jueves, 24 de mayo de 2018

BODEGÓN CON SANDÍA, MANZANAS Y PIMIENTOS FRANCISCO BORES


BODEGÓN CON SANDÍA, MANZANAS Y PIMIENTOS 1942
Bodegón con sandía, manzanas y pimientos
óleo sobre lienzo 60 X 75cm
Colección particular

Francisco Bores llega a París en 1925, tras participar el mismo año en La Primera Exposición de la Sociedad de Artistas Ibéricos celebrada en Madrid. En París se reúne con su amigo Pancho Cossío, con quien compartió enseñanza en la academia de Cecilio Pla junto con Manuel Ángeles Ortiz y Joaquín Peinado, instalándose en un estudio en el barrio de Montparnasse. Allí se hace un hueco dentro de la comunidad de artistas españoles y tiene la oportunidad de conocer a Picasso y Juan Gris. En 1927 expone por primera vez de manera individual en la Galería Percier y en los siguientes años de la década de los 20 realizará más exposiciones e ilustraciones de libros. En 1930 se casa con Raïa Perewozka con quien tiene a su hija Carmen en 1931 y su hijo Daniel en 1937. En los años 30 expone principalmente en las galerías Vavin-Raspail (dirigida por Max Berger hasta su cierre en 1934) y Simón (dirigida por Daniel-Henry Khanweiler) de Paris y la Zwemmer Gallery de Londres. En 1939, al estallar la Segunda Guerra Mundial, Bores se instala con su familia en San Juan de Luz, viéndose casi a diario con Matisse, que será de gran influencia en su obra de los años 40. En 1941 regresa a París, ya ocupado por las tropas alemanas y, pese a hacer tratos con algunas galerías como la Galería Alfred Poyet o la Galería Renou et Colle, los años de ocupación serán tremendamente difíciles para Bores, que vive en una situación de precariedad económica. Ante esta situación y el peligro de las deportaciones, en 1943 Bores manda a su familia a España, donde permanecerán hasta 1945, volviendo él a París.

Pese a todas estas dificultades, los años de ocupación (1940 – 1944) serán de vital importancia en la producción artística de Francisco Bores. Abundan los bodegones compuestos por frutas y hortalizas, muy significativo teniendo en cuenta la escasez de víveres que sufría durante esos años. Excelente ejemplo es nuestro "Bodegón con sandía, manzanas y pimientos", fechado en 1942. En un interior, sobre una mesa cubierta por un mantel, encontramos una sandía, manzanas dentro de un cuenco y unos pimientos, además de una jarra y otros elementos. La perspectiva ha sido eliminada y todos estos elementos que forman la composición se sitúan en el mismo plano visual. Debido al contacto con Matisse, Bores abandona el rigor del cubismo por la riqueza visual del fovismo. El dibujo es esquemático y simplificado, pero más relajado que en épocas anteriores, buscando la esencia de los elementos. Abundan las líneas curvas, lo que dota la obra de un extraordinario movimiento y vivacidad. La paleta de color es vibrante, predominan los verdes, marrones y rojos; naturalistas pero potenciados, para dotarlos de mayor riqueza tonal y goce visual en el espectador. Como él mismo decía: "La pintura es un acto sensual, se la puede considerar como un fruto que saboreamos con los dedos, su piel se identifica con la nuestra" 


Mercedes Tamara
24-05- 2018

Bibliografia . Arnet ( copia) 

martes, 8 de mayo de 2018

BODEGÓN CON UVAS GEORGE BRAQUE

BODEGÓN CON UVAS

Bodegón con uvasóleo sobre lienzo 22 x 35 cm
Museo Nacional de Bellas Artes de Budapest


(Argenteuil, Francia, 1882 - París, 1963) Pintor francés. Hijo de un pintor de brocha gorda, oficio que siguió en un principio, Georges Braque estudió a partir de 1900 en la Escuela de Bellas Artes de París y hacia 1906 se adhirió al fauvismo, bajo la influencia de su amigo Othon Friezs, con obras como El embarcadero del puerto de l'Estaque
George Braque
En 1907, una exposición de Cézanne y el encuentro con Picasso pusieron a Braque en la senda del cubismo, tendencia de la que es cofundador. Desde entonces hasta su movilización en la Primera Guerra Mundial, trabajó en estrecha colaboración con Picasso, dando vida a la fase llamada cubismo analítico (Naturaleza muerta con instrumentos musicales), y más tarde a la denominada cubismo sintético (Vaso y violín). 

A diferencia de Picasso, que plasmó con frecuencia la figura humana, Braque prefirió, a lo largo de toda su trayectoria artística, la naturaleza muerta, en la que introdujo novedades significativas, como el empleo del collage o la incorporación de letras y números. En sus bodegones cubistas juega con el espectador, invitándole a reconstruir los objetos a partir de las diversas perspectivas que de ellos introduce en sus obras.

