NATURALEZA MUERTA EN UN PAISAJE PABLO RUIZ PICASSO

NATURALEZA MUERTA EN UN PAISAJE 1915

Naturaleza muerta en un paisaje
óleo sobre lienzo 62,3 x 75,5 cm
Colección privada

La introducción en el año 1912 del papier collé supuso un giro radical desde la primera fase del cubismo : la analítica ( 1909-1912 ) y que se había caracterizado por el empleo de una paleta limitada con unas formas poliédricas y geométricamente rotas que evocaban varios puntos de vista simultáneos dentro de un espacio plano pero variado. La manera sintética surgió a partir de 1912 y recuperó muchos colores que estaban ausentes en la fase analítica .Hay muchos más colores y textura Picasso introdujo en Naturaleza muerta con un paisaje unidades formales superpuestas y planas en lugar de las onduladas que había utilizado en sus primeros lienzos cubistas. También aplanó cada vez más el espacio dotándole de más ambigüedad que el cubismo analítico .

En el Picasso que vemos se pone de manifiesto la importancia del collage- recurso que consiste en enganchar sobre la superficie del cuadro una serie de materiales recortadas -. Aún que en Naturaleza muerta con paisaje a la hora de la verdad carece de elementos enganchados . Picasso se ha planteado la representación de la imagen como si se tratase de un colllage con segmentos claramente diferenciados , algunas zonas de color tienen dibujos que parecen casi estampas , el espacio pictórico tiene un carácter plano .

Naturaleza muerta con paisaje ofrece una gran variedad de recursos compositivos y cromáticos muy complejos y elaborados , que Picasso ya venía introduciendo en sus obras desde los años 1914-1915. Lo que es interno y externo , el primer plano y el último se conforman y entretejen intencionadamente Esta modalidad pictórica teine semejanza con una papel que se utiliza en las decoraciones  -unas formas en forma de remolino que se mueven al azar por el espacio pictórico

Mercedes Pastor Fa ( autora )

7-02-2015

EL IMPERIO DE LAS LUCES II RENÉ MAGRITTE

EL IMPERIO DE LAS LUCES II, 1950

El imperio de las luces II
óleo sobre lienzo 80 x 100 cm
Museum of Modern Art , Nueva York

Le Centaure, la galeria parisina de René Magritte ( 1898-1967 ) cerró sus puertas en 1930 y su fondo en torno a doscientos cuadros del pintor belga fueron adquiridos por su amigo E LT Mesens, un colega belga y director de su futura galería londinense . A través de la fama de Magritte creció en el Reino Unido a finales de la década de 1930, época en la cual pasó a exponer junto al grupo de los surrealistas , Magritte obtuvo reconocimiento internacional a partir de 1946 cuando firmó un contrato con Alexandre Iolas , un marchante de arte neoyorquino que continuó siendo su agente hasta que Magritte murió de cáncer en 1967.

La fama de Magritte a quien se considera uno de los principales surrealistas , continuó aumentando en la década de 1960. Su influencia en movimientos artísticos posteriores , en concreto el pop art y el arte conceptual es innegable . Aunque muchos surrealistas experimentaron con la técnica del automatismo, práctica que desembocó en la creación de cuadros completamente abstractos .

Magritte continuó siempre vinculado al estilo figurativo. Este enfoque que utilizó en 

El imperio de las luces II ,le permitió crear una imagen surrealista de mayor fuerza . La zona baja de este cuadro representa un escenario urbano y abierto en plena noche Creando un marcado contraste psicológico en la zona superior de la imagen no se plasma un firmamento negro cuajado de estrellas, sino un cielo vespertino de un azul resplandeciente repleto de esponjosas y pequeñas nubes blancas. Hay más de veinte versiones de este cuadro , la primera de las cuales data de 1949

Mercedes Tamara

6-02-2015

Bibliografia : René Magritte, Edic Taschen 

LA ISLA DE LOS MUERTOS ARNOLD BOCKLIN

LA ISLA DE LOS MUERTOS 1880

La isla de los muertos
pintura al temple con veladura sobre lienzo 111x 155 cm
Berlin, Kunstmuseum, Basel

La invención pictórica más famosa del suizo Arnold Bócklin es La isla de los muertos 

que hizo en cinco variantes desde 1880 y se han conservado cuatro en Basilea, 

Kunstmuseum. The Metropolitam Museum, Nueva York, Nationalgalerie, Berlin y Museum der bidenben Künste , Berlín.

