sábado, 25 de octubre de 2014

EL PRINCIPIO DE LA VIDA FRANTISEK KUPKA

EL PRINCIPIO DE LA VIDA 1900-1903


El principio de la vida d
Aguatinta de color 34 x 34 cm
Museo Nacional de Arte Moderno
Centre Georges Ponpidou, Paris 





Aunque no es muy conocido por el gran público, hoy los historiadores del arte reconocen a este magnífico artista como uno de los "padres" de la abstracción, aunque muchas de sus obras más tempranas poseen un marcado espíritu simbolista

Después de haberse licenciado en Praga, Kupka viajó hasta Viena, también con la intención de completar sus estudios en la Academia de la ciudad. En aquellos años, la urbe es un hervidero de cultura, y cuenta con la presencia de personajes como el pintor Gustav Klimt o Sigmund Freud. Fue precisamente durante su estancia en Viena cuando Kupka profundizó aún más en su interés por el esoterismo. Allí se integró en una sede de la Sociedad Teosófica, y aumentó sus ya de por sí numerosas lecturas.


En 1895 continuó con sus viajes y llegó, por fin, a París, la ciudad en la que residiría durante gran parte de su vida, aunque nunca se desvinculó del todo de su patria (de hecho, llegó a participar en la Primera Guerra Mundial y alcanzó el grado de capitán junto con las tropas checas). En la ciudad del Sena tuvo la oportunidad de codearse con los grandes artistas que vivían en la capital en aquella época. En aquellos primeros años en la "ciudad de la luz" Kupka practicaba asiduamente la meditación, y su estudio era un remanso de paz, con una atmósfera propia de un lugar sagrado.
Durante todo ese tiempo, mantuvo sus particulares creencias esotéricas, espiritistas y religiosas, que le acompañarían hasta el final de su vida y que influyeron notablemente en su creación artística, tal y como han reseñado algunos estudiosos:
El interés de Kupka por la espiritualidad significaba que se creía a sí mismo capaz de dividir su conciencia durante las sesiones de espiritismo y ver el mundo desde afuera. Años antes de las primeras fotografías de la Tierra tomadas desde el espacio, Kupka pintaba lo que creyó eran ‘visiones’ del Cosmos. Aunque Kupka nunca aseguró que sus visiones interiores fueran algo más que fragmentos que ‘flotaban en nuestras cabezas’, él creyó que su visión clarividente le prestó una trascendencia que le permitía inspeccionar el Cosmos.
Kupka no sólo llegó a pintar lo que creía observar durante sus "viajes astrales", sino que también creó algunas de sus obras directamente influido por los trances mediúmnicos que experimentaba durante las sesiones de espiritismo. Y, del mismo modo, también aplicó sus creencias teosóficas en muchas de sus obras:

Kupka mostró siempre gran interés por el esoterismo .En esta ocasión trata un tema budista -la flor de loto como símbolo del alma-intentando operar una sintesis entre la tradición espiritualista y la visión científica de su época ( el feto está unido a la flor por el cordón umbilical ).

Mercedes Tamara
25 10-2014


Bibliografía : El Simbolismo , Edic Taschen

EL DÍA SIGUIENTE EDVARD MUNCH

EL DÍA SIGUIENTE ( 1894-1895 )
El día siguiente
óleo sobre lienzo 115 x152 cm
Nasjonalgalleriet , Oslo


 "Los elementos que se nos presentan de entrada son en primera instancia, la mujer, joven a juzgar por su apariencia, la cama individual, la mesa que al parecer es redonda pero que en la pintura sólo se ve una cuarta parte de ella, y encima de la mesa dos botellas y un vaso casi vacío.

