jueves, 26 de febrero de 2015

AMOR GUSTAV KLIMT

AMOR 1895
Amor
óleo sobre lienzo 60 x 44 cm
Historiches Museum Viena




Esta obra pertenece a la segunda serie de Alegorías y emblemas de Martín Gerlasch entre 1896 y 1900 para las cual Gustav Klimt realizó las representaciones de Tragedia, Escultura y Amor


Al igual que las dos obras de las que formaban parte Amor constituye una pieza clave en el desarrollo estílistico de la producción del artista vienés por contener elementos fundamentales en su madurez como el empleo del dorado, los fondos y dibujos planos , los contornos curvilíneos, las figuras femeninas y la influencia de los mundos clásico y oriental. La escena principal está encuadrada en el centro de la composición por dos paneles decorados con motivos florales en su parte superior :
de este modo Klimt introduce la abstracción en una obra figurativa ( aunque de fuertes tintes simbólicos )


El panel central está constituido por una escena alegórica que pretende traducir las sensaciones propias del ámbito psicológico mediante la presencia de la figura humana bajo sus diversos significados . En la mitad inferior , la pareja de amantes se aproxima con pasión y entrega escenificadas en el momento de un beso que está por consumarse.


Amor ( detalle )



Klimt podría estar ensayando en esta obra el tema del abrazo que veremos posteriormente desarrollado en creaciones como el Friso de Beethoven ( 1902 ) Las tres edades de la mujer ( 1905 ) o El beso ( 1907-1909 ) .

La atmósfera general con que se dota la escena es de una penumbra matizada por unas luces vaporosas apenas perceptibles que nos introducen, por un lado, en cuanto a cuestiones estílisticas en el ambiente onírico propio del Romanticismo y de los Nazarenos Alemanes ; y por otro lado, en lo que al contexto de la Viena de 1890 se refiere, en el sentimentalismo y en la melancolía de los relatos amorosos de Arthur Schnitzler y en las investigaciones mediante hipnosis que Sigmund Freud realizaba de la histeria , la manifestación más violenta y enigmática del instinto del amor o pulsión sexual. 

La lectura que se quiere ofrecer del tema del amor es dualista : un sentimiento de vida y de muerte, a la par dulce y misterioso, estimulante y destructivo , consciente e inconsciente ,contingente y eterno. Y es obedeciendo a esta simbología , como se completa el conjunto de Amor en su mitad superior. En el panel central , una serie de rostros suspendidos parecen representar el ciclo de la vida o las tres edades de la mujer ; es decir ; el paso del tiempo ; en los paneles laterales , a la misma altura , las ramas de un rosal aluden en el lenguaje pictórico al misterio de la vida o a la melancolía indisociable de la belleza que, en el ejemplo presente, el amor encarna en si mismo.

Mercedes Tamara
26-02-2015


Bibliografia : Gustav Klimt " El artista del alma " Edic Libsa

jueves, 12 de febrero de 2015

PAISAJE CUBISTA JUAN GRIS

PAISAJE CUBISTA 1917

Paisaje cubista
óleo sobre tela 116 x 72,4 cm
Colección privada


Juan Gris ( José Gerónimo González Pérez ) fue un artista español que junto con Picasso crearon en París un taller en el que trabajaron ambos Juan Gris desarrolló  un estilo muy personal del cubismo sintético . Las superficies pictóricas de este artista tenían un aspecto de un brillo metálico  y las esquinas parecen que han sido cortadas con un cuchillo. Las formas se superponen unas con otras , pero conservan una identidad prácticamente sin ambigüedades y una rigurosa sensación de orden impregnan sus composiciones.

Gris acabó Paisaje cubista en una época particularmente triste a consecuencia de su estancia en París mientras estallaba la Primera Guerra Mundial . Para él , por aquel entonces París no le parecía divertida aunque brillase un sol radiante .

Parece que en la época en que pintó este cuadro se estaba replanteando su arte . Algunos cuadros del año 1917 tienen una composición complicada y unos colores vivos que recuerdan las obras creadas entre 1913 y 1915. Este cuadro presenta una austeridad cromática y compositiva que reflejan el estado de ánimo en el que se hallaba inmerso el artista .

