EL HOMBRE EN LA CALLE PAUL DELVAUX

EL HOMBRE EN LA CALLE 1950

El hombre en la calle
óleo sobre lienzo
Museo de Arte de Walloin, Lieja

Paul Delvaux , un artista que llegó relativamente tarde al Surrealismo , no se apartó de su conocido motivo de mujeres en escenas arquitectónicas . Con gran frecuencia, las mujeres aparecían desnudas , aunque , a veces estaban completamente vestidas con un estilo pseudoedurdiano anticuado. lo que sugiere un recuerdo de la infancia en la mente del artista. Las versiones sobre este tema mostraban a las mujeres desnudas parcialmente transmutadas en árboles u otras plantas, aunque a veces la imagen también incluía hombres. Básicamente, están influenciadas en gran parte por las pinturas metafísicas de Giorgio de Chirico , a quien admiraba.

Al igual que René Magritte, Delvaux era belga, pero éste no estaba interesado en las yuxtaposiciones importantes, o a veces, amenazantes que sugieren las visiones a modo de sueños de su compatriota . Aunque somos incapaces de identificar específicamente el lugar geográfico de El hombre en la calle no es conocido, al igual que el hombre que está leyendo el periódico ,y que camina con una total indiferencia hacía el mundo . No obstante, está fuera de lugar , ya que no pasea en la calle de una ciudad. Lo femenino de las mujeres también nos resulta familiar , pero no los reconocemos de forma individualizada y su cabello se ha metamorfoseado en una hiedra que se arrastra hasta el suelo. Sus posturas son como las de las pinturas renacentistas sugiere cualquier cosa menos sensualidad.

Mercedes Tamara

30-05-2014

Bibliografía : Surrealismo, Edic Taschen

MISERABLES JUNTO AL MAR PABLO PICASSO

MISERABLES JUNTO AL MAR, 1903

Miserables junto al mar
óleo sobre tabla 105,4 x69 cm
Washington, National Gallery of Art

Las etapas del arte de Picasso son tantas y tan variadas que hacer una clasificación es algo totalmente arbitrario, pero tradicionalmente se distinguen tres épocas: la época azul, la rosa y el cubismo. La Época Azul dura unos cuatro años, de 1900 a 1904 y se desarrolla entre Barcelona y París. En esta época predomina el color azul en sus cuadros, casi monocromos.

Durante esos años que dura la Epoca Azul Picasso se instaló en París, pero sus auspicios eran negros, y la peripecia para poder subsistir era constante. Esta estancia supuso uno de los momentos, o, quizás, el momento más duro de la vida del artista, puesto que su situación era auténticamente insostenible . A la penuria económica había que sumar la temperatura invernal . Vivía en el Hôtel du Maroc; su entorno era sumamente difícil y desagradable. En estas condiciones su " etapa sucia " , que forma un corto paréntesis dentro de la Época Azul; esa suciedad se revela en el sentido más primario de la palabra. Sus acuarelas y dibujos eróticos son turbulentos y nos hablan de su estado de ánimo. Fue un retroceso en su trayectoría artística . En los autorretratos aparece desnudo y, seguramente era una forma de hablar de la indigencia. 

Miserables junto al mar pertenece ya a la Época Azul ,una obra que eleva a una notable monumentalidad el canto triste a la miseria. Describe a una madre, con su marido y su hijo pequeño llenos de desesperación; ya que están muy enfermos y lánguidos,una escena que extrae de un mundo de marginados. Llevan una carga de patetismo y melancolía . Esta obra es de la mayor contenido social del período . El aspecto mísero , harapiento, pasando frío , con los pies desnudos en un entorno tan inhóspito que debería conmovernos . Sin duda, es una temática reivindicativa . Y para sobrellevar esta tensión, Picasso realizó en la primavera de este año, una serie de dibujos de carácter satírico o burlesco que le sirvieron al artista como una especie de desintoxicación ante tanta penuria.

Mercedes Tamara

27-05-2014

Bibliografía : Picasso, Edic Taschen

RETRATO DE LUIS BUÑUEL SALVADOR DALI

RETRATO DE LUIS BUÑUEL 1924

Retrato de Luis Buñuel
óleo sobre lienzo 70 x 60
Madrid, Museo Nacional de Arte Reina Sofia

El retrato de Luis Buñuel supuso , tras exponerse en la " Primera Exposición de la Sociedad de Autores Ibéricos " , celebrada en el Palacio de Exposiciones del Retiro de Madrid entre mayo y junio de 1925, el lanzamiento de Dalí fuera de Cataluña.

En septiembre de 1924, Dalí volvió a la Real Academia de Bellas Artes de San Fernando, después de estar expulsado un año por insubordinación y posterior encarcelamiento en Figueres y Gerona. En octubre Luis Buñuel dirigió en la Residencia de Estudiantes una adaptación de Don Juan Tenorio de Zorilla titulada La profanación de Don Juan . Dalí participó en la obra y representó a Don Luis Mejía , el adversario de Don Juan , Buñuel por su parte, interpretó al protagonista.

Dalí pintó este visionario retrato del futuro director de cine en esa época . En él demuestra una sorprendente asimilación de distintas corrientes del modernismo europeo: de Picasso a la Neue Sachlichkleit, de los trabajos publicados en 1920 en el Esprit Nouveau y Valori Plastici, a los retratos del Renacimiento italiano como Bronzino.

