jueves, 26 de febrero de 2015

AMOR GUSTAV KLIMT

AMOR 1895
Amor
óleo sobre lienzo 60 x 44 cm
Historiches Museum Viena




Esta obra pertenece a la segunda serie de Alegorías y emblemas de Martín Gerlasch entre 1896 y 1900 para las cual Gustav Klimt realizó las representaciones de Tragedia, Escultura y Amor


Al igual que las dos obras de las que formaban parte Amor constituye una pieza clave en el desarrollo estílistico de la producción del artista vienés por contener elementos fundamentales en su madurez como el empleo del dorado, los fondos y dibujos planos , los contornos curvilíneos, las figuras femeninas y la influencia de los mundos clásico y oriental. La escena principal está encuadrada en el centro de la composición por dos paneles decorados con motivos florales en su parte superior :
de este modo Klimt introduce la abstracción en una obra figurativa ( aunque de fuertes tintes simbólicos )


El panel central está constituido por una escena alegórica que pretende traducir las sensaciones propias del ámbito psicológico mediante la presencia de la figura humana bajo sus diversos significados . En la mitad inferior , la pareja de amantes se aproxima con pasión y entrega escenificadas en el momento de un beso que está por consumarse.


Amor ( detalle )



Klimt podría estar ensayando en esta obra el tema del abrazo que veremos posteriormente desarrollado en creaciones como el Friso de Beethoven ( 1902 ) Las tres edades de la mujer ( 1905 ) o El beso ( 1907-1909 ) .

La atmósfera general con que se dota la escena es de una penumbra matizada por unas luces vaporosas apenas perceptibles que nos introducen, por un lado, en cuanto a cuestiones estílisticas en el ambiente onírico propio del Romanticismo y de los Nazarenos Alemanes ; y por otro lado, en lo que al contexto de la Viena de 1890 se refiere, en el sentimentalismo y en la melancolía de los relatos amorosos de Arthur Schnitzler y en las investigaciones mediante hipnosis que Sigmund Freud realizaba de la histeria , la manifestación más violenta y enigmática del instinto del amor o pulsión sexual. 

La lectura que se quiere ofrecer del tema del amor es dualista : un sentimiento de vida y de muerte, a la par dulce y misterioso, estimulante y destructivo , consciente e inconsciente ,contingente y eterno. Y es obedeciendo a esta simbología , como se completa el conjunto de Amor en su mitad superior. En el panel central , una serie de rostros suspendidos parecen representar el ciclo de la vida o las tres edades de la mujer ; es decir ; el paso del tiempo ; en los paneles laterales , a la misma altura , las ramas de un rosal aluden en el lenguaje pictórico al misterio de la vida o a la melancolía indisociable de la belleza que, en el ejemplo presente, el amor encarna en si mismo.

Mercedes Tamara
26-02-2015


Bibliografia : Gustav Klimt " El artista del alma " Edic Libsa

jueves, 12 de febrero de 2015

PAISAJE CUBISTA JUAN GRIS

PAISAJE CUBISTA 1917

Paisaje cubista
óleo sobre tela 116 x 72,4 cm
Colección privada


Juan Gris ( José Gerónimo González Pérez ) fue un artista español que junto con Picasso crearon en París un taller en el que trabajaron ambos Juan Gris desarrolló  un estilo muy personal del cubismo sintético . Las superficies pictóricas de este artista tenían un aspecto de un brillo metálico  y las esquinas parecen que han sido cortadas con un cuchillo. Las formas se superponen unas con otras , pero conservan una identidad prácticamente sin ambigüedades y una rigurosa sensación de orden impregnan sus composiciones.

Gris acabó Paisaje cubista en una época particularmente triste a consecuencia de su estancia en París mientras estallaba la Primera Guerra Mundial . Para él , por aquel entonces París no le parecía divertida aunque brillase un sol radiante .

Parece que en la época en que pintó este cuadro se estaba replanteando su arte . Algunos cuadros del año 1917 tienen una composición complicada y unos colores vivos que recuerdan las obras creadas entre 1913 y 1915. Este cuadro presenta una austeridad cromática y compositiva que reflejan el estado de ánimo en el que se hallaba inmerso el artista .

