MUJER CON CORBATA NEGRA AMEDEO MODIGLIANI

MUJER CON CORBATA NEGRA 1917

Mujer con corbata negra
óleo sobre lienzo 65 x 50 cm
Colección Fujikawa , Galleries Tokio

En sus retratos, Modigliani concedió una especial importancia a los ojos y al poder sugestivo de las miradas. La intensa carga expresiva que emana de las miradas de sus personajes es uno de los rasgos más originales de la pintura de nuestro artista.

Pocas pinturas como Mujer con corbata negra muestran de manera tan acabada y con tanta incidencia en el misterio de la mirada de los modelos de Modigliani. En este retrato de una mujer anónima , los ojos se erigen en protagonistas de la obra . Parecen estar cerrados, parecen ojos invisibles . Sus ojos vacíos , sin iris ni pupila, definidos como dos cuencas grandes de forma almendrada y pintadas uniformemente de un rosa pálido , el mismo tono que exhibe su rostro.

El efecto que produce es inquietante y casi hipnótico .

Al representar estos ojos enigmáticos , misteriosos, de mirada ausente y vacía , el artista evitó el contacto de su modelo con el espectador y buscó aislarlo en un estado de autismo introspectivo . El pintor encontró en estos ojos ausentes, en esa mirada ciega y velada , un medio eficaz de expresión , un vehículo del sentimiento interior . Son ojos que buscan mirar dentro de si , como en un acto de meditación.

Esa manera tan peculiar de representar los ojos en sus retratos pictóricos  fue una consecuencia directa de la experiencia escultórica del pintor ; que tuvo lugar entre 1909 y 1914 . En sus personalísimas cabezas esculpidas , los ojos aparecen muy estilizados y únicamente 

se sugieren sus contornos . Ligeramente incisos sobre la piedra, son grandes y de forma almendrada. El aspecto inacabado o sólo abocetado de estos ojos no dejan de surgir de una imposición del material , pero que, al trasladarse a la pintura , crea un efecto de excepcional intensidad.

De aquellas cabeza pétreas , también derivaron la forma oval de este rostro , la pureza lineal de sus rasgos, la delgada y estilizada nariz y boca apretada de labios carnosos . El color rojo intenso de éstos, es ,junto con los ojos , el foco de atención de este retrato.

La pureza lineal y la tersura con que el pintor trabajó el rostro se contraponen el tratamiento más libre del torso de la mujer. La corbata es una pincelada suelta negra y la blanca camisa aparece manchada con pinceladas toscas y empastadas. En el fondo, neutro y de tonalidades frías , unas ligeras pinceladas se extienden por el lienzo en todas las direcciones.

Mercedes Tamara

19-03-2015

Bibliografía : Modigliani, Edic Taschen

PAULETTE JOURDAIN AMEDEO MODIGLIANI

PAULETTE JOURDAIN 1919

Paulette Jourdain
óleo sobre lienzo 100 x 65 cm
Colección Alfred Taubman

Este retrato forma parte del último grupo de pinturas realizadas por Modigliani , grupo en el que trabajó pocos meses antes de su muerte acaecida en enero de 1920.

Esta obra sigue las pautas generales de los retratos tardíos del artista La figura aparece representada de frente, se presentan tres cuartas partes de su cuerpo , y está ubicado en el eje central de la composición, sobre un fondo donde aparece una puerta . Sus manos, apenas esbozadas , están cruzadas y apoyadas sobre su regazo , una postura que se repitió en varios retratos de este período . La verticalidad de la pose , mitad sentada , mitad de pie, está acentuada por la rigurosa frontalidad con que se erige la cabeza , apoyada sobre su estilizado cuello.

Las proporciones estiradas y la fisonomía esquematizada de la joven mujer, recuerdan una vez más , las cabezas que el artista esculpiera en piedra varios años antes . La cabeza está definida como un óvalo, aunque bastante menos alargado que en otros retratos . La forma oval del rostro se reitera en el cuerpo : las lineas de los hombros caídos y los brazos que se juntan forman un óvalo perfecto.

En esta obra tardía , Modigliani prescindió del trazo negro para delimitar las lineas elementales de la figura y trabajó la obra a base de grandes planos de color yuxtapuestos. También característico de su fase tardía es el uso de una gama cromática más viva y contrastada .Las carnaciones , de una palidez extrema , destacan sobre el negro del pelo y de la vestimenta , así como sobre el ocre y los tonos rojos del fondo.

