viernes, 22 de junio de 2018

EL VIADUCTO PAUL DELVAUX

El viaductoóleo sobre lienzo, 100,3 x 130,8 cm.Colección Carmen Thyssen-Bornemisza en depósito en el Museo Thyssen-Bornemisza, Madrid.

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Delvaux pinta este cuadro en marzo de 1963, época en la que de nuevo vuelve a interesarse por el tema de las estaciones y los trenes, que ya había tratado mucho antes. Hacia 1920, cuando estaba cursando estudios en la Academia, adquiere la costumbre de trabajar sobre este tema en la estación de Luxemburgo de Bruselas. Más adelante se inspira en la pequeña estación forestal de Boistfort, término municipal de Bruselas en el que reside. Es imposible evocar el universo de Delvaux sin hacer referencia a los trenes, pues éste es un tema recurrente en toda su obra.



 En él se nos revela como pintor de la realidad, de una realidad minuciosa. Delvaux no deja ningún detalle al azar y estudia a fondo cada elemento. Manda que le hagan maquetas de trenes y tranvías que ocupan un lugar privilegiado en su estudio, junto a un esqueleto, otro importante elemento de inspiración. De este modo puede copiarlos cuidadosamente e integrarlos en sus cuadros, según le convenga. El viaducto es una obra muy interesante, pues reúne en una misma composición, muy densa, todos los elementos que pueblan el mundo del artista: la lámpara colgada que adornaba las casas de su infancia, el ambiente fantástico e insólito de las estaciones al anochecer, el misterioso tren que pasa y cierra el horizonte con sus extrañas humaredas, el espejo que devuelve la imagen de otro mundo, de otra realidad. Y también la ausencia. Todo está paralizado, inanimado, a la espera de un acontecimiento que no acaba de producirse y el cuadro asusta y fascina al mismo tiempo, pues lo habita la poesía.


 En las casas se ve luz, pero se diría que ningún ser humano vive en ellas. Ninguna vida anima esta composición construida como una escena teatral. Tenemos un primer plano, con la presencia irreal de ese extraño espejo situado en una calle o bajo una marquesina, y el decorado del fondo: un tren que pasa como si flotase en el cielo de la noche. Este universo tan particular está construido de manera sencilla y real, pero los contrastes existentes entre los elementos reales y su ensamblaje es anacrónico; el artista crea lo irreal, el «sueño despierto», la poesía. A través de la imagen Delvaux revela el misterio, fuente de poesía y de extrañamiento, pues, aunque todos los elementos del cuadro son realistas, el conjunto de la imagen no lo es. El mundo onírico y el mundo natural se funden uno en otro, engendrando de este modo lo extraordinario. 


En su obra, ya no existen ni el tiempo ni las épocas. Toda lógica queda abolida en beneficio de la expresividad y del significado real de la obra: la evocación poética. Delvaux, el hombre, el artista, es un mundo de sensaciones, de impresiones, de huellas grabadas en lo más profundo del ser. Hunde sus raíces en la infancia, el recuerdo, la memoria. Todo existe, todo tiene nombre, todos lo conocen todo y pueden acercarse a todo, pero Delvaux, como un mago, trastorna el orden establecido, la jerarquía de los géneros, reúne lo que normalmente no va unido, acerca los contrarios, cambia el curso de la historia y se burla del tiempo y del espacio. Con los materiales tradicionales, crea lo que se ha dado en llamar «el mundo de Delvaux». Un universo propio que no será imitado, un universo consagrado a una diosa única: la Poesía. Una vez conquistado, este reino será inconmovible, penetrará en todas las obras a partir de 1935 y se seguirá desarrollando hasta las creaciones de los últimos años del artista.