A principios de la década de 1990, Paisaje cubista se restauró y con la limpieza efectuada se obtuvo unos resultados muy reveladores . El barniz de la superficie se había oscurecido mucho que amortiguaba la zona de los tonos azules e intensificaba las partes grises , con lo que se había destruido el equilibrio cromático que la obra tenía en sus inicios . Las formas aparecían confusas y el óleo estaba sin vida y coherencia pictórica . En el proceso de limpieza se eliminó el barniz que se había oscurecido de forma desigual Pero se logró recuperar la intensidad de los grises y su calidad armónica cálida y fría . Se restituyó con éxito las formas individuales y la coherencia pictórica se restituyó con éxito

Mercedes Tamara ( autora )
12-02-2015

Bibliografia :  Enciclopedia del Arte "Edit Planeta
 

sábado, 7 de febrero de 2015

NATURALEZA MUERTA EN UN PAISAJE PABLO RUIZ PICASSO

NATURALEZA MUERTA EN UN PAISAJE 1915
Naturaleza muerta en un paisaje
óleo sobre lienzo 62,3 x 75,5 cm
Colección privada



La introducción en el año 1912 del papier collé supuso un giro radical desde la primera fase del cubismo : la analítica ( 1909-1912 ) y que se había caracterizado por el empleo de una paleta limitada con unas formas poliédricas y geométricamente rotas que evocaban varios puntos de vista simultáneos dentro de un espacio plano pero variado. La manera sintética surgió a partir de 1912 y recuperó muchos colores que estaban ausentes en la fase analítica .Hay muchos más colores y textura Picasso introdujo en Naturaleza muerta con un paisaje unidades formales superpuestas y planas en lugar de las onduladas que había utilizado en sus primeros lienzos cubistas. También aplanó cada vez más el espacio dotándole de más ambigüedad que el cubismo analítico .

En el Picasso que vemos se pone de manifiesto la importancia del collage- recurso que consiste en enganchar sobre la superficie del cuadro una serie de materiales recortadas -. Aún que en Naturaleza muerta con paisaje a la hora de la verdad carece de elementos enganchados . Picasso se ha planteado la representación de la imagen como si se tratase de un colllage con segmentos claramente diferenciados , algunas zonas de color tienen dibujos que parecen casi estampas , el espacio pictórico tiene un carácter plano .

Naturaleza muerta con paisaje ofrece una gran variedad de recursos compositivos y cromáticos muy complejos y elaborados , que Picasso ya venía introduciendo en sus obras desde los años 1914-1915. Lo que es interno y externo , el primer plano y el último se conforman y entretejen intencionadamente Esta modalidad pictórica teine semejanza con una papel que se utiliza en las decoraciones  -unas formas en forma de remolino que se mueven al azar por el espacio pictórico

Mercedes Pastor Fa ( autora )
7-02-2015


viernes, 6 de febrero de 2015

EL IMPERIO DE LAS LUCES II RENÉ MAGRITTE

EL IMPERIO DE LAS LUCES II, 1950

El imperio de las luces II
óleo sobre lienzo 80 x 100 cm
Museum of Modern Art , Nueva York



Le Centaure, la galeria parisina de René Magritte ( 1898-1967 ) cerró sus puertas en 1930 y su fondo en torno a doscientos cuadros del pintor belga fueron adquiridos por su amigo E LT Mesens, un colega belga y director de su futura galería londinense . A través de la fama de Magritte creció en el Reino Unido a finales de la década de 1930, época en la cual pasó a exponer junto al grupo de los surrealistas , Magritte obtuvo reconocimiento internacional a partir de 1946 cuando firmó un contrato con Alexandre Iolas , un marchante de arte neoyorquino que continuó siendo su agente hasta que Magritte murió de cáncer en 1967.

La fama de Magritte a quien se considera uno de los principales surrealistas , continuó aumentando en la década de 1960. Su influencia en movimientos artísticos posteriores , en concreto el pop art y el arte conceptual es innegable . Aunque muchos surrealistas experimentaron con la técnica del automatismo, práctica que desembocó en la creación de cuadros completamente abstractos .

