ARLEQUIN PENSATIVO PABLO PICASO

ARLEQUIN PENSATIVO 1901

Arlequín pensativo
óleo sobre lienzo 82,7 x 61,2 cm
Nueva York , The Metropolitan Museum

En el otoño del año 1901, comienza el período azul que se caracteriza por la monocromia del color Algunas obras de este periodo son : La muerte de Casagemas, Mujer de azul y Niña sentada, que , devienen en obras cada vez más importantes hasta constituir la opción cromática dominante, hasta el punto de que el lenguaje pictórico roza de manera creciente este color






















Este Arlequin pensativo , personaje típico de la producción picassiana , nos muestra al protagonista en una actitud reflexiva , definido con contornos abstractos simples pero bien delimitados, Estos trazos y de carácter autónomo y no guardan relación los unos con otros De forma simple y las formas sintéticas recuerdan algo de Gauguin.


Estamos ante una obra figurativa en la que adquiere gran importancia el dibujo y el color . Con la gradación de colores , el artista consigue una gran luminosidad



El protagonista de esta obra está tratado en el mismo decora-tivismo plano que las flores del fondo. Como en un tablero de ajedrez, el Arlequín de Picasso, de contornos abstractos y simples pero firmemente definidos, parece compuesto por trozos y elementos autónomos unos respecto de otros, como un rompecabezas. La simplicidad de los colores y las formas sintéticas recuerdan obras de Gau-guin



En cuanto a la policromía de la obra, existe un predominio de los tonos azulados, grisáceos y negros en los ropajes del personaje y en el fondo. También podemos observar como utiliza tonos amarillos, rojizos y verdes para las flores de la parte superior, los labios del arlequín y los guantes. Utiliza tonos blancos para los detalles del ropaje, la mesa y el rostro pintado del personaje.








Los personajes del circo y las máscaras de la Comedia del Arte acompañarán a Picasso toda su vida, atravesando junto con su demiurgo las distintas fases y lenguajes que él decida experimentar y constituyendo un tema favorito en los distintos periodos de su producción.

Mercedes Tamara

31-01-2018

Bibliografia : Slobidka

Wikipedia

DANZA A ORILLA DEL MAR EDVARD MUNCH

DANZA A ORILLA DEL MAR 1900

Danza a orilla del mar
óleo sobre lienzo 89 x 95 cm
Galeria Nacional de Praga

La obra de Edvard Munch se caracteriza por un sentido trágico de la vida y de la muerte, propio de toda la literatura escandinava de Henrik Ibsen a August Strindberg. A pesar de que sus primeras pinturas recibieron la influencia de los impresionistas, pues conoció bien la obra de Gauguin y Van Gogh, en seguida se inclinó por la idea de plasmar los sentimientos, por exteriorizar las sensaciones de angustia y soledad del ser humano. Su etapa de madurez está impregnada de ese "sentimiento trágico" que tanto caracterizó a los románticos, pero extraído del contexto propio del Romanticismo y llevado a sus últimas consecuencias, otorgándole un valor "absoluto", como algo de lo que el hombre no se puede liberar.

Edvard Munch se puede situar en los orígenes del expresionismo europeo . Su estilo se orienta decididamente por ese camino. En 1889 anunciaba : " Pintaré seres que respiran , sienten, sufren y aman ". 

En 1900 ya había realizado series con la misma temática , aunque aquí simplifica las formas y la representación de éstas . En Danza a orilla del mar, el artista por su colorido y simplificación de los volúmenes conserva la huella de Gauguin, cuya obra le había impresionado en Paris años atrás.

Las lineas forman un arabesco de curvas irregulares pero llenas de ritmo , que lo entroncan con el Jungedenstil, o sea, con la versión germánica del modernismo.

Entre una y otra influencia se alza la personalidad de Munch, con el objetivo primordial de traducir estados de ánimo y comunicarlos, valiéndose de la inflexión de la linea y el poder que el color tiene sobre la psique humano

Mercedes Tamara

27-01-2018

Bibliografia : Edvard Munch, Edit Munch

AUTORRETRATO PABLO PICASSO

AUTORRETRATO PABLO 1907

Autorretrato
óleo sobre lienzo 56 x 46 cm
Galeria Nacional de Praga

1907 es para Picasso un año decisivo en el que tienen lugar profundas transformaciones en su trayectoria artística. El encuentro con el arte ibérico de la época arcaica y con el primitivo africano, la amistad con Braque, que le había sido presentado por Apollinaire, y la prolongada elaboración del cuadromanifiesto Las señoritas de Aviñón marcarán el final de las anteriores investigaciones sobre la figura humana y el inicio de una nueva concepción espacial.

