrenales y la belleza. Esa multitud de manos remite a la doble imagen paranoica de Narciso agazapado y su doble, una mano de piedra que sujeta un huevo agrietado del que surge una flor de narciso , que se puede ver en  La metamorfosis de Narciso, que Dalí completó a principios de ese mismo año

Cupido secando las lágrimas a Psique ( Angelica Kauffmann ) 1807
Zurich, Kunsthaus , Zurich

Estas figuras tienen una cabeza compuesta formada por una combinación de perfil y vista frontal . Detrás de ésta, se puede ver un doble retrato de Gala y Dalí , que parecen sorprendidos en un momento de felicidad, mientras contemplan aparentemente divertidos y fascinados la colección de objetos que tienen ante sí sobre la mesa, que incluye una rebanada de pan , una mano fosilizada que sujeta un huevo y un pequeño retrato de un busto. En el centro de la pintura hay una especie de altar que sostiene el busto de una mujer desnuda , cuya cabeza se fusiona con la de un caballo, lo que la asocia con las mujeres caballos que se están bañando en la esquina superior izquierda, cuyas extrañas poses se inspiraron en parte en los centauros que aparecen en la obra de Piero di Cosimo. A menudo se considera que los centauros representan la parte bestial de la naturaleza humana y esas " mujeres caballos " hibridos podrían haber sido cr eadas como respuesta a la amenaza percibida de la civilización europea por parte de las fuerzas de la barbarie 

 La figura a la que el artista se refiere como " ángel gato " se apoya en el altar, aparentementeinmersa en una conversación con el busto de una de las mujeres caballo, en una pose derivada de las antiguas representaciones de Cupido y Psique. En la esquina inferior derecha, ahora vacía, se hallaba la figura solitaria del perro azul, que desgraciadamente ya no es visible a simple vista, puesto que, según parece, fue pintado con un pigmento doble o quimícamente inestable que perdió el color rápidamente tras la finalización de esta obra desasosegante

Mercedes Tamara

31-10-2013

Bibliografía : Dalí, Edic Dawn Adex

CRUCIFIXIÓN O CORPUS HYPERCUBICUS SALVADOR DALI

CRUCIFIXIÓN O CORPUS HYPERCUBICUS  1954

Crucifixión o Corpus hypercubicus de Salvador Dali 
óleo sobre lienzo 194, 5x 124 cm
Nueva York, The Metropolitam Museum

                                             

Cuando llegó Dali al puerto de Le Havre el 27 de marzo de 1955, después de realizar una travesía trasatlántica desde Nueva York en el buque America , anunció a los periodistas que le esperaban sus planes para un nuevo cuadro sensacional " un  Cristo explosivo ,nuclear e hipercúbico. "Dali empezó a trabajar en un intenso óleo en la primavera de 1953 pero no acabó el cuadro hasta el año siguiente debido a los enormes problemas técnicos y de composición inherentes a la confección del "primer cuadro cuya concepción está basada de forma genuina en elementos cubistas , desplegándose en la cuarta dimensión . " La lucha del artista con la obra se refleja en las páginas de Diario de un genio , en el que habla de los fallos técnicos que tiene  la obra . Mientras pintaba mejor que nunca los drapeados-informó el 16 de diciembre de 1955- en cambio, por un deseo quimérico de perfección absoluta , trató de pintar casi sin pintura superficies saturadas de ámbar .Quería llegar a la maestría más total : al máximo de la quintaesencia de la desmaterialización . El resultado ha sido desastroso . Durante una hora el trozo pintado era sublime, pero, al secarse, el ámbar ha absorbido la parte coloreada y todo se volvía color ámbar oscuro y se ha cubierto de manchas "



Al final, Dali superó otros contratiempos técnicos para crear una asombrosa imagen de Cristo cruciificado, suspendido en el aire mientras Gala permanece a los pies de la cruz con una suntuosa túnica amarilla en una pose similar a la de la penitente Maria  Magdalena en la tradicional iconografía cristiana. El cuadro está sin duda desde un punto de vista estilístico con los pintores españoles Francisco de Zurbarán y Diego de Velázquez , quienes pintaron la importante figura de Cristo en la que sobre un  fondo oscuro que servía para liberar la imagen y subrayar la emotividad de la escena  representada . Como sus predecesores artísticos , Dali utilizó un detallado ilusionismo para transmitir el patetismo de la extrema tortura sufrida por Cristo. No obstante, para  el rasgo más inusual del cuadro, el hipercubo tetradimensional , es decir los ocho cubos por lo que está formada la cruz se inspiró en la idea del filósofo y místico catalán de finales del siglo XVIII Ramón Llull, así como en un manuscrito del arquitecto español Juan de Herrera del siglo XVI . Según Dali su obra con el hipercubo desplegado era la culminación de la variación de las investigaciones de Llull sobre las formas bidimensionales que Herrera presentó en su Tratado de la  figura cúbica . El artista estaba fascinado por Herrera , quien terminó El Escorial , el monaterio palaciego de clasicismo austero encargado por Felipe II , situado a las afueras de Madrid , al que Dalí se había referido con anterioridad en La tentación de san Antonio ,de 1946 y creía que su uso del hipercubo era una extensión natural de las ideas de Llull y Herrera.