Mercedes Tamara
22-06-2018

Bibliografia ForoXerbar

miércoles, 20 de junio de 2018

LA BORDADORA MARIA BLANCHARD

LA BORDADORA 1916 -1920


La bordadora (La brodeuse).  Óleo y collage sobre lienzo, 154 x 114 cm. Museo Reina Sofía. Madrid.
Composición cubista es uno de los ejemplos del momento de proximidad a Juan Gris, que constituye a la vez el eje de la producción cubista de María Blanchard, centrada sobre todo en la representación de naturalezas muertas y bodegones, en los que su autora lleva a cabo una aplicación particular de los supuestos del movimiento liderado por Pablo Picasso y Georges Braque. Este lienzo, en concreto, participa de la poética del cubismo sintético y, mediante la supresión de los planos superfluos, la pintora condensa en él los posibles puntos de vista del objeto representado, reduciéndolos así a una equilibrada síntesis.

Blanchard resuelve Composición cubista por medio de una paleta en la que predominan sus habituales tierras, verdes secos, grises, blancos y negros, pero, en este caso, la fidelidad a los principios estéticos del Juan Gris más colorista, le impulsa a incluir además una serie de tonalidades mucho más atrevidas, que van del amarillo dorado o el anaranjado, al amarillo limón. Destacando sobre cualquier otro elemento compositivo, se sitúa el gran fragmento de papel pintado que ocupa la zona superior izquierda del lienzo. El resultado es una pintura de una gran brillantez y viveza cromática, en la que incluso el título forma parte del velado homenaje que Blanchard ha querido rendir a su maestro Juan Gris.


Mercedes Pastor Fa
20-06-2018

ForoXerbar


lunes, 18 de junio de 2018

SYLVETTE PABLO RUIZ PICASSO

SYLVETTE 



Sylvette
óleo sobre lienzo 131 x 97 cm
Art Institute of Chicago


Sylvette es el título del retrato de una mujer joven con la cola de caballo pintada por Pablo Picasso. La modelo para la pintura era (Lydia) Sylvette David, también conocida por su nombre de casada Lydia Corbett, una mujer francesa que trabajó en un taller de cerámica cerca del estudio de Picasso en Vallauris, en el verano de 1953. 

No hay duda de  que el cubismo de Picasso ha sido la mayor revolución pictórica mas importante del siglo En 1954 realizó este lienzo cuando residía en Vallauris . Las inquietudes an analíticas y sintéticas de etapas anteriores han dado paso a una emancipación total de la realidad y el imperativo de evocar experiencias visuales que formaron parte de las vivencias del artista .

Con el método de de despeine geométrico , Picasso rinde de un modo reconocible para cualquier espectador la figura de una modelo vestida con un traje de dos piezas ,
compuesto por amplios pantalones , blusa y chaleco , a la moda tradicional en los harenes que describiera Delacroix en 1834 . Este cuadro pertenece a una serie de quince que el pintor realizó sobre la obra que se conserva en El Louvre.



Mercedes Tamara
18-06-2018



Bibliografia:.Picasso, Biografia, Vida y citas 
                Picasso .Edit Taschen

viernes, 15 de junio de 2018

PERSPECTIVAS SALVADOR DALI

PERSPECTIVAS 

Perspectivas
óleo sobre lienzo 65 x 65 cm
Museo de Basilea


Salvador Dalí es , por derecho propio , una de las figuras destacadas del surrealismo , tendencia en la que se orientó de modo definitivo su personal estilo hacia 1929.
Como demuestra  en Perspectivas, los rasgos sobresalientes de su manera pictórica son una técnica de carácter academicista , basada en un lenguaje en la que el dibujo  adquiere un protagonismo destacado, a base de lineas bien bien trazadas de una forma virtuosa y con una capacidad ilimitada para asociar imágenes disonantes .