La obra fue realizada por Picasso después de haber estudiado una estatuilla comprada en un bistrot de Bougival. Los primeros contactos con la escultura negra, con el arte así denominado hasta la segunda década del siglo XX y que comprendía obras de África, de la Polinesia y de las islas de Oceanía, se produjeron a través de las frecuentes visitas del artista al museo etnográfico de París. El estudio de las máscaras tribales y de algunas cabezas ibéricas lo llevó a una nueva concepción fundada en la pureza y la simplicidad de las formas.


 Este autorretrato representa la fase de transición, en la cual es patente el carácter poco naturalista de los rasgos faciales, como la desproporcionada nariz y los ojos, que fueron descritos por Rousseau, el Aduanero, como semejantes a los de una máscara tribal.  Aunque todavía hay mucho expresionismo en la estilizada exageración de los rasgos faciales , pero éste es sólo un instrumento del que se vale. Picasso para resolver los problemas de construcción, que son los que realmente le interesa, una construcción analítica por planos, por lo que bien podemos calificar este cuadro de precubista 

Mercedes Tamara

23-01-2018

Bibliografia : Picasso, Edit Taschen

MUCHACHA EN LA VENTANA SALVADOR DALI

MUCHACHA EN LA VENTANA1925

Muchacha en la ventana
óleo sobre lienzo 105 x 74,5 cm
Museo Reina Sofia , Madrid

Muchacha en la ventana forma parte de una serie de sugerentes cuadros en los que la modelo es casi siempre Ana María, la hermana del pintor. Es quizá la obra maestra de esa serie, compuesta al menos por una docena de retratos.


El cuadro pertenece a la etapa formativa de Dalí, cuando el artista tenía veinte años y el surrealismo no había influido todavía de manera apreciable en su pintura. Hay reminiscencias de la época azul de Picasso y de la concepción cubista del malagueño.


El cuadro es sencillo, no es más que una chica apoyada en una ventana y mirando el horizonte, lo que hace pensar que no es sólo un cuadro, son por lo menos dos: el cuadro en sí y la imagen que se nos muestra inmediatamente a continuación de la espalda de la muchacha. Ana María de espaldas asomada a la ventana de la casa familiar de Cadaques. La luz de la mañana penetra radiante por la ventana. 


La protagonista de esta pintura son : el paisaje y las redondeces de Ana María La luz de la mañana penetrar radiante por la ventana , mientras la hermana de Dalí debería estar reflexionando quizás sobre la belleza que posee el paisaje de Cadaques ( lugar de nacimiento de los dos hermanos) donde ambos pasaban largas temporadas.d

Mercedes Tamara

22-01-2018

Bibliografia : Dali, Edit Taschen

EL SABOR DE LAS LÁGRIMAS RENÉ MAGRITTE

EL SABOR DE LAS LÁGRIMAS 1948

El sabor de las lágrimas
óleo sobre lienzo 60 x 50 cm
Reales Museos de Bruselas

Pintor surrealista que confirió a esta corriente de una carga conceptual fundamentada en el juego de imágenes ambiguas y su significado, denotado a través de palabras, poniendo en cuestión la relación entre un objeto pintado y el real. Su obra será más conceptual que la de otros contemporáneos suyos, apelando a la inteligencia del espectador, buscando siempre la contradicción intelectual o verbal.




Buscará formas lejos del automatismo o del mundo onírico como en su obra “Los amantes” y difícil de interpretar como en “Meditación”, donde se puede contemplar un tren saliendo de una chimenea. Influido por la pintura metafísica, combinará en sus obras lo insólito, lo cotidiano, el erotismo e, incluso, lo macabro. 

Bajo la influencia del italiano Giorgio de Chirico Magrittel encuentra un significado inesperado en el que se hallan cosas dispares , también busca valores poéticos , a pesar de la apariencia desaliñada del que no le importa despreciar su oficio El autor de la célebre El reino de las luces con un estudio de la iluminación artificial 

Mercedes Tamara

16-01-2018

Bibliografia : El surrealismo, Edit Taschen 

MUJER SENTADA EN UN SILLÓN PABLO RUIZ PICASSO

MUJER SENTADA EN UN SILLÓN 1938

Mujer sentada en un sillón
óleo sobre lienzo 130 x 90 cm
Museo de Orsay

En 1906, Pablo Picasso se compromete a realizar el retrato de Gertrude Stein. Necesitará 96 sesiones para terminar el cuadro, que presenta el rostro de la escritora como una máscara primitiva. Ese mismo año el pintor descubre, en el Louvre, la escultura ibérica y estudia la pintura de Gauguin

El primitivismo, el deseo de volver a lo que es natural, de romper con las convenciones sociales, se acrecienta cuando ve por primera vez tallas de lo que entonces se llamaba arte negro.