La cruz es un hipercubo octaédrico , una cuz cúbica de ocho lados ( el cubo trasero queda oculto a la vista ) con el cuerpo ( corpus ) de Cristo identificable en el noveno cubo . Esta estructura, que es en esencia un cubo que proyecta otros cubos a partir de cada una de sus caras , con un cubo adicional que sale de la cara inferior hasta  formar una cruz , se tomó prestada de forma explícita del Hipercubo , que fue desarrollado por el matemático británico Ckarles Howard Hinton en la década de  1880 y que fue popularizado por el arquitecto y teórico norteamericano de la cuarta  dimensión Charles Bragdon " Sin embargo, para Dali la noción moderna del hipercubo solo fue posible gracias a los descubrimientos de sus compatriotas Llull y Herrera, así como Pablo Picasso , cuyas pinturas cubistas también fueron invocadas  en los debates del artista sobre Crucifixión ( Corpus Hipercúbicus ) . Dali fue fotografiado en 1951 con un hipercubo hecho , con madera de olivo sujeto contra el pecho. En 1976 Thomas Banchoff regaló al artista una versión de metal, que le permitió volver a representar físicamente el movimiento rotatorio y plegable de la cruz pintada en su cuadro. El hipercubo representaba para Dali un octaedro visto en la cuarta dimensión y lo comparaba con lo que él consideraba un movimiento explosivo de los cubos en un espacio más elevado que las ambigüedades convexas y cóncavas de las pinturas cubistas de Picasso tal como él lo entendía.



Mientras la ambiciosa y característica Crucifixión de Dali fue despreciada por la mayoría de las críticas de arte por ser una irrelevante obra kitsch , Chester Dale ,distinguido coleccionista de cuadros de arte moderno francés, se sintió abrumado cuando vió la obra por primera vez en la galeria Castairs de Nueva York en diciembre  de 1934. Cuando le pidieron qué explicase por qué estaba impresionado por la obra, Dali respondió " Sólo puedo explicarlo de una forma cuando me impacta, me impacta con fuerza .Es un cuadro muy honesto, muy grande " Dali decidió comprar la obra  in situ , según se dice pagó 15.000 dólares y luego la donó, junto a un cuadro de Amedeo Modigliani al Metropolitam Museum of Art de Nueva York, ese mismo año. El cuadro fue colgado en un principio en la enorme entrada del vestíbulo del museo, donde atrajo de inmediato a una multitud de visitantes, que tenían curiosidad por ver el cuadro religioso tan publicitado del artista. El Metropolitam Museum incluso cambió el título que paso de Corpus hipercubicus a Crucifixión, por la creencia de que este nuevo nombre resultaría más comprensible para el público en general, y proclamó que era una " sorprendente obra religiosa moderna, muy seria con pequeñas excentricidades surrealistas " . " Sin embargo, se permitió que Dali tuviera la última palabra sobre el tema " Juan Gris creó un hermoso cubismo y Picasso lo continuó, Ahora , el que habla ha creado un cuadro hipercubista total "



Bibliografía : Dalí, Edic Dawn Adex

Mercedes Tamara 
30-10-2013

GANSTERISMO Y VISIONES CÓMICAS DE NUEVA YORK SALVADOR DALI

Gansterismo y visiones cómicas de Nueva York
lápiz de graffito y tinta sobre papel 54x 40 cm
Houston, The Menil Collection

Poco después de su llegada a Nueva York en noviembre de 1934, Salvador Dali recibió el encargo de producir una serie de textos ilustrados para The American Weekly , una famosa revista con numerosos lectores, cuyos editores reconocieron de inmediato el talento innato del artista para la publicidad escandalosa y el autobombo . Al final, Dalí publicó siete artículos ilustrados entre diciembre de 1934 y julio de 1935, en los que pretendía reflejar sus impresiones de la vida cotidiana en Estados Unidos. Los dibujos que los acompañaban son prueba de su intensa fascinación por los paisajes que encontró en Nueva York, con sus rascacielos de vértigo y sus calles llenas de multitudes.

En "Nueva York as Seen by the " Super Realist ", Artist. M.Dali " publicado en el número del 24 de febrero de 1935 , Dalí describió su reacción ante el Central Park, donde afirmaba haber encontrado fantasmas y una extraña piedra con forma de cráneo anamorfo. Mientras en otros números trataba de su reacción ante Broadway y sus espectáculos , o de la cara cambiante de la ciudad durante el día y la noche,  el artículo sobre el Central Park anticipa Gangsterismo y visiones cómicas de Nueva York , porque contiene un autorretrato de Dali dormido, con la boca cubierta por una sólida masas de hormigas, que podrían relacionarse con el miedo y la ansiedad que sentía " Después de leer algo sobre los crímenes de Nueva York ".

" Gangsterism and Goofy Visions of New York by M Dali . Super Realist " apareció en el número del 19 de mayo de 1935 de la revista The American Weekly y constituye el penúltimo trabajo en la serie de interpretaciones artísticas de Dali de la vida norteamericana. El dibujo que se conserva se puede interpretar como el storyboard de una pelicula , en el que se representan tres escenarios distintos en tres cuadros  que ocupan toda la página . La parte de abajo está llena de imágenes conocidas del repertorio daliniano de deseos reprimidos e imageniería paranoica , tales como el arquero de la leyenda de Guillermo Tell , o las cerezas del mito trágico de El Angelus de Millet . Estas cerezas están colocadas de tal forma que dan la impresión de ser una enorme pieza de fruta sobre una manzana troceada que puede ser entendida como una referencia humorística a las formas geométricas de la obra de Alberto Giacometti, Baile en suspensión de 1930.

La escena del panel central está relacionada con la constante investigación del artista sobre las imágenes dobles : una parte del muro con ladrillos a la vista adopta la forma de un hombre con una piedra sobre la cabeza , y así lleva al espectador a confundirlo con un pasante que levanta una piedra y se aleja. A diferencia de las capas inferiores del cuadro, que son prueba de la continua fascinación del artista por los temas e imageniería surrealista que lo había ocupado desde principios de la década de 1930, el nivel superior demuestra el recién descubierto interés por los gansters y el gansterismo, obsesión que compartía con millones de norteamericanos, que creían que el crimen desenfrenado era un elemento definitorio de su sociedad. El ganster de la época de la Ley seca representaba el dechado de virtudes de la criminalidad moderna y se convirtió en protagonista de innumerables artículos de periódicos y revistas, argumentos de novelas y obras de teatro y de más de un centenar de peliculas en Hollywood

El misterio surrealista de Nueva York 1935
óleo sobre lienzo 40 x 30 cm
Berlín , collección Ulla  Y Heiner Pietzch
Proyecto de cartel