A principios de la década de 1990, Paisaje cubista se restauró y con la limpieza efectuada se obtuvo unos resultados muy reveladores . El barniz de la superficie se había oscurecido mucho que amortiguaba la zona de los tonos azules e intensificaba las partes grises , con lo que se había destruido el equilibrio cromático que la obra tenía en sus inicios . Las formas aparecían confusas y el óleo estaba sin vida y coherencia pictórica . En el proceso de limpieza se eliminó el barniz que se había oscurecido de forma desigual Pero se logró recuperar la intensidad de los grises y su calidad armónica cálida y fría . Se restituyó con éxito las formas individuales y la coherencia pictórica se restituyó con éxito

Mercedes Tamara ( autora )
12-02-2015

Bibliografia :  Enciclopedia del Arte "Edit Planeta
 

sábado, 7 de febrero de 2015

NATURALEZA MUERTA EN UN PAISAJE PABLO RUIZ PICASSO

NATURALEZA MUERTA EN UN PAISAJE 1915
Naturaleza muerta en un paisaje
óleo sobre lienzo 62,3 x 75,5 cm
Colección privada



La introducción en el año 1912 del papier collé supuso un giro radical desde la primera fase del cubismo : la analítica ( 1909-1912 ) y que se había caracterizado por el empleo de una paleta limitada con unas formas poliédricas y geométricamente rotas que evocaban varios puntos de vista simultáneos dentro de un espacio plano pero variado. La manera sintética surgió a partir de 1912 y recuperó muchos colores que estaban ausentes en la fase analítica .Hay muchos más colores y textura Picasso introdujo en Naturaleza muerta con un paisaje unidades formales superpuestas y planas en lugar de las onduladas que había utilizado en sus primeros lienzos cubistas. También aplanó cada vez más el espacio dotándole de más ambigüedad que el cubismo analítico .

En el Picasso que vemos se pone de manifiesto la importancia del collage- recurso que consiste en enganchar sobre la superficie del cuadro una serie de materiales recortadas -. Aún que en Naturaleza muerta con paisaje a la hora de la verdad carece de elementos enganchados . Picasso se ha planteado la representación de la imagen como si se tratase de un colllage con segmentos claramente diferenciados , algunas zonas de color tienen dibujos que parecen casi estampas , el espacio pictórico tiene un carácter plano .

Naturaleza muerta con paisaje ofrece una gran variedad de recursos compositivos y cromáticos muy complejos y elaborados , que Picasso ya venía introduciendo en sus obras desde los años 1914-1915. Lo que es interno y externo , el primer plano y el último se conforman y entretejen intencionadamente Esta modalidad pictórica teine semejanza con una papel que se utiliza en las decoraciones  -unas formas en forma de remolino que se mueven al azar por el espacio pictórico

Mercedes Pastor Fa ( autora )
7-02-2015


viernes, 6 de febrero de 2015

EL IMPERIO DE LAS LUCES II RENÉ MAGRITTE

EL IMPERIO DE LAS LUCES II, 1950

El imperio de las luces II
óleo sobre lienzo 80 x 100 cm
Museum of Modern Art , Nueva York



Le Centaure, la galeria parisina de René Magritte ( 1898-1967 ) cerró sus puertas en 1930 y su fondo en torno a doscientos cuadros del pintor belga fueron adquiridos por su amigo E LT Mesens, un colega belga y director de su futura galería londinense . A través de la fama de Magritte creció en el Reino Unido a finales de la década de 1930, época en la cual pasó a exponer junto al grupo de los surrealistas , Magritte obtuvo reconocimiento internacional a partir de 1946 cuando firmó un contrato con Alexandre Iolas , un marchante de arte neoyorquino que continuó siendo su agente hasta que Magritte murió de cáncer en 1967.

La fama de Magritte a quien se considera uno de los principales surrealistas , continuó aumentando en la década de 1960. Su influencia en movimientos artísticos posteriores , en concreto el pop art y el arte conceptual es innegable . Aunque muchos surrealistas experimentaron con la técnica del automatismo, práctica que desembocó en la creación de cuadros completamente abstractos .

Magritte continuó siempre vinculado al estilo figurativo. Este enfoque que utilizó en 
El imperio de las luces II ,le permitió crear una imagen surrealista de mayor fuerza . La zona baja de este cuadro representa un escenario urbano y abierto en plena noche Creando un marcado contraste psicológico en la zona superior de la imagen no se plasma un firmamento negro cuajado de estrellas, sino un cielo vespertino de un azul resplandeciente repleto de esponjosas y pequeñas nubes blancas. Hay más de veinte versiones de este cuadro , la primera de las cuales data de 1949



Mercedes Tamara
6-02-2015

Bibliografia : René Magritte, Edic Taschen 


FIGURA EN UNA MESA MUCHACHA ACODADA SALVADOR DALI

                            FIGURA EN UNA MESA MUCHACHA ACODADA 1925 Figura en una mesa, muchacha acodada óleo sobre cartón sobre tabla 46 x...