De la insondable oscuridad del mar, surgen en todas las versiones , rocas escarpadas mágicamente iluminadas que se alzan al lúgubre cielo nocturno y que se abren en semicírculo al espectador. En los muros que forman las rocas de este puerto natural se han practicado cámaras mortuorias , en el centro crecen cipreses oscuros . Una barca con un féretro , una figura de espaldas, envuelta en sábanas blancas como una momia, con aspecto de estatua , y un remero surcan las aguas lentemante ( según la posición del remero, la barca tendría que alejarse de la isla. La asociación del leve sonido del remo parece subrayar aún más el insólito silencio que se extiende por toda la escena , un " silencio gráfico " que Böcklin hace formalmente visible , entre otros elementos, con el equilibrio de lineas horizontales y verticales . 

El profundo horizonte despierta la impresión de una amplitud infinita . Al igual que todas las formas, también el colorido está compuesto económicamente : las rocas recubiertas de un tono rojizo, que reflejan el último rayo de luz crepuscular; el blanco irreal de la figura en la barca , el azul profundo y violeta del agua y del cielo ,

el verde oscuro , casi negruzco de los cipreses . Repetidamente se ha intentado encontrar un modelo para esta misteriosa isla ; por ejemplo, la isla-cementerio  St Jurai al sur de Dubrovnik, o Polikonissi ante Corfú, o también una de las islas Ponza. en el golfo de Gaeta. Sin embargo, la fascinante escena de Bócklin no encuentra en ningún lugar su correspondencia científica en realidad. 

Los potenciales contenidos semánticos del cuadro, una de las obras principales  del simbolismo , al margen del mensaje fundamental de la efimeridad , no se han descifrado completamente . En 1974, el arquitecto, pintor y autor de obras gráficas y de decorados escénicos nacido en Milán , Fabrizio Clerici ( 1913-1993 ) parafraseó La isla de los muertos. Reaccionó así frente al hecho de que el paisaje de Bröcklin formaba parte de las estampas más reproducidas de los siglos XIX y XX , con lo que irremediablemente se veía sometida a procesos de trivialización y conversión en 

kitsch. Clerici extrajo el modelo de este contexto al " descomponerlo "y reconstruir las piezas individuales como piezas de un puzzle , y sobre todo al  sustraer a la isla elisea de los muertos su ambiente nocturno e imbuirla en una clara luz de exposición. El ambiente subjetivo, en relación con el motivo, deja paso a una exploración analítica ; el paisaje pasa a formar parte de un complicado experimento de formas.

Mercedes Tamara

14-01-2015

Bibliografia : Pintura paisajista , Edic Taschen

EL ESPECTRO DEL ANGELUS SALVADOR DALI

EL ESPECTRO DEL ANGELUS

El espectro del Angelus
óleo sobre lienzo 22x 16 cm
Colección particular

En El espectro del Angelus, Dali introduce un elemento a su tema del Ángelus , Napoleón . Dalí había pintado un medallón que representaba al emperador sobre un pedestal en La vejez de Guillermo Tell , al igual que sucede con la pareja de campesinos , un fragmento de un retrato ecuestre de Nápoleón , esta´formado a partir de las nubes . Dali empezó La vida secreta con esta afirmación : " Cuando tenía seis años quería ser cocinero y a los siete , Napoleón . Desde entonces mi ambición ha ido aumentndo sin parar " Otro recuerdo que el artista atesoraba de su infancia era la ceremonia de beber mate en el piso situado en la tercera planta del edificio en el que vivían , sobre el hogar de Dali , que pertenecía a una familia argentina " Pues Napoleón estaba allí ...figuraba su retrato en el centro del círculo de gloriosos policromos que ornaban un extremo de un barrilito de hojalata. ..La imagen de Napoleón reproducida en el barrilito de mate , lo era todo para mí, durante años su actitud del olímpico orgullo , la blanca y comestible franja de su liso vientre, la carne febrilmente rosada de aquellas imperiales mejillas , el negro indecente , melódico y categórico de la silueta espectral de su sombrero , corresponden exactamente al momento ideal que había escogido para mí, el rey . Aunque no hay ninguna razón para dudar de su fascinación infantil , la descripción de Napoleón que Dalí escribió en 1941 está coloreada con la evocación que hace de Hitler , que tiene asimismo una sexualidad ambigua.