A todo ello hay que añadir excelentes condiciones para las relaciones públicas y la propaganda de su propia obra . El lienzo se halla en las lineas del clasicismo daliniano que ofrece una sucesión de planos indicada exclusivamente por las figuras que se insertan en un paisaje carente de términos . se se exceptúa la formación plana del horizonte 




                                                        Mercedes Tamara
                                                        16-06-2018
                                        

                               
Bibliografia : Dali, Edit Taschen



  

lunes, 11 de junio de 2018

AUTORRETRATO PAUL DELVAUX

aul Delvaux - Autorretrato - 1937
Autorretrato
óleo sobre lienzo
Coleccion particular 





Las pinturas de Delvaux de finales del los años veinte y principios de los treinta, que presentan desnudos en paisajes, están fuertemente influidos por expresionistas flamencos como Constant Permeke y Gustave De Smet. Un cambio de estilo alrededor de 1933 refleja la influencia del «arte metafísico» de Giorgio de Chirico, a quien había conocido por vez primera en 1926 o 1927.2 A principios de la década de los treinta, Delvaux encontró más inspiración en sus visitas a la Feria de Bruselas, donde el Museo Spitzner, un museo de curiosidades médicas, mantenía un stand en el que se mostraban esqueletos y una figura de Venus mecánica en un escaparate con cortinas de terciopelo rojo.


 Este espectáculo cautivó a Delvaux, proporcionándole motivos que aparecerían a lo largo de su obra posterior.3 A mediados de los años treinta comenzó a adoptar algunos de los motivos de su compatriota belga Magritte,4 así como el estilo inexpresivo de dicho pintor al presentar las yuxtaposiciones más inesperadas de objetos por lo demás ordinarios. Encontró en James Ensor y, sobre todo, en René Magritte y Giorgio de Chirico, la inspiración de un estilo al que permanecería fiel hasta el final de su vida, calificado como realismo mágico.

Delvaux reconoció sus influencias, diciendo de Chirico, "Con él me di cuenta de que era posible, el clima que tenía que desarrollarse, el clima de calles silenciosas con sombras de personas que no pueden verse, nunca me he preguntado si es surrealista o no."5 Aunque Delvaux se asoció durante un tiempo con el grupo surrealista belga, no se consideraba a sí mismo "un surrealista en el sentido escolástico de la palabra."6 Tal como dice Marc Rombaut: "Delvaux... siempre mantuvo una relación íntima y privilegiada con su infancia, que es la motivación subyacente de su obra y siempre consigue que salga a la superficie. Esta 'infancia,' que existe dentro de él, le llevó a la dimensión poética en el arte."6

La fuite (1936) fue una de las primeras obras pintadas con este nuevo estilo, enriquecido durante su viaje a Italia en 1938 y con referencias a la arquitectura antigua y al tema de los paisajes desiertos con ruinas (La ville endormie, 1938).




Mercedes Tamara
11-06-2018
Bibliografia ForoXerbar

jueves, 24 de mayo de 2018

BODEGÓN CON SANDÍA, MANZANAS Y PIMIENTOS FRANCISCO BORES


BODEGÓN CON SANDÍA, MANZANAS Y PIMIENTOS 1942
Bodegón con sandía, manzanas y pimientos
óleo sobre lienzo 60 X 75cm
Colección particular

Francisco Bores llega a París en 1925, tras participar el mismo año en La Primera Exposición de la Sociedad de Artistas Ibéricos celebrada en Madrid. En París se reúne con su amigo Pancho Cossío, con quien compartió enseñanza en la academia de Cecilio Pla junto con Manuel Ángeles Ortiz y Joaquín Peinado, instalándose en un estudio en el barrio de Montparnasse. Allí se hace un hueco dentro de la comunidad de artistas españoles y tiene la oportunidad de conocer a Picasso y Juan Gris. En 1927 expone por primera vez de manera individual en la Galería Percier y en los siguientes años de la década de los 20 realizará más exposiciones e ilustraciones de libros. En 1930 se casa con Raïa Perewozka con quien tiene a su hija Carmen en 1931 y su hijo Daniel en 1937. En los años 30 expone principalmente en las galerías Vavin-Raspail (dirigida por Max Berger hasta su cierre en 1934) y Simón (dirigida por Daniel-Henry Khanweiler) de Paris y la Zwemmer Gallery de Londres. En 1939, al estallar la Segunda Guerra Mundial, Bores se instala con su familia en San Juan de Luz, viéndose casi a diario con Matisse, que será de gran influencia en su obra de los años 40. En 1941 regresa a París, ya ocupado por las tropas alemanas y, pese a hacer tratos con algunas galerías como la Galería Alfred Poyet o la Galería Renou et Colle, los años de ocupación serán tremendamente difíciles para Bores, que vive en una situación de precariedad económica. Ante esta situación y el peligro de las deportaciones, en 1943 Bores manda a su familia a España, donde permanecerán hasta 1945, volviendo él a París.