La entrada de luz nos viene de la parte inferior derecha hacia arriba, que representa la zona más luminosa en la obra y por el color de la luz prevé las primeras horas de la mañana, justo en donde la expresión de la mujer es el detonante para este análisis; es en donde se encuentra casi todo el cuerpo de la femina y alcanza a abarcar una parte de la mesa, específicamente en donde se encuentra el vaso.
Respecto a los colores determinan el matiz que Munch desea imprimirle, de carácter lúgubre, el abundante ocre determina el tono de la obra e invita dirigir la mirada al descanso de color que representa el blanco, que a su vez resulta ser el más expresivo.
La mirada de la mujer no permite saber si duerme o se encuentra en algún otro estado, por lo que dicha conjetura sólo se puede extraer del hecho que está en una cama o bien que después de haber bebido (argumento avalado por las botellas en la mesa) se encuentra cansada y necesita del reposo. Por el contrario, el hecho de que todavía permanezca ataviada con la mitad de su vestido (de la cintura para abajo) permite creer que su siesta aún puede esperar.
Lo que es inevitable es ver su cabello totalmente desarreglado, que de acuerdo a la usanza general una mujer sólo permanecería así después de una férrea actividad (sea cual sea) por lo que se justificaría que se encuentre en su cama.
Ahora bien pasando a su ropa llama poderosamente la atención algo que hicimos notar hace unos momentos, la parte superior de su cuerpo ya no lleva el vestido, la dama se encuentra en ropa interior (lo que parece ser una camisa interior con abertura por la parte media) de tal manera que sus pechos están próximos a ver la luz, su único brazo en escena, el izquierdo, salta a la vista por permanecer totalmente estirado de lo que se infiere una posición cómoda de relajamiento posterior a lo que llamé férrea actividad.
Las inferencias respecto al por qué la dama se encuentra en su camisa interior no se hacen esperar, resulta curioso que la usanza natural no plasme dichos retratos por que ello representaría ir en contra del porte de una mujer, mismo por el que se trabaja toda una vida, en este caso la dama parece no importarle que así sea, o bien, parece que no se da cuenta que es pintada mientras se encuentra en la cama individual.
El hecho que se encuentre en una cama individual supone su soltería, o por lo menos que duerme sola en ella, por lo que en teoría no conoce varón, aunque por las conjeturas de su aliñamiento se infiere que no hace mucho que estuvo con uno. Se presenta una contracara del sentido femenino de orden, he allí el detalle esencial y diferente pues se plasma un estado natural de la mujer, que suele ocultarse debido a la construcción del imaginario social de lo femenino.
Su piel es blanca, tierna y no sugiere ninguna arruga, por lo que no sería aventurado situarla en la edad alrededor de los 20 años, misma en la que parece las mujeres comienzan a conocer la vida mediante decisiones propias que las marcarán por el resto de sus días, positiva o negativamente.
Por su parte, la presencia del alcohol puede generar demasiadas conjeturas e incluso respuestas a la postura que la dama tiene respecto a la pintura, por una parte se encuentra visiblemente retirada de las botellas lo que nos da a pensar que si bien tomó de ellas fue minutos antes de que su cuerpo fuera plasmado en el lienzo.
Recordemos, en la mesa se encuentran tres recipientes: un vaso de cristal que tiene aún un poco de líquido, una botella de tamaño considerable y otra de menor tamaño que bien puede captarse como una licorera, entonces al no encontrarse ningún otro líquido se infiere que las botellas, tanto la considerable como la menor, son de una bebida que no requiere de otra para ser ingerida.
Es importante recalcar que el vaso de cristal está casi por terminar, de ello se puede pensar que previamente el vaso se encontró lleno y la mujer (por tratarse de la persona más cerca) fue quien bebió del vaso hasta llegar a ese punto. Por su parte las botellas no presentan indicios de lo que tienen dentro o bien de qué tanto se ha tomado de ellas.
La orbita en la que transita la obra examinada es indudablemente de incertidumbre, pues lo sugiere el ocre predominante, a diferencia del blanco que sólo se manifiesta en el cuerpo femenino y la parte contigua de la cama. La cercanía de sus pechos al exterior permite pensar en diferentes escenarios posibles. Pero lo único cierto y observable es que su cuerpo yace prácticamente en la cama después de alguna actividad no manifiesta en el cuadro, misma que socialmente podría ser castigada, pero no por ello es ajena a la mujer.
Hasta ahora lo aquí dicho no es otra cosa que lo que ante nuestra vista se manifiesta de la obra de Munch, sus elementos sin duda al entrelazarse pueden generar nuevos escenarios en el mundo de lo posible. En busca de la esencia de la obra “ podría determinar que los elementos más importantes hasta ahora percibidos son: el color y la dama.
Hacemos especial hincapié en el color pues genera una atmosfera diferente, el ocre se usa en virtud de plasmar un tiempo pasado, por su parte la mujer, mitad pura, mitad impura (a decir de sus colores) transita en la dicotomía impuesta por la incertidumbre de no saber a dónde ir, con la certeza de que el mejor lugar para posar es la cama. En síntesis, el vacío existencial llega a su complitud con la obra de Munch.
De manifiesto queda pues, que en la obra Munch tiene el deseo de identificar un problema humano con el lienzo, ya que me parece evidente el estado de contrariedad de la dama, en donde el tránsito de lo conocido, de lo certero a lo castigado por la sociedad se extiende con el contraste luminoso.

Mercedes Tamara
25-10-2014
  • Bibliografía - De Micheli, M. Las vanguardias artísticas del siglo XX. Madrid: Alianza Editorial, 1996.
  •                        Edvard Munch, Edic Taschen


















viernes, 24 de octubre de 2014

LA JOVEN GENERACIÓN JAN TOOROP

LA JOVEN GENERACIÓN  1893 

La joven generación de
óleo sobre lienzo 99 x100 cm
Museum Boyman van Benningen, Rotterdam




Jan Toorop (1858-1928), holandés, nacido en las Indias orientales holandesas. Es un pintor formado en Holanda y Bélgica, influenciado por Manet, Moreau y Seurat. 

