FRUTERO PABLO RUIZ PICASSO

FRUTERO

Frutero
óleo sobre lienzo 21x 27 cm
Museo de Basilea

El año 1908 representa la consolidación de la confluencia de dos estilos en la obra de Picasso, el cubista y el naturalista. Frutero  es un claro exponente de ello , puesto que el artista introduce nuevamente dentro de la composición ritmos geométricos y fragmentos figurativos, en este caso el frutero y las peras y manzanas que son las protagonistas de la composición

Este frutero demuestra el interés prioritario por la simplificación de obras : Se nota la influencia  de Cézanne en la gran pureza de formas y con colores lisos y fríos que muestran cierto viraje hacía la abstracción, que en Picasso es  siempre figurativa.

El artista logra en esta obra una composición magistral, mediante unos escasos planos de ritmos Conserva también , una entonación cálida con. una gama de colores más vivos que en otras obras anteriores de este período cubista de Picasso

Mercedes Tamara

11-01-2018

Bibliografia : Picasso , Edit Taschen

LA CITA PABLO PICASSO

LA CITA PABLO PICASSO

La cita
óleo sobre lienzo 53x 56 cm
Museo Puskhin

A caballo entre los dos siglos, Picasso se encuentra en la capital francesa y a sus ojos todo parece un material potencial para experimentar con nuevas maneras de pintar. Escenas de vida nocturna, solitarios clientes de los cafés parisienses y lugares de reunión bohemios son los temas favoritos del artista.


La obra titulada La cita se convierte así en un pretexto para experimentar con nuevas composiciones y estilos. El pintor se orienta en ella hacia un patetismo creado por los fuertes contrastes cromáticos, entre los cuales destaca el del rojo de la falda sobre el negro del hombre y el de éste sobre el marfil del lecho. Los trazos negros y marcados que esquematizan las siluetas de las dos figuras, de formas sinuosas y onduladas, se asemejan a los utilizados por el noruego Edvard Munch. 

Es probable que Picasso tuviera ocasión de conocer al extraordinario artista a través de una litografía importada por uno de los amigos modernistas que frecuentaban el café barcelonés Els Quatre Gats. Era éste un local en el que algunos intelectuales catalanes se reunían y organizaban muestras colectivas y donde, de regreso de sus viajes europeos, se comparaban, valiéndose de litografías y dibujos, con las nuevas tendencias artísticas extranjeras.

La obra se tiñe de colores vibrantes que proceden del estudio del arte francés y de la comparación con él; dicho arte prefiere, a la definición lineal de las figuras, los fuertes contrastes que mejor traduzcan los sentimientos intensos y patéticos.

La pequeña habitación de techo abuhardillado y mobiliario sobrio y pobre (casi una chambre de bone habitación de la sirvienta]) hace la escena íntima y privada. De los dos amantes no se sabe nada: Picasso no nos deja ver sus rostros, que se pierden en un estrecho abrazo excluyendo así totalmente de la composición al espectador.

Mercedes Tamara

6-01-2018

Bibliografia : Guia de los Grandes Museos , Edit Planeta

JEANNE HÉBUTERNE CON COLLAR AMEDEO MODIGLIANI

JEANNE HÉBUTERNE CON COLLAR 1917

Jeanne Hébuterne con collar
óleo sobre lienzo 55,5 x 38, 5 cm
Colección privada

Modigliani conoció a Jeanne Hébuterne a principios de 1917 cuando ella era estudiante de arte en la misma academia a la que había sistido Modigliani en los primeros meses de su llegada a París . Al poco tiempo de conocerse , los amantes se instalaron juntos en un estudio parisino hasta la muerte de ambos . La omnipresencia de la joven Jeanne en las pinturas de los últimos tres años de Modigliani es prueba de la pasión que les unió.

Esta es una de las primeras pinturas que Modigliani dedicó a su nueva y joven compañera . A Jeanne le gustaba la ropa y la confección de prendas de un solo color ; prefería vestimentas exóticas de influencias orientales y se peinaba con dos trenzas que colgaban sobre su espalda , aunque aquí el artista optó por mostrarla con el pelo recogido y un flequillo sobre la frente.