En el primer plano de El espectro del Angelus hay un espectro femenino distorsionado, el tipo que Dali oponía al " fantasma " en el texto publicado en Minotauro en 1934. " Les nouvelles couleurs du sex-appeal spectral "La mujer espectral será la mujer desmontable " . La cabeza está alargada con un yunque o una baguette y la nalga que se dilata se apoya en una muleta , como en la versión femenina de Lenín en El enigma de Gillermo Tell . El " espectro " tiene un parecido general con las ilustraciones que el pintor realizó para Les chants de Maldoror,aunque también recuerda la escultura Desnudo histérico y aereodinámico ..Mujer sobre la roca de 1954 . El desnudo de mármol del siglo XIX de James Pradier ha sido alterado de manera que partes de la antomía ,y, en especial la cabeza , se estiran como si estuvieran comprimidas por la fuerza inmensa de la gravedad.

Mercedes Tamara

10-01-2015

Bibliografia : Dali, Edic Daw Ades

El inter´rm hami

PERSPECTIVA II : EL BALCÓN DE MANET RENÉ MAGRITTE

PERSPECTIVA II : EL BALCÓN DE MANET 1950

Perspectiva II: El balcón de Manet
óleo sobre lienzo 80 x 60 cm
Museum voor Schone Kusnten, Gante

Entre 1916 y 1918 , René Magritte ( 1898-1967 ) estudió en la Academia Royale de Beaux Arts de Bruselas, en Bélgica. Sus primeros cuadros eran de estilo impresionista, pero muy pronto se interesó por el futurismo. A principios de la década de 1920 experimentó con la abstracción .La obra del pintor metafísico italiano Giorgio De Chirico , particularmente su célebre Cántico de amor ( 1914 )

ofreció a Magritte esta orientación y le supuso una influencia fundamental .

Deprimido por el fracaso de la exposición de sus primeros cuadros surrealistas en 1927 en Bruselas, se instaló en París , donde conoció a André Breton y comenzó su implicación con los surrealistas franceses. Posteriormente regresó a Bélgica y permaneció allí durante la Segunda Guerra Mundial .

Perspectivas II: el balcón de Manet pertenece al período de madurez de Magritte. Con sus inimitable estilo , el artista fue pintando una curiosa réplica de El balcónde Edourd Manet ( 1868-1869. Museo de Orsay, París ) que a su vez se inspira en 

Maja y Celestina en el balcón de Francisco de Goya ,colección particular ).

Aquí Magritte ha creado una asombrosa forma de representación mediante la cual las cuatro figuras del famoso cuadro de Manet son sustituidas por cuatro ataúdes de madera cuyas posiciones imitan a la perfección a las del personaje del cuadro original tanto es así que uno de los ataúdes parece tener las rodillas dobladas y estar sentado en una silla . Los otros tres permanecen en pie junto a él . Al conferir forma antropomorfa a objetos habitualmente vinculados a la muerte . Magritte nos brinda un profundo e inquietante memento mori

Mercedes Tamara

6-01-2015

Bibliografia : 1001 Pinturas que hay que ver antes de morirse

EL CAMPO DE MARTE _ LA TORRE ROJA ROBERT DELAUNA

EL CAMPO DE MARTE _ LA TORRE ROJA  1911-23

El campo de Marte : la torre roja
óleo sobre lienzo 160,7 x 128.6 cm

             Art Institute of Chicago , Illinois

Como muchas pinturas de la mitad del siglo XX, la evolución estilñistica de Robert Delaunay ( 1885- 1941 ) avanzó a grandes zancadas para poder seguir de desarrollo del arte moderno. Unos años antes de embarcarse en la pieza cubista El campo de Marte : la torre roja , el joven artista francés pintaba con un estilo impresionista del siglo anterior . Para hacer más evidente su deserción estílistica , el pintor escogió un tema apropiado para lucirse : la torre Eiffel.