El mundo del crimen organizado como tema cinematográfico no se desarrolló hasta los últimos momentos de la década de 1920 , aunque puede ya encontrase su aparición anterior del matón de la ciudad en la pantalla de la película de D W Grifftich The Musketeers of Pig Alley , de 1912. En la época en que Dali llegó a los Estados Unidos , el ganster estaba totalmente instalado en la cultura popular como personaje romántico, incluso autodestructivo, en gran parte gracias a las películas descarnadas y llenas de violencia sobre la Ley seca como Little Caesar de 1930, The Public Enemy de 1931 y Scarface de 1932. Estas establecieron el prototipo de gánsters con buen nivel de vida , sinónimo en el imaginario colectivo de coches veloces, dinero fácil, ropa elegante, mujeres de cascos ligeros, borracheras, clubes nocturnos para fanafarrones y un comportamiento insensato y desinhibido. La imagen de Dali de dos elegante matones peleándose en una puerta se amolda al estereotipo difundidos por los medios de comunicación del ganster como un criminal vestido con estilo y despiadado, a menudo acompañado por mujeres hermosas aunque peligrosas. La escena es una clara reminiscencia del retrato del capo de la mafia de Chicago, Al Capone.

Es natural pensar que el artista se sintió atraído por las películas de gansters de Hollywood aparecidas en la ´década de 1930, con sus emocionantes persecuciones automovilísticas, violencia y baños de sangre impactantes y la ausencia total de sentimentalismo . El tenso enfrentamiento que se refleja en el dibujo estaba sin duda inspirado en las actividades delictivas protagonizadas en la pantalla por acores como James Cagney y Edward G Robinson que interpretaban a carismáticos gánsteres que demostraban su falta de respeto total por la autoridad y un entusiasmo por la acción y los placeres prohibidos que los separaba de los códigos morales y éticos de la sociedad. Dali no dudó en identificarse con estos proscritos cuyas hazañas inmorales los hacían peligrosos para el status quo. De hecho el propio comportamiento apartado de la norma que hacía gala el artista , su elegancia en el vestir y su avidez de poder y éxito pueden haberlo llegado a comprender a estos peligrosos criminales a quienes simultáneamente loaba y vilipendiaba en la época como típicos soñadores norteamericanos y transgresores de las normas sociales.

Mercedes Tamara

29 -10-2013

Bibliografía : Dalí, Fundación Gala Salvador Dali

EL SIMULACRO DE LA FALSA IMAGEN SALVADOR DALI

EL SIMULACRO DE LA FALSA IMAGEN 1938

El simulacro transparente de la falsa imagen
óleo sobre lienzo 72, 5 x 92 cm
Buffalo, Albright Knox Art Gallery

Como el título sugiere , este cuadro utiliza el concepto de la doble imagen, según el cual cada una de ellas adopta una parecido con la otra tras ser observada fijamente , lo que alrededor de 1938 se había convertido en una de las técnicas centrales del método " paranoico crítico " de Dali. La referencia a imágenes que son transparentes , simuladas o fingidas se ve confirmada por la ambivalencia cambiante de la iconografía de la pintura, que a primera vista puede interpretarse simplemente como la playa de arena y la cala del Cap de Creus, cerca de Port Lligat y rodeada por las montañas a lo lejos. En una inspección más detallada , la calma engañosa del paisaje de la costa catalana da paso a otra capa de imageniería anteriormente escondida, que plantea la duda sobre la autenticidad de imágenes similares que están realizadas con recursos pictóricos convencionales como la perspectiva o el claroscuro, para crear la ilusión de un mundo tridimensional en el soporte plano de una tela. La naturaleza fraudulenta de las dobles imágenes de Dalí acentúa la atmósfera de incertidumbre e irracionalidad que ya era una característica importante de sus pinturas anteriores y, al final, cuestiona y destruye nociones aceptadas sobre la realidad supuesta de las imágenes del mundo externo.

La sucesión inquietante de imágenes vivas en esta pintura se debe a la manipulación experta que Dalí ha efectuado en los elementos del paisaje, especialmente la vista abierta del lago y las montañas, que también pueden interpretarse como un bodegón de una mesa , compuesto por un cuenco de peras en un primer plano . No hay ninguna duda que Dali tenía una habilidad innata para percibir las imágenes escondidas o compuestas en las pinturas, fotografías e incluso en el mundo natural. . Tal como el artista explicó más tarde : " mi fuerza paranoica proyecta una serie de imágenes sistemáticas que conscientemenrte capto e intento concretar. No soy ni un copista , ni un creador de imágenes, pero deliro " . Aprovechando las mínimas coincidencias de formas y colores, Dali era capaz de transformar con ingenio una imagen en otra. Estas dobles imágenes proliferan a mrnudo en múltiples configuraciones, como el mantel de mesa/ toalla de playa que posteriormente se transforma en un pájaro que vuela por la mitad inferior de la tela . A lo largo de la parte derecha del cuadro flota una aparición de la cabeza de la mujer de Dali , Gala , que en las obras del artista siempre se ve investida con connotaciones míticas y cuyo papel inspirador es reconocido a través de la doble firma " Gala -Salvador Dali ".