Al igual que en otros trabajos de este período en el fondo aparece una puerta tratada en un marrón oscuro y unas lineas diagonales sugieren cierta profundidad en la planimetría dominante de la composición . El muro aparece dividido horizontalmente por dos grandes planos homogéneos de color 

Mercedes Tamara ( autora )

16-03-2015

Bibliografia : Modigliani,Edic Taschen

NIÑA CON BOINA AMEDEO MODIGLIANI

NIÑA CON BOINA 1918

Niña con boina
óleo sobre lienzo 65,2 x 46.5 cm
Colección privada

Este retrato de una niña anónima forma parte de una serie de pinturas dedicadas a niños , que Modigliani realizó durante su estancia en el sur de Francia , donde residió entre abril de 1918 y mayo de 1919, en la Costa Azul , donde la obra del artista se pobló de imágenes de niños, jovencitas y muchachos jóvenes. 

La infancía no era una temática hacía la cual el artista hasta el momento había manifestado especial interés . El ambiente mediterráneo ofreció nuevos personajes para sus pinturas , Como éste, los retratos pintados en la región sureña muestran a personas anónimas que el artista tenía a su alcance como modelos.

Esta pintura prueba cómo Modigliani solia trabajar en serie, dedicando más de un retrato a sus personajes: cada sesión de sus modelos podía dar como resultado la ejecución de dos retratos . La pequeña modelo que posó para Niña con boína es la misma que aparece en la obra titulada Niña con trenzas , actualmente en la colección pública japonesa.Ambos retratos son prácticamente idénticos : presentan casi las mismas dimensiones , el mismo entorno donde se ubica la figura "véase la puerta en la parte derecha del fondo-y el mismo tono ocre anaranjado predominante. El artista trae la figura a la superficie , a un primer plano y la presenta en una riguroosa y severa frontalidad . En ambos casos, unos mechones caen sobre la frente, los ojos son grandes y almendrados y la boca de gruesos labios , está entreabierta y deja ver unos dientes desparejos.

Niña con trenzas
óleo sobre lienzo 60 x 45.5 cm
City, Art Museum Nagoya

A pesar de estas similitudes , entre un trabajo y otro se presentan algunas diferencias . La más evidente es el peinado que luce la niña . Mientras que en uno su cabello tiene dos trenzas que caen simétricamente hacía delante, en este retrato su pelo ha sido recogido bajo la boina negra, lo que otorga a la niña un aspecto más masculino . En este caso también se observa un tratamiento asimétrico en los ojos: el izquierdo es todo pupila . Se advierte también que el rostro de Niña con boina está trabajado con una materia más densa y empastada.

La boina que luce esta niña era frecuentemente utilizada por los habitantes del sur de Francia a principios del siglo XX , especialmente niños, niñas , campesinos y pastores. Esta gorra sin visera , redonda y achatada , generalmente de felpa y de una sola pieza , era una prenda típica de la región vascofrancesa. Ya iniciado el nuevo siglo , su usó se generalizó y pasó a convertirse , durante la Segunda Guerra Mundial , en símbolo de la resistencia francesa.

Mercedes Tamara

9-03-2015

Bibliografia : Modigliani , Edic Taschen

ALICE AMEDEO MODIGLIANI

ALICE 1915

Alice
óleo sobre lienzo 78 x 39 cm
Statens Museum for Kunst, Copenhague

En esta postura inmóvil y rígida , de estricta frontalidad , esta joven muchacha mira atenta de frente con sus inmensos ojos oscuros. Está sentada , con los brazos hacía delante de su cuerpo, con los dedos de las manos curiosamente entrelazados . Esta composición está dominada por una acentuada verticalidad y simetría , cuyo eje central está marcado por la linea de la nariz y el cruce de las manos , el lazo del cabello , la pequeña cruz en el pecho y la franja oscura al fondo quiebran sutilmente el equilibrio de la escena.

En la vasta producción de retratos de Modiglini, retratos más realistas, más naturalistas alternan con otros más despersonalizados , menos individualizados , y por consiguiente, más alejados del espectador . En este caso, el artista buscó la interacción entre su modelo y el observador a través de la intensa mirada de su figura . En sus ojos, el pintor trabajó de un modo más realista de representación , dejando la pupila y las pestañas bien definidas . En este rostro, destaca especialmente la linea gruesa que marca con fuerza y precisión los contornos de las facciones , este trazo negro intenso delimita también los contornos del torso . La boca de labios gruesos en un color rojo intenso , destila una aniñada sensualidad .