Realiza algunas obras de estilo puntillista, pintando, también, como simbolista, impresionista, realista y dentro el art noveau.A pesar de este tránsito constante, tiene unestilo que lo distingue: el colorido y el dinamismo.

En La joven generación , la niña en la silla alta , es la hija del artista , que vuelve la espalda al pasado ( su madre con rosas marchitas en la mano ) y extendiendo los brazos hacía un mundo luminoso y misterioso. El poste de telégrafos y la vía del tren simbolizan la técnica moderna.

Parece significativo que Toorop haya renunciado a su forma habitual de pintar en el lienzo La joven generación que pintó como testamento de amor para su hija pequeña.

Mercedes Tamara 
24 10-2014


Bibliografía : El Simbolismo, Edic Taschen

HENRY FORD HOSPITAL:LA CAMA VOLANDO FRIDA KHALO

HENRY FORD HOSPITAL:LA CAMA VOLANDO 1932

HENRY FORD HOSPITAL, LA CAMA
VOLANDO
Óleo sobre lienzo 36x58 cm
Colección particular



El cuadro muestra a la artista desnuda sobre una cama de ho spital demasíado grande en relación con su cuerpo . La sábana blanca está empapada de sangre bajo su cuerpo.Sobre el vientre , todavía ligeramente hinchado por el embarazo , sostiene en su mano izquierda tres cuerdas rojas que parecen venas a las que enlazan seis objetos -símbolos de su sexualidad y del embarazo fracasado.

La cinta que remata sobre el vientre y la mancha de sangre , se convierten en un cordón umbilical , en cuyo extremo se halla un feto masculino hiperdimensional en posición embrionaria . Se trata del niño perdido en el aborto , el " pequeño Dieguito " , al que había esperado llegar a parir.

A la derecha , sobre la cabecera de la cama , flota un caracol. Según declara la propia Kahlo ,es un símbolo de la lentitud del aborto. El caracol se encuentra en otras representaciones como símbolo de vida y del sexo.

La maqueta médica de color salmón de la zona pélvica y parte de la columna , que se ecuentra al píe de la cama , alude, al igual que el modelo óseo abajo a la  derecha , a la causa del aborto: las fracturas de la columna y la pelvis imposibilitan a Frida Kahlo el soportar un embarazo.

En el mismo contexto ha de entenderse la pieza de máquina a la izquierda . El objeto, es posiblemente ,parte de un esterilizador de vapor, como los que se utilizaba entonces en los hospitales .

La orquidea violeta abajo en el centro se la trajo Diego Rivera al hospital , según dijo el propio Diego. Para ella, esta flor era símbolo de la sexualidad y sentimiento.

La desvalida figura yacente de la artista , pequeña sobre la gran cama que se pierde en la amplia llanura,transmite la impresión de soledad y desamparo que,con seguridad, refleja el estado de ánimo de Frida Kahlo

Mercedes Tamara 


24-10-2014


Bibliografía .Frida Khalo, Edic Taschen






BALADA DE LA EPONA ( LAS ALEGRÍAS FRANTISEK KUPKA

BALADA DE LA EPONA ( LAS ALEGRÍAS )1900


Balada de Epona ( Las alegrías ) de Frantisek Kupka
óleo sobre tabla 95x 126 cm
Narodni Galerie Praga

La balada de la Epona de Frantisek Kupka es una obra preabstracta, todavía simbolista de 1901 , se observa como Kupka ya utilizaba elementos de lo intangible para mostrar su filosofía sobre el universo .

Las figuras femeninas de Kupka durante el período comprendido entre 1901 a 1910 emitían un energía sexual poderosa y hasta  brutal . Las alegrías de la vida se pueden comparar a cuentos eróticos de Munich del siglo XX.

Las bandas repetidas y sinuosas en la costa demuestran la fascinación que Kupka sentía por las secuencias de ritmo y movimiento y sonidos en todos los aspectos del mundo natural Estos ritmos ondulantes que tienen las olas del mar establecen un ritmo natural y auditivo que cautiva  al espectador 

Este cuadro La balada de Epona : Las alegrías muestran otro aspecto de Kupka , homenaje sorprendente de las dos mujeres que hubo en su vida : su compañera morena en aquella épocay su amiga rubia fallecida en 1898 


Mercedes Tamara
24-10-2014

Bibliografía : El Simbolismo, Edic Taschen

SERPIENTES DE AGUA I ( AMIGAS ) GUSTAV KLIMT

SERPIENTES DE AGUA I  ( AMIGAS ) 1904-1907
Serpientes de agua I ( amigas )
Técnica mixta sobre pergamino 50 x20 cm
Osterreichische Galerie, Viena




A la vez que concluía el Retrato de Hermine Galla ( 1904 ), Gustave Klimt comenzaba dos obras bien distintas en cuanto a los aspectos temáticos y formales se refiere; ambas recibieron el nombre de Sepientes de agua ,aunque también se conocen como Amigas a causa de las similitudes que en numerosas ocasiones se le han encontrado a la primera versión del tema respecto al posterior Las amigas ( 1916 -1917 ) .