En un importante ensayo anterior :" The Strinking Ass " Dali argumentaba que la habilidad del espectador para discernir estas imágenes ocultas dependía de su grado de facultades paranoicas, puesto que  " la consecución de semejante doble imagen ha sido posible gracias a la violencia del pensamiento paranoico que ha hecho uso, con habilidad y astucia , de la cantidad requerida de pretextos , coincidencias , etcétera, aprovechándose de todo ello para revelar la segunda imagen que, en este caso, sobreexcede la idea obsesiva " . Posteriormente, Dali reivindicaba que este interés por el fenómeno de lo escondido y las dobles imágenes fue directamnte inspirado en el trabajo de artistas anteriores, como las cabezas compuestas de Giuseppe Arcimboldo y los fantásticos grabados de Giovanni Batista Bracelli . Ambos artistas realizaban dobles configuraciones enormemente imaginativas . No obstante , Dali fue más allá de sus predecesores en su búsqueda de la superposición de múltiples imágenes, cuyo número potencialmente infinito de transformaciones simultáneas estaba , según Dali, limitada a la capacidad paranoica de cada individuo "

Mercedes Tamara

25 -10-2013

Bibliografía : Dalí, Edic Dawn Adex

COMIENZO AUTOMÁTICO DE UN RETRATO DE GALA SIN TERMINAR SALVADOR DALI

COMIENZO AUTOMÁTICO DE UN RETRATO DE GALA SIN TERMINAR 1932

Comienzo automático de un retrato de Gala sin terminar
óleo sobre tablero de madera 14x 16 cm
Fundación Gala- Salvador Dalí

Es fascinante contemplar las obras inacabadas de los artistas, pues nos muestran mucho más sobre su metodología de trabajo. Dalí pinta un dibujo muy detallado que copia sobre la superficie y luego completa parcialmente antes de continuar con la siguiente parte de la imagen . En esta obra, parece ser una fotografía la referencia de lo que parte para pintar la imagen, aunque también existe otro dibujo con esta misma pose, aunque al revés de este mismo período. Sin embargo, el título es muy enigmático ¿ La intención de Dalí era siempre quedarse siempre en el comienzo de una imagen en otras obras intencionadamente inacabadas ?

Aquí el pelo de Gala se está convirtiendo en una planta frondosa , un antecedente de sus imágenes , un antecedente de cabezas de flores de 1936 . Al año siguiente en 1933 Dalí  pinta un retrato de cuerpo entero de Gala frente a un árbol pequeño del que parece estar emergiendo , Esto puede referirse al mito griego de Dafnae que se transforma en un laurel para escapar de Apolo.

En 1944 Dalí produjo una serie de diarios para " Tristán el loco "y en 1948 Retrato de Mrs Mary Sigall , en la que representa a mujeres transformándose en plantas y recuperando su forma humana original.

Bibliografía ; Dalí, Edic Taschen

Mercedes Tamara 

24-10-2013

BOTELLA Y FRUTERO JUAN GRIS

BOTELLA Y FRUTERO 1916

Botella y frutero de Juan Gris
óleo sobre lienzo 74 x 54 cm
Museo Thyssen Bornemizsa

En abril de 1916 Juan Gris firmó un contrato con Léonce Rosenberg por el cual le cedía la propiedad de toda su producción artística, tanto la ya creada como la futura. Poco después, entre finales de 1918 y mediados de 1919, el marchante organizó una serie de exposiciones de artistas cubistas en su Galerie  l’Effort Moderne para demostrar la pervivencia de este movimiento de vanguardia, a pesar de las demoledoras críticas lanzadas por Louis Vauxcelles .


Como otras naturalezas muertas pintadas en Beaulieu-lès-Loches, Botella y frutero juega con un colorido de tonos marrones cálidos combinados con verdes y grises más fríos, tomado directamente del paisaje. En una carta de Gris a Léonce Rosenberg , fechada el 10 de agosto de 1918, le expresaba sus ganas de utilizar el color en su pintura para rivalizar con la riqueza del color en la naturaleza: «Veo en el campo tonos tan sólidos y tan sabrosos de materia y combinaciones tan verdaderas que llevan en ellos mucha más fuerza que todas las combinaciones de la paleta y con ellos me gustaría trabajar» . Ahora bien, frente a estos tonos naturales, la sencilla y plana geometría de la pintura y la abstracción de los objetos son claramente antinaturalistas .


 La disposición de la servilleta, que cae por el borde de la mesa, un motivo tomado de Cézanne , adquiere un interesante significado en el contexto de la denominada «vuelta al orden» de la vanguardia tras la guerra . El cubismo puro de Gris enlaza con la tradición francesa a través de Cézanne , que fue el intermediario entre el siglo xx y un pasado más lejano. Por tanto, como señala Green, «Botella y frutero es una obra que subraya la compatibilidad de cubismo y tradición después de la guerra» .

Bibliografía : Cubismo, Edic Taschen

Mercedes Tamara Lempicka 

24-10-2013

OSIFICACIÓN MATINAL DEL CIPRÉS 1

OSIFICACIÓN MATINAL DEL CIPRÉS 1934

                          Osificación matinal del ciprés      
                         óleo sobre lienzo 82 x 66 cm

               Nueva York, Collection Gilbert Kaplan

Esta enigmática obra se inspiró en los cuadros del artista germanosuizo del siglo XIX Arnold  Bröcklin cuya representación de centauros ninfas durmientes y otras criaturas fabulosas se veían sumidas en una melancólica atmósfera preñada de misterios y presagios . Giorgio De Chirico y Marcel Duchamp admiraban sobremanera la obra de Bröcklin ya desde principios de la primera década del siglo XX, cuando descubrieron sus ensoñadoras evocaciones de la antigua Grecia durante su estancia en Munich.

A mediados de los años treinta, las escenas de la antigüedad clásica vivamente recreadas por Bröclkin fueron aclamadas como importantes precursoras de la pintura surrealista, y Dali se vio especialmente atraído por el simbolismo romántico del melancólico cuadro del artista La isla de los muertos de 1880, y cuyos altos cipreses envueltos en la calma sepulcral del paisaje de fondo se convertirían en un motivo constante en su propia obra a partir de 1931. Dali tenía  previsto incluso escribir un detallado análisis de la famosa tela de Bröcklin, cuyo profundo sentimiento fúnebre le inspiraba fantasías masturbatorias, pero en el  libro proyectado, titulado Surrealist Painting Throughout the Age ( Cuadro surrealista a través del tiempo ) nunca llegó a publicarse.