A pesar de que el artista puso a su personaje en contacto con el espectador a través de la representación realista de los ojos, nunca pretendió interrumpir el clima de silencio de que lo rodeó. Los retratos de Modigliani producen la impresión general de que sus personajes permanecen ensimismados en su propia atmósfera , aislados en su propio tiempo y espacio 

Mercedes Tamara

8-03-2015

Bibliografia .Modigliani, Edic Taschen

NATURALEZA MUERTA VIVIENTE SALVADOR DALI

NATURALEZA MUERTA VIVIENTE 1956

Naturaleza muerta viviente
óleo sobre lienzo 125 x 160 cm
St. Petesburg ( FL ) The Salvador Dalí Museum

Una obra emblemática del misticismo nuclear emergente de Dalí , este cuadro de grandes dimensiones fue el sexto de una serie de lienzos históricos monumentales que el artista inició en 1948, y es el primero en alejarse de su temática estrictamente religiosa . Obra que tardó cinco meses en preparar y elaborar , la composición es una variación postatómica del cuadro del artista flamenco Floris Van Schooten ( 1590-1655 ) Bodegón con pan , carne y frutas ( 1617 ) que se encuentra en el Museo del Prado . La obra de Van Schooten se desintegra en objetos individuales que flotan y rotan en el espacio , desmembrándose y sosteniéndose en equilibrio al mismo tiempo . Todos los objetos vuelan por separados y no se tocan entre sí. Dalí utilizó el término divisionismo para describir ese enfoque estructural de su obra de la década de los cincuenta , en la que los objetos se descomponen metafóricamente en una serie de partículas flotantes suspendidas en el aire . Dicho proceso se ha denominado también corpuscular , describiendo el modo en que Dalí divide la composición en corpúsculos más pequeños.

Presentando un caos paradójicamente armónico ( tal como subraya el juego de palabras del título " naturaleza muerta viviente ") , la obra sugiere que si bien la bomba atómica destruye la realidad , revela un orden cósmico divino en el nivel subatómico . Todos los objetos del cuadro empiezan a desintegrarse como resultado de la bomba atómica , pero se desintegran en una disposición armónica . En palabras de Dalí Naturaleza muerta viviente es " ( un cuadro explicativo donde puede observarse la división dinámica e irracional de un plato de fruta siguiendo los coeficientes de incertidumbre de Heisenberg en contraposición a la seguridad positiva  que los cuadros cubistas trataron de ofrecernos " . Dalí declara su interés por la física moderna y su postura contra la percepción postecuclidiana desarrollada por las artistas modernistas previa a Hiroshima . Antes Dalí se refirió al concepto 

" espacio -tiempo " de Albert Eistein , un aspecto clave de su " Teoría especial de la relatividad " que se ilustra en el movimiento detenido y la separación espacial de los objetos del cuadro . Tal como sostiene Robert Lubar de manera muy convincente , Dalí utiliza un espacio renacentista ilusorio, para, acto seguido, socavarlo mediante la presentación de cada objeto enfocado de forma muy precisa , eliminando la perspectiva atmosférica y también las sombras de cualquier fuente luminosa singular .

Dalí crea un espacio donde los objetos existen en un continuo sin perspectiva fija , un mundo postatómico de suspensión dinámica , que presenta en la oposición a la cualidad plana del plano imagen desarrollado a partir del cubismo a través del expresionismo abstracto . Con el empleo del divisionismo , Dali sostiene que el

" cubismo " ...y la tradición del arte abstracto que éste generó corresponden a una concepción del espacio que la física nuclear ha convertido en obsoleta "En uno de los alardes de ingenio característicos, Dalí afirma que los pequeños fragmentos de color de la franja inferior izquierda representan los " últimos pedazos sin sentido que quedan de ( mi ) ataque en solitario al expresionismo abstracto ". Esta obra revela la obsesión de Dalí por las formas de orden subyacentes . Las estructuras espirales aparecen por todas partes : desde el cuerpo del rinoceronte del extremo superior izquierdo hasta el frutero retorcido del centro, pasando por el cogollo de la coliflor de la derecha que recuerda a un meteorito . Para Dali la espiral es la forma más perfecta que puede encontrarse en la naturaleza , un símbolo que utilizaba para representar el orden cósmico . La espiral dorada , derivada de la sección áurea , puede encontrase tanto en las formas naturales como artificiales de la obra .