Pese a todas estas dificultades, los años de ocupación (1940 – 1944) serán de vital importancia en la producción artística de Francisco Bores. Abundan los bodegones compuestos por frutas y hortalizas, muy significativo teniendo en cuenta la escasez de víveres que sufría durante esos años. Excelente ejemplo es nuestro "Bodegón con sandía, manzanas y pimientos", fechado en 1942. En un interior, sobre una mesa cubierta por un mantel, encontramos una sandía, manzanas dentro de un cuenco y unos pimientos, además de una jarra y otros elementos. La perspectiva ha sido eliminada y todos estos elementos que forman la composición se sitúan en el mismo plano visual. Debido al contacto con Matisse, Bores abandona el rigor del cubismo por la riqueza visual del fovismo. El dibujo es esquemático y simplificado, pero más relajado que en épocas anteriores, buscando la esencia de los elementos. Abundan las líneas curvas, lo que dota la obra de un extraordinario movimiento y vivacidad. La paleta de color es vibrante, predominan los verdes, marrones y rojos; naturalistas pero potenciados, para dotarlos de mayor riqueza tonal y goce visual en el espectador. Como él mismo decía: "La pintura es un acto sensual, se la puede considerar como un fruto que saboreamos con los dedos, su piel se identifica con la nuestra" 


Mercedes Tamara
24-05- 2018

Bibliografia . Arnet ( copia) 

martes, 8 de mayo de 2018

BODEGÓN CON UVAS GEORGE BRAQUE

BODEGÓN CON UVAS

Bodegón con uvasóleo sobre lienzo 22 x 35 cm
Museo Nacional de Bellas Artes de Budapest


(Argenteuil, Francia, 1882 - París, 1963) Pintor francés. Hijo de un pintor de brocha gorda, oficio que siguió en un principio, Georges Braque estudió a partir de 1900 en la Escuela de Bellas Artes de París y hacia 1906 se adhirió al fauvismo, bajo la influencia de su amigo Othon Friezs, con obras como El embarcadero del puerto de l'Estaque
George Braque
En 1907, una exposición de Cézanne y el encuentro con Picasso pusieron a Braque en la senda del cubismo, tendencia de la que es cofundador. Desde entonces hasta su movilización en la Primera Guerra Mundial, trabajó en estrecha colaboración con Picasso, dando vida a la fase llamada cubismo analítico (Naturaleza muerta con instrumentos musicales), y más tarde a la denominada cubismo sintético (Vaso y violín). 

A diferencia de Picasso, que plasmó con frecuencia la figura humana, Braque prefirió, a lo largo de toda su trayectoria artística, la naturaleza muerta, en la que introdujo novedades significativas, como el empleo del collage o la incorporación de letras y números. En sus bodegones cubistas juega con el espectador, invitándole a reconstruir los objetos a partir de las diversas perspectivas que de ellos introduce en sus obras.

Bodegón con uvas podría ser muy bien la transposición de cualquier naturaleza muerta del siglo XVIII , fluido y vaporoso , en el que ha desaparecido la asepsia cubista para dar paso a una vibración atmosférica . Los objetos inscritos en un trazo azul proclaman la lección de Cézanne y Simultáneamente muestran puntos de contacto con el fauvismo 
Mercedes Tamara
8-05-2018
Bibliografia Wikipedia

EL VIADUCTO PAUL DELVAUX

El viaducto .  óleo sobre lienzo, 100,3 x 130,8 cm. Colección Carmen Thyssen-Bornemisza en depósito en el Museo Thyssen-Bornemisza, Madri...