Magritte continuó siempre vinculado al estilo figurativo. Este enfoque que utilizó en 
El imperio de las luces II ,le permitió crear una imagen surrealista de mayor fuerza . La zona baja de este cuadro representa un escenario urbano y abierto en plena noche Creando un marcado contraste psicológico en la zona superior de la imagen no se plasma un firmamento negro cuajado de estrellas, sino un cielo vespertino de un azul resplandeciente repleto de esponjosas y pequeñas nubes blancas. Hay más de veinte versiones de este cuadro , la primera de las cuales data de 1949



Mercedes Tamara
6-02-2015

Bibliografia : René Magritte, Edic Taschen 


miércoles, 14 de enero de 2015

LA ISLA DE LOS MUERTOS ARNOLD BOCKLIN

LA ISLA DE LOS MUERTOS 1880
La isla de los muertos
pintura al temple con veladura sobre lienzo 111x 155 cm
Berlin, Kunstmuseum, Basel



La invención pictórica más famosa del suizo Arnold Bócklin es La isla de los muertos 
que hizo en cinco variantes desde 1880 y se han conservado cuatro en Basilea, 
Kunstmuseum. The Metropolitam Museum, Nueva York, Nationalgalerie, Berlin y Museum der bidenben Künste , Berlín.

De la insondable oscuridad del mar, surgen en todas las versiones , rocas escarpadas mágicamente iluminadas que se alzan al lúgubre cielo nocturno y que se abren en semicírculo al espectador. En los muros que forman las rocas de este puerto natural se han practicado cámaras mortuorias , en el centro crecen cipreses oscuros . Una barca con un féretro , una figura de espaldas, envuelta en sábanas blancas como una momia, con aspecto de estatua , y un remero surcan las aguas lentemante ( según la posición del remero, la barca tendría que alejarse de la isla. La asociación del leve sonido del remo parece subrayar aún más el insólito silencio que se extiende por toda la escena , un " silencio gráfico " que Böcklin hace formalmente visible , entre otros elementos, con el equilibrio de lineas horizontales y verticales . 

El profundo horizonte despierta la impresión de una amplitud infinita . Al igual que todas las formas, también el colorido está compuesto económicamente : las rocas recubiertas de un tono rojizo, que reflejan el último rayo de luz crepuscular; el blanco irreal de la figura en la barca , el azul profundo y violeta del agua y del cielo ,
el verde oscuro , casi negruzco de los cipreses . Repetidamente se ha intentado encontrar un modelo para esta misteriosa isla ; por ejemplo, la isla-cementerio  St Jurai al sur de Dubrovnik, o Polikonissi ante Corfú, o también una de las islas Ponza. en el golfo de Gaeta. Sin embargo, la fascinante escena de Bócklin no encuentra en ningún lugar su correspondencia científica en realidad. 

Los potenciales contenidos semánticos del cuadro, una de las obras principales  del simbolismo , al margen del mensaje fundamental de la efimeridad , no se han descifrado completamente . En 1974, el arquitecto, pintor y autor de obras gráficas y de decorados escénicos nacido en Milán , Fabrizio Clerici ( 1913-1993 ) parafraseó La isla de los muertos. Reaccionó así frente al hecho de que el paisaje de Bröcklin formaba parte de las estampas más reproducidas de los siglos XIX y XX , con lo que irremediablemente se veía sometida a procesos de trivialización y conversión en 
kitsch. Clerici extrajo el modelo de este contexto al " descomponerlo "y reconstruir las piezas individuales como piezas de un puzzle , y sobre todo al  sustraer a la isla elisea de los muertos su ambiente nocturno e imbuirla en una clara luz de exposición. El ambiente subjetivo, en relación con el motivo, deja paso a una exploración analítica ; el paisaje pasa a formar parte de un complicado experimento de formas.