En Gósol, alejado de todo y de todos, trabajando a partir de fotografías de colecciones etnográficas, Picasso prepara su revolución. La primera gran materialización de ese deseo de "no conformarse con ver de otra manera sino en querer ver otra cosa" será Las señoritas de Aviñón, tela de gran formato, estampa de burdel de inusitada violencia plástica. Para Alfred Barr, es la primera obra cubista aunque hoy Pierre Daix haya demostrado que la afirmación es exagerada. Para construir el cuadro, Picasso realizó más de 800 bocetos

No existe ninguna duda de que Picasso ha sido el gran pintor de la época contemporánea , fundamentalmente , por su gran capacidad de sintetizar varias corrientes pictóricas que van desde el impresionismo hasta nuestros días.

Mujer sentada en un sillón que responde a la época de madurez del artista

que ya ha fusionado varias tendencias pictóricas desde el cubismo , expresionismo y surrealismo. El rostro ha sido dislocado de tal forma que sus rasgos aparecen vistos en posiciones diversas , un ojo de frente, y el rostro de perfil , escalonándose en una construcción aberrante y muy poco agraciada pictóricamente hablando . pero, que al ser analizada demuestra responder a un modelo viviente.

Es evidente que el arte picassiano de este momento ha tenido gran influencia sobre otros pintores contemporáneos , especialmente sobre el inglés Francis Bacon

Mercedes Tamara

13-01-2018

Bibliografia : Picasso , Edit Taschen

                    " El País " periódico

FRUTERO PABLO RUIZ PICASSO

FRUTERO

Frutero
óleo sobre lienzo 21x 27 cm
Museo de Basilea

El año 1908 representa la consolidación de la confluencia de dos estilos en la obra de Picasso, el cubista y el naturalista. Frutero  es un claro exponente de ello , puesto que el artista introduce nuevamente dentro de la composición ritmos geométricos y fragmentos figurativos, en este caso el frutero y las peras y manzanas que son las protagonistas de la composición

Este frutero demuestra el interés prioritario por la simplificación de obras : Se nota la influencia  de Cézanne en la gran pureza de formas y con colores lisos y fríos que muestran cierto viraje hacía la abstracción, que en Picasso es  siempre figurativa.

El artista logra en esta obra una composición magistral, mediante unos escasos planos de ritmos Conserva también , una entonación cálida con. una gama de colores más vivos que en otras obras anteriores de este período cubista de Picasso

Mercedes Tamara

11-01-2018

Bibliografia : Picasso , Edit Taschen

LA CITA PABLO PICASSO

LA CITA PABLO PICASSO

La cita
óleo sobre lienzo 53x 56 cm
Museo Puskhin

A caballo entre los dos siglos, Picasso se encuentra en la capital francesa y a sus ojos todo parece un material potencial para experimentar con nuevas maneras de pintar. Escenas de vida nocturna, solitarios clientes de los cafés parisienses y lugares de reunión bohemios son los temas favoritos del artista.


La obra titulada La cita se convierte así en un pretexto para experimentar con nuevas composiciones y estilos. El pintor se orienta en ella hacia un patetismo creado por los fuertes contrastes cromáticos, entre los cuales destaca el del rojo de la falda sobre el negro del hombre y el de éste sobre el marfil del lecho. Los trazos negros y marcados que esquematizan las siluetas de las dos figuras, de formas sinuosas y onduladas, se asemejan a los utilizados por el noruego Edvard Munch. 

Es probable que Picasso tuviera ocasión de conocer al extraordinario artista a través de una litografía importada por uno de los amigos modernistas que frecuentaban el café barcelonés Els Quatre Gats. Era éste un local en el que algunos intelectuales catalanes se reunían y organizaban muestras colectivas y donde, de regreso de sus viajes europeos, se comparaban, valiéndose de litografías y dibujos, con las nuevas tendencias artísticas extranjeras.

La obra se tiñe de colores vibrantes que proceden del estudio del arte francés y de la comparación con él; dicho arte prefiere, a la definición lineal de las figuras, los fuertes contrastes que mejor traduzcan los sentimientos intensos y patéticos.

La pequeña habitación de techo abuhardillado y mobiliario sobrio y pobre (casi una chambre de bone habitación de la sirvienta]) hace la escena íntima y privada. De los dos amantes no se sabe nada: Picasso no nos deja ver sus rostros, que se pierden en un estrecho abrazo excluyendo así totalmente de la composición al espectador.

Mercedes Tamara

6-01-2018

Bibliografia : Guia de los Grandes Museos , Edit Planeta