El caballo petrificado que alza el vuelo sobre un cielo azul lleno de " nubes y  tormentas böcklinianas en Osificación matinal del ciprés podría interpretarse  también como una versión actualizada de las pinturas mitológicas del artista  germanosuizo, pues para aludir al mito griego de Pegaso, el corcel alado que  suele representarse en compañía de Perseo, Andrómeda o Belerofonte. Aunque  sin jinete y desprovisto de alas , el caballo fosilizado del cuadro de Dali que se dispone a saltar desde lo alto de un risco excavado evoca en el fondo otros  prodigiosos equinos representados en épocas anteriores por artistas como Odile Redon y Frederik Lord Leighton. De hecho, la imagen de Leighton de  un enérgico Pegaso saltando en su Perseo lazándose al recate de Andrómeda. pintado hacia 1895, sugiere en gran medida la clase de interpretación académica  de la antigüedad en la que podría haberse inspirado el artista para recrear su propia versión del mito griego.


El corcel blanco alado había aparecido anteriormente en el cuadro de Dali Guillermo Tell ,de 1930 y se cree que simboliza la liberación de los deseos  reprimidos y el desenfreno de la energía sexual. Como A. Reynolds Morse, ha señalado los caballos en posición de salto de Dali estaban inspirados en la figura de Perseo en pleno vuelo, que decora el auditorio del Palau de la  Música Catalana , diseñado por Lluis Domènec i Montaner, lugar que el artista frecuentó durante su infancia y juventud . Según Morse, el caballo aéreo "llega casi al techo a la derecha del escenario y constituye un rasgo característico  de la ornamentación del fastuoso Palau de la Música Catalana. " Según la mitología griega, Pegaso hace brotar la fuente de Hipocrene, situada en el  monte Helicón ( el monte de las musas ) , al darle una coz, convirtiéndose  así en un símbolo de inspiración poética y artística . Tal vez la fuente de Hipocrene constituya otra clave para descifrar el significado del cuadro , en vista de que los escritos contemporáneos de Dali revelan la forma en que el pintor identificaba los alargados cipreses situados entre Figueres y Vilabertrán, paraje que la familia Dali gustaba de visitar paseando cuando Salvador era niño.

Mercedes Tamara Lempicka

22-10-2013

Bibliografía : Surrealismo, Edic Taschen

AUTORRETRATO PABLO PICASSO

AUTORRETRATO  1907

AUTORRETRATO
óleo sobre lienzo 
Narodni Galerie, Praga

Obra que para algunos críticos es de experimentación -el  artista se tomaría a si mismo por modelo a fin de indagar en sus elementos esenciales y partiendo de ellos, fijar el método de trabajo a seguir antes de iniciar meses  después Las señoritas de Avignon , sobrecoge el  efectismo,cargado de energía y anunciador de las inmediatas de rango primitivo que inundarán su próxima producción.

Destaca la magistral economía de medios empleada firmes y gruesas lineas oscuras determinan los rasgos principales  de las facciones , sobresaliendo los grandes ojos y la potente nariz , a los cuales se somete el resto de pormenores desde la masa de cabellos a la escueta indumentaria . Se da una curiosa evocación , tanto del mundo aborigen como, tal vez, las efigies de origen neosuméricas mesopotámicas , del tipo de Gudea , de Lagasch.

La austeridad del color -utiliza el blanco, el negro y el ocre- los trazos sumarios logrados con rapidez y el  fondo neutro consiguen para la efigie un expresivo  y sólido volumen , que la vehemencia de la mirada subraya por lo que tiene de efusiva fijeza y manifiesta violencia.

Bibliografía : Picasso, Edic Taschen

Mercedes Tamara Lempicka

22-10-2013

ASSUMPTA CORPUSCULARIA LAPISLAZULINA SALVADOR DALI

ASSUMPTA CORPUSCULARIA LAPISLAZULINA 1952

Assumpta  Corpuscularia
Lapilazulina
óleo sobre lienzo
colección particular

Tras la Segunda Guerra Mundial , Dalí se sintió cada vez más atraído por la religión y el misticismo , haciendo de los temas religiosos el motivo central de la gran parte de su obra . La relación de Dalí con la Iglesia era compleja , de hecho afirmaba ser de algún modo católico y agnóstico a la vez.

Parte del genio de Dali era su capacidad de integrar por completo temas muy dispares en un todo completamente homogéneo . En Assumpta corpuscularis lapislaulina el tema principal es la ascensión de la Virgen María , un acontecimiento apócrifo que fue el tema central de los pronunciamientos papales justo antes de que Dalí pintase esta imagen. 

Desde diferentes perspectivas espaciales podemos ver a su musa Gala como la Virgen, el cuerpo crucificado de Jesucristo prácticamente idéntico a la figura de El Cristo de San Juan de la Cruz ( 1951 ) y lo que parece ser una cúpula estallando que ya aparece en Cabeza rafaelesca estallando ( 1951 ) 

Al igual que contiene referencias a los temas contemporáneos más tratados que les fascinaban como el desarrollo de la física de partículas, esta imagen muestra la influencia imperecederade los grandes artistas del siglo XVIII en la obra del artista, en particular las vírgenes del pintor español Bartolomé EstebanMurillo ( 1618- 1682 ) 


Bibliografía : Dalí, Edic Taschen

Mercedes Tamara Lempicka 

21-10-2013

LA SOMBRA DE LA NOCHE AVANZADA SALVADOR DALI

LA SOMBRA DE LA NOCHE AVANZADA, 1931

La sombra de la noche avanzada
óleo sobre lienzo 61 x 49,8 xm
The Salvador Dali, Museum

La pintura de Dalí de principios de los años treinta toma a menudo como escenas el paisaje de l´Empordá . En La sombra de la noche avanzada ( 1931 ) una figura, aparentemente masculina, con un falo erecto , está cubierta de pies a cabeza con una sábana . En el cuadro, las rocas lanzan sombras muy largas. Estas sombras alargadas refuerzan el simbolismo psicológico y sugieren que estos paisajes de ensueño también son representaciones de algo parecido a un fantasma fálico que podemos relacionar con lo que Jacques Lacan denominó una " imagen especular " esto es, la imagen como un fantasma de una autoaniquilación irrepresentable.