Modigliani adaptó la figura de su nueva modelo al canon anatómico que venía adoptando en sus anteriores retratos de mujeres . Esto se aprecia en el rostro ovalado y alargado, en el cuello estilizado y curvado, en los ojos enigmáticos y almendrados , en la nariz aplanada y estilizada y en la boca pequeña realzada con un rojo intenso. Las formas del rostro aparecen definidas por un trazo negro intenso y decidido.

Como se puede apreciar en otros retratos , Modigliani ornamentó el esbelto y estilizado cuello de Jeanne con la presencia de un collar , elemento por el que se identifica esta obra.

La mirada de la figura es el foco perceptivo de este retrato . Es en esta mirada dulce y tierna donde el pintor buscó individualizar a su modelo. El tratamiento de la superficie muestra una pintura empastada , cargada de materia . Unas densas y vibrantes pinceladas se advierten especialmente en el rostro y en el cuello , donde unos toques blancos iluminan la figura , destacándola sobre un fondo neutro.

Mercedes Tamara

25-12-2016

Bibliografía : Modigliani Galeria de Pinturas 

SAN BASILIO ARISTAJ LENTULOV

SAN BASILIO 1913

San Basilio
óleo sobre lienzo 170, 5 x 163,6 cm
Galeria Tetriakov Moscú

El pintor ruso Aristarj Lentulov nació en la familia de un clérigo el 14 de marzo de 1882 en la ciudad de Penza. Dentro del grupo de iniciadores del grupo Jota de diamantes (1910), en el que también participaron Vasili Kandinski, Pietr Konchalovski, Kazimir Malevich y otros, él representaba el ala más "naive" y "nacional". Al mismo tiempo era el más consistente de los Cubo-futuristas.

Fue uno de los fundadores del " Bubony valet " ( Sota de diamantes )que era una asociación artística de los pintores moscovitas, cuya primera exposición se efectuó en 1910. Estos pintores se manifestaron contra los estados de ánimo sombríos y la mística del simbolismo , contra el arte de salón y la difusión del estudio


Apoyándose en la experiencia de Matisse y Cézanne, y en el vigoroso colorido del arte popular ruso , tales como las xilografías, los adornos de las bandejas y letreros urbanos , afirmaban una alegre , sensitiva y vital percepción de la vida .



La combinación de métodos del cubismo y futurismo con la espontaneidad , la fuerza incontenible de su temperamento pictórico son las particularidades creativas de Lentúlov de los años 1910.

La estructura rítmica de los paisajes de Lentulov comenzó a parecerse gradualmente a una arquitectura esculpida a partir de la naturaleza





Para incrementar la intensidad del colorido , introduce en los cuadros parches de diversos materiales , tales como hojas metálicas , doradas y plateadas , hilados , papeles de color En el cuadro San Basilio, el artista


plasmó en el lienzo sus impresiones sobre el templo moscovita del siglo XVI , que transforma en un espectáculo dinámico , festivo y fantástico

Mercedes Tamara

10-12-2016

Bibliografia : Guía de los Grandes Museos , Edit Planeta

LA CHICA DE LA BOLA PABLO PICASSO

LA CHICA DE LA BOLA 1904-1906 

La chica de la bola
óleo sobre lienzo 147 x 95 cm
Museo Pushkin, Moscú

La acróbata de la bola pertenece al período siguiente a la época rosa de la obra de Picasso ( 1904-1906 ),cuando el tema de sus cuadros pasa a ser, el mundo de las desdichada bohemía , de los artistas de circo, saltimbanquis ambulantes y actores. Al igual que sus personajes el artista se sentía desplazado , pero su arte está penetrado de una profunda compasión por los mendigos, los vagabundos y por todos los que llevan una vida mísera , en busca de un trozo de pan y un techo por los caminos de un mundo frío e indiferente 

Al mismo tiempo , Picasso cree en la humanidad de los sentimientos , en la delicada fragilidad del amor y apego de esos hombre unidos por las privaciones en los cuales el artista está dispuesto a ver la salvación del malvado frío de la angustia y la soledad 

La composición de La acróbata de la bola, que estudió en varios dibujos preparatorios, revela un cuidado equilibrio entre la ligereza de la acróbata y el peso del atleta. La esfera y el cubo en los que, respectivamente, se apoyan, realzan aquellas cualidades y el consiguiente contraste entre ambas figuras

. Por otra parte, son sólidos geométricos asociados desde antiguo, en la tradición platónica, a las características de perfección y estabilidad. Además, la muchacha aparece pintada casi en dos dimensiones, lo que resalta su ingravidez frente al volumen, modelado por las gradaciones de luz y sombra, del hombre. 