Bodegón con uvas podría ser muy bien la transposición de cualquier naturaleza muerta del siglo XVIII , fluido y vaporoso , en el que ha desaparecido la asepsia cubista para dar paso a una vibración atmosférica . Los objetos inscritos en un trazo azul proclaman la lección de Cézanne y Simultáneamente muestran puntos de contacto con el fauvismo 
Mercedes Tamara
8-05-2018
Bibliografia Wikipedia

jueves, 26 de abril de 2018

RETRATO DE MUJER PABLO PICASSO

Retrato de mujer
óleo sobre lienzo 65 x 54 cm
Museo de Sao Paulo , Brasil









Etapa azul (1901-1904)

La que es conocida como la etapa azul de Picasso, se extiende durante cuatro años, de 1901 hasta 1904. En esta etapa se aprecia un cambio tanto en el color como en la temática de sus trabajos. Estos cambios sin embargo serán introducidos de manera gradual, lo mismo que ocurrirá en su siguiente etapa rosa


. El inicio de este nuevo cambio en la obra de Picasso está marcada por el suicidio de su amigo Casagemas. Durante este período su trabajo se va a caracterizar por el uso de tonos azules y fríos, dando nombre así a la etapa. La temática que desarrollará será principalmente de ambiente bohemio. Los personajes que aparecen en sus cuadros serán principalmente, mendigos, borrachos y prostitutas, además todas estas figuras se caracterizarán por los rasgos ligeramente alargados.

En el Retrato de mujer En 1904 Picasso pintó este retrato que corresponde a la época azul eligió a una modelo cuyo nombre era Suzanne Bloch , a quien el pintor conoció en Paris , personaje que cobra en la tela una aura sibilina y misteriosa que trasciende las vivencias de una personalidad poco común .

El lienzo fue realizado en el año 1904 , época en que da por terminado el período azul La gama cromática habitual de este momento picassiano , se caracteriza por la elección de una gama cromática de tonos azules violáceos empastados con levedad y rápida pincelada.

Apenas existe en el procedimiento un interés por captar la luz y obtener consecuencias de modelado a la manera del impresionismo vigente , sino que el objetivo final de la obra se traduce en un sentimiento de melancolía y desencanto ante la vida propia de la idiosincrasia española . A este respecto, la gama fría aporta un. acorde frío y escalofriante.


Mercedes Tamara
26-04-2018

Bibliografia . Picasso, Edit Taschen
                    Wikipedia
En la época azul, Picasso distorsi
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El Retrato de mujer corresponde a la época azul de

viernes, 6 de abril de 2018

LA BEBEDORA DE ABSENTA PABLO PICASSO

LA BEBEDORA DE ABSENTA 1901

La bebedora de absenta
óleo sobre lienzo 73 x 54 cm
Museo del Ermitage, San Petesburgo



Picasso realizó este cuadro en el otoño de 1901, durante su segunda estancia parisiense. El tema de la soledad, representado a través del aislamiento de unos personajes más o menos anónimos en el interior de un café, no era nuevo para los artistas de la capital francesa; ya Degas y Toulouse Lautrec lo habían utilizado en algunas de sus obras. Pero en el joven artista español hay un sentido del drama muy distinto. El café, a diferencia de los cuadros de sus colegas, no posee ningún aspecto cómodo ni acogedor; no hay belleza en estos lugares estudiantiles y llenos de humo.



La escena parece comprimir a la figura femenina, a la que se deja sola en medio del lienzo. La soledad que Degas y Lautrec plasmaban era totalmente íntima y personal, ligada al personaje retratado; en Picasso, esa soledad contagia e impregna el ambiente. En La Bebedora de absenta la figura está inmóvil: la mano nerviosa se retuerce a lo largo del brazo. Todo es irregular, todo parece recorrido por una fuerte tensión que aísla profundamente al sujeto.


Para transmitir el mundo interior el pintor recurre a nuevos medios expresivos , hace que el cuerpo de la mujer sea desproporcionadamente estrecho , de particular expresividad en sus manos deshuesadas , premeditadamente alargadas y que parecen rodear el cuerpo y la forma del rostro está intensificada en extremo . El pintor resuelve el plástico con el color , emplea solo tonos sordos y sombríos 

Mercedes Tamara
6-04-2018

Bibliografia : ArteHistoria


miércoles, 14 de marzo de 2018

JACQUES LIPCHITZ Y SU ESPOSA AMEDEO MODIGLAINI

JACQUES LIPCHITZ Y SU ESPOSA 1912

Jacques Lipchitz y su esposa
óleo sobre lienzo 80 x 64 cm
Art Institute of Chicago






El retrato de Jacques Lipchitz y su esposa no es sólo una extraordinaria  muestra de las dotes de captación psicológica y de la originalidad formal de Amedeo Modigliani , sino también un interesante documento de la existencia de un círculo de artistas en el Paris de los años 1912-1916 unidos por los lazos de verdadera amistad y entre cuyos miembros se establecerían influencias recíprocas.



Los componentes del grupo , junto a Modigliani y el escultor de origen lituano retratado junto a su esposa en este lienzo, eran Picasso, Matisse y Juan Gris . El doble retrato fue pintado en 1916, pocos dias después de celebrado el matrimonio.
Modigliani intentó en esta obra  tratar el tema como" una especie de fotografía de boda ".