En 1909, había comenzado una serie de telas sobre lo que en aquel entonces era la estructura más elevada del mundo construída por el hombre y el símbolo francés de la modernidad. En 1911 el artista expuso la obra junto con la producción del grupo muniqués Der Blauer Reiter ( El jinete azul ) bajo cuya influencia Delaunay empezó a evolucionar. 

La torre roja se eleva como un ave fénix entre los pardos edificios de apartamentos parisinos , como si estuviera en llamas o de ella saliera una columna de humo. El grisáceo paisaje urbano, sirve para enmarcar el tema central y nos retrotrae al motivo clásico de las escenas pintadas a través de un balcón o una ventana .

Como estipula la práctica cubista , los objetos aparecen troncados mostrando sus diversas caras, posteriormente el artista llamaría a este período su " fase destructiva ". Sin embargo, el interés obvio de El campo de Marte : la torre reside en el tratamiento de la luz. Delaunay somete la atmósfera envolvente de la torre a un análisis similar y la descompone en una serie de intensos colores. El pintor no tardaría en cambiar su estilo para centrarse en la abstracción

Mercedes Tamara

28-12-2014

Biliog: 1001 Pinturas que hay que ver antes de morirse

INTERIOR HOLANDÉS II JOAN MIRÓ

INTERIOR HOLANDÉS II 1928

Interior holandés II
óleo sobre tela 92 x73 cm
Colección Peggy Guggenheim Venecia

Joan Miró visitó los Países Bajos en 1928, tras sentirse fascinado por la obra de los pintores barrocos holandeses del Museo del Estado Holandés de Amsterdam . Según dicen , Miró regresó a París con varias postales de sus obras que fueron el germen que dio pie a la creación de dos transcripciones pictóricas extremadamente libres que el artista creó ese mismo verano : Interior holandés I .

No es difícil comprender que Miró se sintiera atraído hacía las pinturas holandesas del siglo XVII. No sólo son ricas en divertidos episodios narrativos, sino que además combinan una organización enérgica y un espacio pictórico bien organizado con una profusión de detalles bellamente articulados. Y un cuadro como La lección de baile de gato, de Jan Steen, tienen incluso más ingredientes de los que habría bastado para cautivar al pintor catalán: tipos rústicos, instrumentos 

musicales , animales domésticos . La transcripción que realiza Miró no permite que nada de esto escape a la atención del espectador.

Al contrario, todo está cuidadosamente representado en una forma que le da más brío y en un tono de gran comicidad. En el cuadro de Miró , por ejemplo, el muchacho que Steen pinta riendo , con una cabeza demasíado grande para su cuerpo, se convierte en una sola cabeza que pierde el tronco y las extremidades. El perro ha desarrollado la parte posterior de una cabra , a la que no le falta la ubre y una cola torpona, mientras que en el extremo superior la lengua le explota de la boca como una flor, brutal y monstruosamente roja.

En la pintura de Miró , el gato bailarín que muestra su blanco vientre ha desarrollado unos pies como notas musicales y el vestido azul de la muchacha que toca el instrumento la envuelve por completo. Ella se ha convertido en el sonido límpido que ejecuta : una nota azul abstracta y solitaria , aunque intensamente voluptuosa, que se eleva y flota en libertad . De hecho, los juegos transformadores , los cambios de forma y escala de Miró encajan con la contracorriente erótica de La lección de baile del gato, de Jean Steen

La metáfora visual fundamental subyace entre la mujer que toca el instrumento y el perro que ladra descontrolado. Y la brillantez de la transcripción de Miró radica en el hecho de que además de haber encontrado un equivalente pictórico de la vivaracha escena doméstica de Steen, el artista consigue ampliar el alcance de su vocabulario de pinceladas hasta abarcar el reino del sonido

Mercedes Tamara

14-12-2014

Bibliografia : Surrealismo, Edic Taschen