Bajo el sudario tras el que se oculta la figura son visibles un vaso y un zapato de tacón . Robert Lubar especula sobre el género femenino de esta figura. " Aunque el sexo de la figura es indeterminado, el contorno de un vaso y un zapato de tacón bajo la superficie de la ajustada prenda apuntan a una presencia femenina ". Esta lectura no tiene en cuenta el bulto que hay más abajo , que sugiere un falo erecto y, por tanto, género masculino, aunque Lubar tiene ciertamente razón al apuntar la ambigüedad de la identidad sexual de la figura. El probable género complementa las otras imágenes fálicas en la pintura y no es necesariamente inconsistente con la presencia de un zapato de mujer; probablemente;, esto último sugiere una simultaneidad de la inestabilidad de la identidad sexual ( travestismo ) y desplaza el deseo o el fetichismo.

La sombra de la noche avanzada pudo haber pertenecido originalmente a Pierre Colle, puesto que su nombre está escrito en el reverso , en los travesaños del bastidor, aunque el cuadro no se incluyó en los  catálogos de las exposiciones individuales de 1931, 1932 y 1933 que tuvieron lugar en la galería . Lubar se pregunta si pudo haber sido exhibido en Paris en 1934, en la exposición de la galería Jacques Bonjean. El cuadro formaba parte de la colección de Joseph Winterborham ( Burlington ,Vermont ) en una fecha tan temprana como 1933, cuando fue prestado para la exposición de la Feria Mundial de Chicago denominada " Un siglo de progreso "organizada por el Art Institute of Chicago y se incluyó en la retrospectiva de Dali de 1941 en el Museum of Modern Art, al tiempo que todavía estaba en la colección del Art Institute of Chicago. Posteriormente, quizás alrededor de 1943 , el Art Institute se desprendió de él intercambiándolo por L´Invention des mostres ( 1937 ) con Duchacher Brothers ( Nueva York ) a quien se lo compró Reynolds Morse en septiembre de 1943 por mil dólares.

Mercedes Tamara

19-10-2013

Bibliografía : Dalí, Edic Dawn Adex

EL TALLER DE LA CALIFORNIE PABLO PICASSO

EL TALLER DE LA CALIFORNIE 1956

El taller de la Californie

óleo sobre lienzo 114x 146 cm

Musée National Picasso Paris 

La serie a la que pertenece es conocida como Atelies ( o los estudios ) que describen diferentes aspectos de los espacios interiores para trabajar que Picasso habilitó en la villa La Californie de Cannes , adquirida en 1955 . Son lugares inundados de sol en los que el maestro acumuló todo género de objetos , preferentemente lienzos y algunos muebles, a fin de humanizar las áreas del edificio hasta entonces vacío y abandonado .

Hay una clara intención de dar a conocer los detalles de su arquitectura, actualizándola por medio de la invasión modernizadora que supuso su transformación en centro de tareas artísticas de diferente signo . A la vez obliga al espectador a que repare en la formulación de los ventanales y balcones, en el jardín con palmeras que se ve a través de las cristaleras, en las molduras en escayola del remate de las paredes e incluso en la lámpara que cuelga en el alto techo o las puertas de acceso.

Se respira un exótico aire hispanomusulmán en la ornamentación, nutrido por una fantasía de tendencia neogótica , indicio de que el pintor reprodujo , según su especial manera, muchos de los detalles que había antes su vista . Sin embargo, hay motivos que llaman la atención , como el gran brasero de la izquierda o el caballete del centro con un lienzo en blanco a modo de anuncio de que su próxima obra está a punto de ver la luz , no en vano su soporte previo s el visible protagonista de esta escenografía que tiene algo de decorado teatral . Según reza la inscripción de mano de Picasso , se pintó el 30 de marzo de 1956.

Mercedes Tamara

18 -10-2013

Bibliografía : Picasso, Edic Taschen

MI MUJER DESNUDA MIRANDO SU PROPIO CUERPO TRANSFORMARSE EN ESCALONES, TRES VÉRTEBRAS DE UNA COLUMNA , CIELO Y ARQUITECTURA SALVADOR DALI

MI MUJER DESNUDA MIRANDO SU PROPIO CUERPO TRANSFORMARSE EN ESCALONES, TRES VÉRTEBRAS DE UNA COLUMNA , CIELO Y ARQUITECTURA 1945

Mi mujer desnuda mirando su propio cuerpo transformarse en escalones, tres vértebras de una columna, cielo y arquitectura
lápiz sobre papel 30 x 27 cm
Gala -Salvador Dali Fundación

Esta obra se exhibió por primera vez en la exposición en solitario de Dali en la galeria Bignou en el número 32 de la calle Cincuenta y siete este de Nueva York, inagurada en noviembre de 1945. La exposición estuvo acompañada de la publicación del Dali News , el burlesco diario de la autopromoción del artista, cuyo nombre pretendía un deliberado juego de palabras en el Daily News de Nueva York, el cual proclamaba en grandes titulares que Dali había desafiado a Homero y que  Richard Wagner había muerto. En un gesto intencionadamente provocador ,el artista reproducía el retrato de su mujer desnuda en la sección de deportes del diario. Para la ocasión , el artista también presentó once óleos nuevos que había  pintado " durante nueve meses consecutivos de estricta reclusión " que había pasado trabajando en su improvisado estudio del lujoso Del Monte Ledge, en Poble  Beach , California.