El color, con calidades de pintura mural en una gama restringida de rosas y ocres, y el depurado paisaje del fondo, que se ha relacionado con los de la infancia malagueña del artista, contribuyen de modo decisivo a la esencialidad de la obra.

La obra, adquirida por la norteamericana Gertrude Stein, pasó luego a la Galería de Kahnweiler, que la vendió en 1913 al coleccionista ruso I. A. Morosov. Tras la Revolución, pasó a formar parte de las colecciones estatales, y sólo en contadas ocasiones ha sido prestada por el Museo Pushkin de Moscú, en el que se conserva.

Mercedes Tamara

29-11-2016

Bibliografia : Guía de los Grandes Museos Edit Planeta 

MUCHACHO SENTADO CON UN GORRO AMEDEO MODIGLIANI

MUCHACHO SENTADO CON UN GORRO 1918

Muchacho sentadoi con un gorro
óleo sobre lienzo 100 x 65 cm
Colección privada

Este retrato de un joven muchacho fue realizado por Modigliani durante su estancia en el sur de Francia, donde residió entre mediados del 1918 y 1919. Es un trabajo que integra a un grupo de niños campesinos y trabajadores , personajes rurales que el entorno mediterráneo ofreció al artista como nuevos modelos para sus pinturas.

El joven muchacho aparece sentado de perfil de tres cuartos en un espacio interior en que se insinúa una puerta . La figura , de aspecto monumental, se presenta rígida sobre una silla , con las manos delante de su cuerpo . La cabeza parece hundirse en su cuello , es demasiado pesada y grande para su cuerpo. Esa mirada en blanco que transmiten sus enigmáticos ojos vacíos, produce en el espectador una sentida compasión por el individuo.

Aquí Modigliani dejó a un lado el amaneramiento y la extrema estilización de las formas tan característicos de otros retratos ; la composición es más calmada . Un equilibrado tratamiento cromático de tonos azules y rojizos otorga a esta composición una peculiar pasividad y sobriedad. 

Mercedes Tamara

10-11-2016

Bibliografia : Modigliani, Edic Taschen

LA HABITACIÓN DEL AMIGO DOROTHEA TANNING

LA HABITACIÓN DEL AMIGO 1950-1952

La habitación del amigo

óleo sobre lienzo

colección privada

Dorothea Tanning, nacida en Chicago, acudió a mediados de los años veinte, a una exposición de arte dadaísta y surrealista y después de la experiencia decidió quedarse en ese lugar para convertirse en artista surrealista.

En los años cuarenta, los nazis ocuparon París, Meca del arte vanguardista y los artistas de ideas revolucionarias, fueron perseguidos como suelen hacer los totalitarios que viven aterrorizados por todo lo que sea distinto y libre y los pintores surrealistas, tuvieron que huir, la mayoría se exilió en Estados Unidos, que por supuesto, daba asilo a los perseguidos por Hitler.

Por esta azarosa circunstancia, Tanning conoció a Max Ernst y se convirtió en su seguidora primero y su esposa después y en esa época se afilio al surrealismo, posteriormente experimentó otras perspectivas artísticas y también fue considerada expresionista, de su época surrealista nació "La habitación del amigo" que representa, como muchas otras obras de Tanning, temores convertidos en sueño-pesadillas y que remiten a su infancia, dominada por el miedo nocturno debido a una educación puritana llena de temores irracionales que vivió la artista y por el clima bélico que se vivía en su época

Mercedes Tamara

1-11-2016

Bibliografía . Surrealismo, Edic TodoArte