Mercedes Tamara
14-01-2015

Bibliografia : Pintura paisajista , Edic Taschen

sábado, 10 de enero de 2015

EL ESPECTRO DEL ANGELUS SALVADOR DALI

EL ESPECTRO DEL ANGELUS

El espectro del Angelus
óleo sobre lienzo 22x 16 cm
Colección particular


En El espectro del Angelus, Dali introduce un elemento a su tema del Ángelus , Napoleón . Dalí había pintado un medallón que representaba al emperador sobre un pedestal en La vejez de Guillermo Tell , al igual que sucede con la pareja de campesinos , un fragmento de un retrato ecuestre de Nápoleón , esta´formado a partir de las nubes . Dali empezó La vida secreta con esta afirmación : " Cuando tenía seis años quería ser cocinero y a los siete , Napoleón . Desde entonces mi ambición ha ido aumentndo sin parar " Otro recuerdo que el artista atesoraba de su infancia era la ceremonia de beber mate en el piso situado en la tercera planta del edificio en el que vivían , sobre el hogar de Dali , que pertenecía a una familia argentina " Pues Napoleón estaba allí ...figuraba su retrato en el centro del círculo de gloriosos policromos que ornaban un extremo de un barrilito de hojalata. ..La imagen de Napoleón reproducida en el barrilito de mate , lo era todo para mí, durante años su actitud del olímpico orgullo , la blanca y comestible franja de su liso vientre, la carne febrilmente rosada de aquellas imperiales mejillas , el negro indecente , melódico y categórico de la silueta espectral de su sombrero , corresponden exactamente al momento ideal que había escogido para mí, el rey . Aunque no hay ninguna razón para dudar de su fascinación infantil , la descripción de Napoleón que Dalí escribió en 1941 está coloreada con la evocación que hace de Hitler , que tiene asimismo una sexualidad ambigua.

En el primer plano de El espectro del Angelus hay un espectro femenino distorsionado, el tipo que Dali oponía al " fantasma " en el texto publicado en Minotauro en 1934. " Les nouvelles couleurs du sex-appeal spectral "La mujer espectral será la mujer desmontable " . La cabeza está alargada con un yunque o una baguette y la nalga que se dilata se apoya en una muleta , como en la versión femenina de Lenín en El enigma de Gillermo Tell . El " espectro " tiene un parecido general con las ilustraciones que el pintor realizó para Les chants de Maldoror,aunque también recuerda la escultura Desnudo histérico y aereodinámico ..Mujer sobre la roca de 1954 . El desnudo de mármol del siglo XIX de James Pradier ha sido alterado de manera que partes de la antomía ,y, en especial la cabeza , se estiran como si estuvieran comprimidas por la fuerza inmensa de la gravedad.

Mercedes Tamara
10-01-2015

Bibliografia : Dali, Edic Daw Ades

El inter´rm hami

martes, 6 de enero de 2015

PERSPECTIVA II : EL BALCÓN DE MANET RENÉ MAGRITTE

PERSPECTIVA II : EL BALCÓN DE MANET 1950
Perspectiva II: El balcón de Manet
óleo sobre lienzo 80 x 60 cm
Museum voor Schone Kusnten, Gante


Entre 1916 y 1918 , René Magritte ( 1898-1967 ) estudió en la Academia Royale de Beaux Arts de Bruselas, en Bélgica. Sus primeros cuadros eran de estilo impresionista, pero muy pronto se interesó por el futurismo. A principios de la década de 1920 experimentó con la abstracción .La obra del pintor metafísico italiano Giorgio De Chirico , particularmente su célebre Cántico de amor ( 1914 )
ofreció a Magritte esta orientación y le supuso una influencia fundamental .

Deprimido por el fracaso de la exposición de sus primeros cuadros surrealistas en 1927 en Bruselas, se instaló en París , donde conoció a André Breton y comenzó su implicación con los surrealistas franceses. Posteriormente regresó a Bélgica y permaneció allí durante la Segunda Guerra Mundial .

Perspectivas II: el balcón de Manet pertenece al período de madurez de Magritte. Con sus inimitable estilo , el artista fue pintando una curiosa réplica de El balcónde Edourd Manet ( 1868-1869. Museo de Orsay, París ) que a su vez se inspira en 
Maja y Celestina en el balcón de Francisco de Goya ,colección particular ).

Aquí Magritte ha creado una asombrosa forma de representación mediante la cual las cuatro figuras del famoso cuadro de Manet son sustituidas por cuatro ataúdes de madera cuyas posiciones imitan a la perfección a las del personaje del cuadro original tanto es así que uno de los ataúdes parece tener las rodillas dobladas y estar sentado en una silla . Los otros tres permanecen en pie junto a él . Al conferir forma antropomorfa a objetos habitualmente vinculados a la muerte . Magritte nos brinda un profundo e inquietante memento mori

Mercedes Tamara
6-01-2015

Bibliografia : 1001 Pinturas que hay que ver antes de morirse

FIGURA EN UNA MESA MUCHACHA ACODADA SALVADOR DALI

                            FIGURA EN UNA MESA MUCHACHA ACODADA 1925 Figura en una mesa, muchacha acodada óleo sobre cartón sobre tabla 46 x...