Este arrebato de intensa creatividad coincidió con diversos acontecimientos prominentes de la época , entre los que se incluyen el lanzamiento de la primera bomba atómica sobre Hiroshima y el fin de la Segunda Guerra Mundial , ambos de enorme influencia en el trabajo del artista. Tal como Dalí recordó en una entrevista para un diario, realizada un poco antes de la apertura de la exposición en la galeria Bignou , la situación política durante la posguerra junto con los últimos avances de  la ciencia y de la tecnología , lo condujeron a abrazar la perfección serena y el orden de la pintura italiana del Renacimiento :" Llega un momento en el que tienes que dejar de experimentar y haz de comenzar a crear . El experimento constante lleva a la esterilidad y el experimento surrealista tampoco se escapa de ella ". Sin embargo, ese alejamiento de la práctica artística surrealista en beneficio de las técnicas y de los métodos pictóricos del arte del pasado no le obligó a poner freno a los singulares vuelos de la imaginación que hasta aquel momento había caracterizado su producción artística ".Al mismo tiempo ( explicaba ) cuanto mayor clasicismo aplicaba en la disposición de los objetos , más irracionales e inexplicables parecían éstos " .

Según el artista ,Mi mujer desnuda , fue " pintado sobre madera durante un período de más de cuatro semanas  (trabajando ) dos horas al día." El lienzo representa a la mujer del artista , Gala, vista desde atrás , un tropo habitual en la obra del artista que retoma su obsesión adolescente  con la espalda de Dallita y su hermana Ana María ,a quien pintó sentada de espaldas , con el cuerpo vuelto al espectador . Esta obsesión fue subsiguientemente transferida a Gala, tal como puede observarse en  Retrato geodésico de Gala de 1936 y en otras composiciones relacionadas 

Gala de espaldas mirando un espejo invisible 1960
óleo sobre lienzo 41x 31,3 cm
Figueras , Fundación Gala-Salvador Dali

Nueve años después , Gala aparece en este retrato en ese paisaje yermo ,contemplando una estructura hueca similar a un pabellón que refleja o mejor duplica, la forma de su cuerpo voluptuoso reproduciendo el efecto de un esqueleto . A pesar de tener sus orígenes en clichés femeninos freudianos que consideran a la mujer un recinto o refugio, esa correlación entre cuerpo y la arquitectura ,también reflejan el  interés de Dali por la metamorfosis y el deterioro y podría relacionarse con una experiencia infantil en la que vio el esqueleto de un insecto. " Cuando tenía cinco años , vi un insecto comido por las hormigas del que solo quedaba la límpida y traslúcida carcasa . A través de los agujeros de su anatomía , se veía el cielo. Cada  vez que deseo acercarme a la pureza , veo el cielo a través del cuerpo ".

A la izquierda de Gala aparece un solitario diente de león , símbolo de la fugacidad,cuyo tallo repite el contorno curvilíneo de su espalda, detrás de la cual se alza una pared en la que aparece una cabeza helénica de piedra cuya presencia sirve para resaltar la naturaleza clásica de la nueva pintura  de Dali . La incorporación de una imagen esculpida dentro de otra imagen era uno de los sellos característicos de los interiores metafísicos de Giogio De Chirico tales como La canción de amor de 1914,en el que se incluye un busto en yeso de Apolo de Belvedere , colgado en una pared asimismo inclinada. Sin duda, Dali conocía el lienzo ,dada su admiración por la obra de los primeros tiempos de De Chirico , puesto que ésta había sido extensamente reproducida en revistas de vanguardia durante la década de 1920 y 1930. El artista incluso podía haber visto el cuadro en París antes de la Segunda Guerra Mundial  puesto que en aquellos momentos pertenecía a Marcel Raval , el director de la publicación literaria y artística Les feuilles libres.

El busto antiguo también retoma el concepto renacentista de yuxtaponer modelos pintados junto a su análogo escultórico de lo que tal vez encontramos el mejor ejemplo en La Schiarona de Tiziano de 1511, en el cual el relieve escultórico del parapeto ofrece una vista de perfil de la cabeza de la modelo eslava. De este modo,Dali actualiza y amplía la idea renacentista del parangone , la comparación de las artes en la que la escultura y la pintura compiten entre ellas por la supremacía. El armazón vacío del edificio abovedado que vemos por encima del hombro de Gala introduce la arquitectura en esta batalla de las artes visuales, en la que, en última instancia la pintura sale victoriosa gracias a que se apropia dela reivindicación  que hace la escultura  ( y la arquitectura ) en cuanto a una mayor perdurabilidad y multidimensionalidad a través de la representación de más de una perspectiva fija del objeto


Bibliografía : Dalí, Edic Taschen

Mercedes Tamara
17 -10-2013

BOTELLA Y PECES GEORGES BRAQUE

BOTELLA Y PECES 1910

Botella y peces
óleo sobre lienzo 61 x 75 cm
Londre, Tate Modern

El escritor Charles Morice ( 1861 -1919 ) , que había destacado con sus estudios sobre Paul Cézanne , escribió con ocasión de la primera gran exposición universal de Georges Braque celebrada en 1908 en la galería Kanhweiler: " Comparada con la del señor Georges Braque , la temeridad de Van Dongen es francamente " razonable ".


Pero en este caso no se trata únicamente de diferencia de grado de osadía , no es mejor ni peor, sino otra cosa . El señor Van Dongen tiene el buen gusto de permanecer fiel al tema tradicional de que en general las formas deben ser "comprensibles " ; el señor Braque se ha liberado de estas ataduras . Hablando en términos plásticos , parte de un concepto geométrico , establecido a priori al que se somete todo el campo de sus visiones y aspira a representar toda la naturaleza como combinación de unas pocas formas absolutas (....) Nadie tiene menos interés por la psicología que él y, en mi opinión , una piedra le conmueve lo mismo que una cara .Ha creado un alfabeto en el que cada letra tiene plena significación. Antes de calificar su silabario de monstruoso, dígame usted si ha sido capaz de descifrarlo y si ha comprendido sus intenciones decorativas

Koes van Dongen , Interior con puerta amarilla, 1910

En 1910, Braque empezó a plasmar naturalezas muertas cada vez más abstractas .Pintó Botella y peces ( Bouteille et poisson ) a finales de verano o principios de otoño en la localidad costera de L´Estaque , en el sur de Francia, donde residió desde finales de agosto a finales de octubre en repetidas ocasiones . A la izquierda del cuadro aparece una botella de pie bajo una red de superficies sucesivas. La mancha
blanca del cuello de cristal le da una marcada plasticidad en un conjunto en el que predominan la tonalidad azul. En la parte inferior del cuadro se descubren únicamente bocas de peces fragmentados, nunca cuerpos enteros. La disposición de la botella y los peces no se encuadra en un entorno espacialmente reconocibles . Los objetos se representan desmembrados y en una tonalidad que no coincide con sus colores reales. Los elementos del cuadro únicamente aparecen vinculados a un espacio en la mente del espectador.