Su realización tuvo lugar en estudio del escultor , puesto que Modigliani se hallaba en una precaria situación económica que carecía incluso de lugar de trabajo. Lipchitz , sin embargo, deseaba un retrato trabajado a fondo ,por lo que insistió hasta lograr que Modiglani continuara su labor -ya sin modelo- por espacio de una o dos semanas . A pesar del tiempo invertido , el pintor sólo cobró leña suma de cincuenta francos . Lipchitz tuvo que vender el retrato pocos años después, a. causa, asimismo ,de su precaria situación económica. 



Mercedes Tamara
14-03-2018

Bibliografia : Modigliani Edit Taschen

viernes, 2 de marzo de 2018

LA VENGANZA RENÉ MAGRITTE


LA VENGANZA


La venganza
óleo sobre lienzo 47 x 35 cm
Museo Real de Amberes




Rene Magritte fue uno de los artistas más extraños del siglo XX. Una genial mente recluida en una humilde y apaciguada apariencia. Muy contrario a los artistas coetáneos, Magritte entregó su amor y su pasión a una sola mujer, única e irreemplazable, que permaneció a su lado hasta su muerte en el año 1967. Apenas gozó de fama y de reconocimiento al final de sus días, vivió toda su vida siendo un hombre de clase media-baja. Su inmenso trabajo se vio recompensado en la última década de su vida, culminando en el año 1965, cuando el Museo de Arte Moderno de Nueva York hizo una exposición de la obra de Magritte, lo que le convertía en el primer artista belga en gozar de semejante prestigio en vida.


Sus obras es una realidad distorsionada; surrealismo que se presenta en forma de un puzzle en el que lo cotidiano se convierte en misterioso. Qué significado tienen sus cuadros y por qué nos hipnotizan y nos confunden? Tal vez son poesía del subconsciente o simplemente arrebatos de una fantasía majara.

En La venganza de René Magritte realizada a la acuarela la ficción y la realidad  se confunden en un solo plano. La obra, sería tan sólo , una representación realista de un rincón del estudio del pintor si no existieran esas dos nubes que planean sobre el caballete, no se sabe si salidas del cuadro o en trance de integrarse a él 


Hay que meditar sobre la intención de Magritte ¿ Puede el artista describir la realidad?
Y aunque lo consiga ¿ Será  esa realidad una pura entelequia ? Por último. ¿ cuál es la vida del arte ? ¿ una vida imaginaria ?, ¿ una vida sensorial ? . 


Por una vez , gracias a la acuarela, ha podido Magritte vengarse de las limitaciones que le impone su oficio de pintor 



Mercedes Tamara
2-03-2018

Bibliografia : René Magritte , Edic Taschen

miércoles, 31 de enero de 2018

ARLEQUIN PENSATIVO PABLO PICASO



ARLEQUIN PENSATIVO 1901
Arlequín pensativo
óleo sobre lienzo 82,7 x 61,2 cm
Nueva York , The Metropolitan Museum









En el otoño del año 1901, comienza el período azul que se caracteriza por la monocromia del color Algunas obras de este periodo son : La muerte de Casagemas, Mujer de azul y Niña sentada, que , devienen en obras cada vez más importantes hasta constituir la opción cromática dominante, hasta el punto de que el lenguaje pictórico roza de manera creciente este color






















Este Arlequin pensativo , personaje típico de la producción picassiana , nos muestra al protagonista en una actitud reflexiva , definido con contornos abstractos simples pero bien delimitados, Estos trazos y de carácter autónomo y no guardan relación los unos con otros De forma simple y las formas sintéticas recuerdan algo de Gauguin.


Estamos ante una obra figurativa en la que adquiere gran importancia el dibujo y el color . Con la gradación de colores , el artista consigue una gran luminosidad



El protagonista de esta obra está tratado en el mismo decora-tivismo plano que las flores del fondo. Como en un tablero de ajedrez, el Arlequín de Picasso, de contornos abstractos y simples pero firmemente definidos, parece compuesto por trozos y elementos autónomos unos respecto de otros, como un rompecabezas. La simplicidad de los colores y las formas sintéticas recuerdan obras de Gau-guin



En cuanto a la policromía de la obra, existe un predominio de los tonos azulados, grisáceos y negros en los ropajes del personaje y en el fondo. También podemos observar como utiliza tonos amarillos, rojizos y verdes para las flores de la parte superior, los labios del arlequín y los guantes. Utiliza tonos blancos para los detalles del ropaje, la mesa y el rostro pintado del personaje.








Los personajes del circo y las máscaras de la Comedia del Arte acompañarán a Picasso toda su vida, atravesando junto con su demiurgo las distintas fases y lenguajes que él decida experimentar y constituyendo un tema favorito en los distintos periodos de su producción.





Mercedes Tamara
31-01-2018


Bibliografia : Slobidka

Wikipedia

BODEGÓN CON SANDÍA, MANZANAS Y PIMIENTOS FRANCISCO BORES

BODEGÓN CON SANDÍA, MANZANAS Y PIMIENTOS 1942 Bodegón con sandía, manzanas y pimientos óleo sobre lienzo 60 X 75cm Colección particul...