Serpientes de agua I , mostrada en la Galeria Mietke de Viena en 1907 por primera vez y expuesta en 1911 como Las hermanas en el pabellón austriaco de la Exposición Internacional de Roma, fue realizada con acuarela, temple y aplicaciones de hojas de oro y plata sobre pergamino. Semejante despliegue técnico está al servicio de un tema que por aquellos años suscitaba un gran interés : el amor y la sensualidad entre mujeres. Dentro de la trayectoria de Gustav Klimt Serpientes de agua constituye una de las interpretaciones en torno a un motivo , la amistad femenina, presente tanto en su producción anterior ( Agua en movimiento, Peces de plata y Peces de oro como en las realizaciones ulteriores.


Serpientes de agua II ( Amigas )  1904-1907
óleo sobre lienzo 80x145cm
Colección privada
Teniendo en cuenta que nos hallamos en la Viena de Sigmund Freud y sus teorías psicoanalíticas sobre las pulsiones eróticas procedentes del inconsciente que aguardan tras la represión de la conciencia , y puesto que se representa es el baile 

sinuoso de dos criaturas acuáticas que, según la tradición, son de naturaleza hemafrodita , la lectura de la obra puede ser doble, respectivamente: por un lado la representación -.materialización del puro instinto de esas fuerzas incontrolables que habitan en el subsuelo empantanado de nuestra mente ; por otro, el fluir sutil y el erotismo entremezclado de la sexualidad femenina .


Ambas interpretaciones se ven envueltas por una atmósfera oniríca lograda tanto por el empleo de diversos fondos decorativos , que en la relación de unos con otros generan una sensación de profundidad acuática , como por los cuerpos de forma estilizada que los pueblan.


Serpientes de agua II , a excepción de la técnica ( óleo sobre lienzo ) , las características de su primera versión , aunque permite establecer una comparación más evidente con el temprano Agua en movimiento ( 1898 ) por la desintegración horizontal a la que parecen sometidos los cuerpos de las ninfas a medida de fluctúan,serenas, adormecidas , con unas ondas del agua que enredan sus cabellos entre  algas doradas y flores de intenso colorido . El erotismo que desprenden las dos versiones definitivas de Serpientes de agua  es más que evidente en los estudios y bocetos en los que el único motivo compositivo es la sensualidad de la mujer , sola o en pareja.


Mercedes Tamara 
24-10-2014


Bibliografía : Gustav Klimt, Edic Taschen

jueves, 23 de octubre de 2014

RETRATO DE MI HERMANA INGER EDVARD MUNCH

RETRATO DE MI HERMANA INGER  1884

RETRATO DE MI HERMANA INGER
óleo sobre lienzo 97 x 67 cm
Nasjonalgalleriet , Oslo




Este cuadro Retrato de mi hermana Inger fue pintado por Edvard Munch en el año 1884 . Este retrato que  muestra a Inger a los dieciséis años con su vestido negro de confirmación y en proporciones un poco menores que las naturales , provocó también disgusto a pesar de su carácter convencional y a pesar de que en 1885 había representado a Noruega en la Gran Exposición Universal de Amberes.

Los críticos se refirieron al cuadro en los mismos términos en que hablaban de la  "abominable  Louise Michel " anarquista y feminista francesa o bien lo juzgaban sencillamente como un cuadro horrible: " el horripilante retrato de una dama  vestida de negro " .

Si se leen las críticas de los periódicos de entonces, ante todo en vista del vehemente rechazo de este retrato, no se puede evitar la sospecha de que la prensa bienpensante querían atacar no sólo a Munch , sino a toda la bohemia de Critianía.

El problema es que Munch y todos los artistas bohemios querían desenmascarar a una sociedad envuelta en contradicciones y que cultiva el  autoengaño. Contra esta falsa complacencia y contra la estrechez de los principios morales y religiosos iban dirigidos los trabajos y las provocaciones de los bohemios. Por eso , este retrato de la hermana de Munch fue tan mal acogido y denostado por unos críticos que estaban llenos de prejuicios .

Mercedes Tamara 
23-10-2014

Bibliografia : Edvard Munch, Edic Taschen

FIGURA EN UNA MESA MUCHACHA ACODADA SALVADOR DALI

                            FIGURA EN UNA MESA MUCHACHA ACODADA 1925 Figura en una mesa, muchacha acodada óleo sobre cartón sobre tabla 46 x...