Las naturalezas muertas cubistas se caracterizan en su mayoría por incluir muy pocos motivos figurativos, los cuales, en ocasiones, reflejan las costumbres del pintor, como sucede en Botella y peces de Braque , donde aparecen asociadas circunstancias de la vida de la costa mediterránea . Hay una renuncia explicíta a los objetos cargados de sentido con el fin de comprobar la nueva comprensión de la
realidad a través de lo cotidiano.


Braque habló de su obra mucho menos que Picasso u otros cubistas. Una de sus expresiones se centra en sus naturalezas muertas " No basta con hacer visible lo que se pinta , es preciso que sea también perceptible . Una naturaleza muerta no es tal, mientras quede alcance de la mano "


Bibliografía : Cubismo, Edic Taschen

Mercedes Tamara

14 -10-2013

EL ARPA INVISIBLE FINA Y MEDIA SALVADOR DALI

EL ARPA INVISIBLE FINA Y MEDIA 1932

El arpa invisible fina y media
óleo sobre lienzo 21x 16 cm
Colección particular

Una de las obras más fascinantes de Dali , El arpa invisible fina y media muestra la casa del artista y Gala en Por Lligat con gran detalle. La bahía encerrada con la playa y las casuchas de los pescadores , la terraza en el tejado y las sombras de las colinas circundantes todo aparece en la obra sin perspectivas inquietantes . Lo que no es lo mismo que decir que se trata de un cuadro apacible. A principios de los años treinta Dali y Gala pasaban los veranos en Port LLigat , donde poco a poco fueron transformando la vcasa encalada en un solo piso que el pintor había adquirido al hijo de Lidia Noguer, Bienvenido Costa Noguer, cuando el padre de Dali lo expulsó de su casa . La vida en ese paraje era primitiva y la carretra que unía Port Lligat y Cadaqués en aquella época trascurría entre abruptas rocas  por "donde ningún coche podía pasar . Era, pues necesario llevarlo todo a lomo de asno " . Veían a poca gente aparte de a Lidia , sus hijos locos y los pescadores , y siempre tenían presente la hostilidad de su padre hacía la montaña de Cadaqués situada a un cuarto de hora a pie " En torno a nosotros , rocas cortantes, aridez, gatos hambrientos, viento, cepas enfermas , exaltados y harapientos dementes " .

Lidia Noguer " que poseía el cerebro más maravillosamente paranoico que he conocido jamás , aparte del mío " sentía verdadera pasión por el destacado escritor catalán Eugeni d´Ors, con quien se escribía periódicamente, convencida de que las respuestas aparecían codificadas en la columna periodística d´Ors. Un día le dijo a Dali que d´Ors había empezado un artículo partiendo de las palabras finales de una de sus cartas. El artículo en cuestión versaba sobre " Poussin y El Greco " en su carta. Lidia aludíaa " dos tipos muy populares en Cadaqués . Uno de ellos apodado Puça y el otro un busto griego a quien llamaban El Grec ". A partir del parecido fonético de los nombres ,Lidia había llegado a una sistemática aunque delirante interpretación del artículo d´Ors. Parece plausible que los dos hombres que aparecen en El arpa invisible fina y media fueran Puça y "El Grec" . Este último sostiene un fragmento de ánfora como los que se encuentran en el fondo del mar de los alrededores de Empuries. Detrás de ellos, la insignificante figura de Gala vestida únicamente con una chaqueta bordada desaparece de la imagen. Pero también podría tratarse de los enloquecidos hijos de Lidia . " Si Lidia estaba ligada a la realidad  y de la clase más sustanciosa por múltiples lazos terrestres y marítimos, sus hijos, en cambio, estaban realmente locos y acabaron mucho más tarde por ser recluidos en un manicomio .

En su Vida secreta Dali nos relata cómo el año anterior a su viaje a París se habían acercado a él con gran misterio para revelarle su secreto que habían descubierto en el Cabo de Creus y que " empleaban las noches de la luna llena " en trasladar tierra en carretillas , desde una gran distancia para enterrar la vena del mineral que nadie pudiera descubrirla "

En muchas de las pinturas dalinianas de principios de los años treinta , los cuerpos parecen tener protuberancias fálicas ,la más famosa de las cuales aparece en El enima de Guillermo Tell . Al parecer existen dos tipos de formas alargadas, las carnosas, blandas y abotargadas y los duros y distorsionados huesos craneales .

Las distorsiones tanto de una como de otra forma , pueden tener relación con la anamorfosis , un tipo de perspectiva que hincha las imágenes de manera que " la verdadera forma " sólo puede apreciarse desde un ángulo concreto respecto a la superficie del cuadro :" No se trata únicamente de un truco óptico , sino que " comparte un simbolismo de gran detallismo relacionado de forma general con la deformación En Meditación sobre el arpa destaca un cráneo alargado y anamórfico que brota del codo del hijo , como la " oculta " cabeza de la muerte en Los embajadores de Hoberlin. Dali semtía fascinación por los escritos científicos de las época sobre la morfología y creó múltiples asociaciones sobre la idea de la terrible presión que el espacio ejerce sobre la forma " hasta producir las hinchazones que emergen de la vida " En este cuadro, el enorme órgano hinchado , al mismo tiempo monstruoso y tumescente , contrata vivamente con la roca dura y la piedra de los edificios y el paisaje .

Bibliografía : Dalí Edic Dawn Ades

Mercedes Tamara

12-10-2013