Mercedes Tamara

6-03-2015

Bibliografia Salvador Dali : Fundación Gala Salvador Dali, Edic Dawn Ades 

AMOR GUSTAV KLIMT

AMOR 1895

Amor
óleo sobre lienzo 60 x 44 cm
Historiches Museum Viena

Esta obra pertenece a la segunda serie de Alegorías y emblemas de Martín Gerlasch entre 1896 y 1900 para las cual Gustav Klimt realizó las representaciones de Tragedia, Escultura y Amor

Al igual que las dos obras de las que formaban parte Amor constituye una pieza clave en el desarrollo estílistico de la producción del artista vienés por contener elementos fundamentales en su madurez como el empleo del dorado, los fondos y dibujos planos , los contornos curvilíneos, las figuras femeninas y la influencia de los mundos clásico y oriental. La escena principal está encuadrada en el centro de la composición por dos paneles decorados con motivos florales en su parte superior :

de este modo Klimt introduce la abstracción en una obra figurativa ( aunque de fuertes tintes simbólicos )

El panel central está constituido por una escena alegórica que pretende traducir las sensaciones propias del ámbito psicológico mediante la presencia de la figura humana bajo sus diversos significados . En la mitad inferior , la pareja de amantes se aproxima con pasión y entrega escenificadas en el momento de un beso que está por consumarse.

Amor ( detalle )

Klimt podría estar ensayando en esta obra el tema del abrazo que veremos posteriormente desarrollado en creaciones como el Friso de Beethoven ( 1902 ) Las tres edades de la mujer ( 1905 ) o El beso ( 1907-1909 ) .

La atmósfera general con que se dota la escena es de una penumbra matizada por unas luces vaporosas apenas perceptibles que nos introducen, por un lado, en cuanto a cuestiones estílisticas en el ambiente onírico propio del Romanticismo y de los Nazarenos Alemanes ; y por otro lado, en lo que al contexto de la Viena de 1890 se refiere, en el sentimentalismo y en la melancolía de los relatos amorosos de Arthur Schnitzler y en las investigaciones mediante hipnosis que Sigmund Freud realizaba de la histeria , la manifestación más violenta y enigmática del instinto del amor o pulsión sexual. 

La lectura que se quiere ofrecer del tema del amor es dualista : un sentimiento de vida y de muerte, a la par dulce y misterioso, estimulante y destructivo , consciente e inconsciente ,contingente y eterno. Y es obedeciendo a esta simbología , como se completa el conjunto de Amor en su mitad superior. En el panel central , una serie de rostros suspendidos parecen representar el ciclo de la vida o las tres edades de la mujer ; es decir ; el paso del tiempo ; en los paneles laterales , a la misma altura , las ramas de un rosal aluden en el lenguaje pictórico al misterio de la vida o a la melancolía indisociable de la belleza que, en el ejemplo presente, el amor encarna en si mismo.

Mercedes Tamara

26-02-2015

Bibliografia : Gustav Klimt " El artista del alma " Edic Libsa

PAISAJE CUBISTA JUAN GRIS

PAISAJE CUBISTA 1917

Paisaje cubista
óleo sobre tela 116 x 72,4 cm
Colección privada

Juan Gris ( José Gerónimo González Pérez ) fue un artista español que junto con Picasso crearon en París un taller en el que trabajaron ambos Juan Gris desarrolló  un estilo muy personal del cubismo sintético . Las superficies pictóricas de este artista tenían un aspecto de un brillo metálico  y las esquinas parecen que han sido cortadas con un cuchillo. Las formas se superponen unas con otras , pero conservan una identidad prácticamente sin ambigüedades y una rigurosa sensación de orden impregnan sus composiciones.

Gris acabó Paisaje cubista en una época particularmente triste a consecuencia de su estancia en París mientras estallaba la Primera Guerra Mundial . Para él , por aquel entonces París no le parecía divertida aunque brillase un sol radiante .

Parece que en la época en que pintó este cuadro se estaba replanteando su arte . Algunos cuadros del año 1917 tienen una composición complicada y unos colores vivos que recuerdan las obras creadas entre 1913 y 1915. Este cuadro presenta una austeridad cromática y compositiva que reflejan el estado de ánimo en el que se hallaba inmerso el artista .

A principios de la década de 1990, Paisaje cubista se restauró y con la limpieza efectuada se obtuvo unos resultados muy reveladores . El barniz de la superficie se había oscurecido mucho que amortiguaba la zona de los tonos azules e intensificaba las partes grises , con lo que se había destruido el equilibrio cromático que la obra tenía en sus inicios . Las formas aparecían confusas y el óleo estaba sin vida y coherencia pictórica . En el proceso de limpieza se eliminó el barniz que se había oscurecido de forma desigual Pero se logró recuperar la intensidad de los grises y su calidad armónica cálida y fría . Se restituyó con éxito las formas individuales y la coherencia pictórica se restituyó con éxito

Mercedes Tamara ( autora )

12-02-2015

Bibliografia :  Enciclopedia del Arte "Edit Planeta