En Mi último suspiro ( 1982 ) Buñuel rememora los días en que Dalí pintó el retrato en la Residencia . " En 1979, con ocasión de la gran exposición , Dalí en París, en el museo Beaubourg, acepté prestarle el retrato que me hizo en otro tiempo, cuando éramos estudiantes en Madrid, un minucioso retrato que realizó dividiendo el lienzo en pequeños cuadros, midiendo exactamente mi nariz, mis labios, y en el que, a petición mía, añadió varias nubes largas y ahiladas que me habían gustado en un cuadro de Mantegna ".

Las nubes que aparecen en el retrato tomadas de la obra Muerte de la Virgen de Mantegna del Museo del Prado, reaparece en la película de 1929 Un perro andaluz, en la que Dalí colaboró junto con Buñuel. Las nubes de Mantegna atraviesan la luna justo antes de la famosa escena de la cuchilla que secciona el ojo.

El crítico catalán Eugeni d´Ors tuvo grandes palabras para Dalí en su comentario de la Exposición de Artistas Ibéricos celebrada en Madrid: " Siempre parece haberle atraído la articulación, la arquitectura , la construcción . Sólo que antes, en la hora- o mejor, en el cuarto de hora - del cubismo , se figuraba que había que construir como los relojeros, y ahora ha aprendido a construir como las madres. Me gusta , sobre todo, el retrato marcado con el n 81 ( Retrato de Luis Buñuel ). No es su ensayo mayor. Pero es el más serio y más tranquilo. Para el buen aprendiz, para el buen escolar, representa lo que una matrícula de honor. De ahí ya se pasa- el cubismo era el primer cuadro ; lo presente puede formar el segundo- a aquella asignatura que debe llamarse " práctica de los valores de la eternidad ".

Mercedes Tamara

23-05-2014

Bibliografía : Dalí, Edic Down Adex

JACQUELINE CON VESTIDO TURCO PABLO PICASSO

JACQUELINE CON VESTIDO TURCO  1955

Jacqueline con vestido turco
óleo sobre lienzo 100 x 81 cm
Colección particular

Pablo Picasso realizó unos 57 retratos femeninos, en su mayoría primeros planos de mujeres a quienes estuvo unido Picasso de manera especial, conforman la selección de obras que la Fundación Pedro Barrié de la Maza mostrará en la sede de A Coruña. De los 57 retratos -43 pinturas y 14 dibujos-, 16 son inéditos y fueron creados entre 1919 y 1972, por lo que forman una visión continuada de los sucesivos estilos de Picasso y sus influencias a lo largo de la trayectoria del artista.

Pablo Picasso pintó a lo largo de su vida numerosas series de retratos protagonizadas por mujeres. La muestra de A Coruña incluye una selección de óleos y dibujos, retratos en primer plano, composiciones de varias figuras o desnudos recostados. Entre ellos, retratos de las esposas y amantes que más influyeron en su trabajo: Marie-Thérèse Walter, Dora Maar, Françoise Gilot y, sobre todo, Jacqueline Roque, su musa y modelo con la que vivió sus últimos años. En ellos no hay espacio para la improvisación: son el resultado del más profundo estudio por parte del artista, y en ciertos casos forman parte de extensas series que permitían al pintor explorar infinidad de posibilidades compositivas y matices expresivos.


En verano de 1954 , realizó varios retratos de Jacqueline Roque, a la que parece que conoció quizás en 1952 y con la que se unió intimamente en septiembre. Con ella contraería matrimonio en marzo de 1961. Aquí se inició una etapa que algunos críticos han llamado " época Jacqueline ". Primero Picasso marchó a Vallauris con Jacqueline , después se instalaría con ella en París , en la rue des Grandes- Agustins.

Jacqueline con vestido turco ( 1954 ) es una modelo espléndida que llena todo el cuadro, al igual que llenaba la vida de Picasso dándole todo aquello que el artista precisaba : serenidad, apoyo, compañía y la protección necesaria para proteger al artista de todo lo que le abrumaba, sobre todo, la fama. En esta obra destaca sobremanera el volumen anatómico, la monumentalidad femenina y , el rostro de Jacqueline ofrece un aspecto melancólico -como si estuviera ensimismada . Picasso recurre a un trazo bien perfilado de ritmos curvos , un modelado voluminoso que permite separar la definición de su figura ataviada con vestimentas turcas , dejando al descubierto parcialmente los senos de Jacqueline. Todo ello a base de tonalidades claras y contrastando con otras de colores más intensos y oscuros, sobre todo, el fondo que ha pintado de un color rojo intenso.

La dificultad del lenguaje de Picasso se oculta una vez más tras la sencillez con que capta con gran habilidad las sensaciones que no representa , pero que sugiere, En este cuadro la sexualidad se ofrece de una forma erótica y desbordante.

Mercedes Tamara

18-05-2014

Bibliografia . Picasso, Edic Taschen

GRAN AUTORRETRATO AZUL PABLO PICASSO

GRAN AUTORRETRATO AZUL 1901

Gran autorretrato azul
óleo sobre lienzo 80 x 60 cm
París, Museo Picasso 

La época azul de Picasso (1901-1904) Pablo Ruiz Picasso (1881-1973) es el pintor español más conocido en el mundo. Consagrado como el creador del cubismo y el autor del Guernica, la realidad es que Picasso es mucho más: un símbolo de la búsqueda continúa de nuevos caminos que la pintura hace en el siglo XX. Así, Picasso tiene una época azul, una rosa, una negra, una cubista, una realista, una surrealista… Entre 1901 y 1904 Picasso pintó una serie de obras en las que predomina el color azul, un dibujo preciso de figuras humanas distorsionadas y alargadas a la manera de El Greco y unos temas llenos de melancolía, dolor, pobreza y soledad. Es la época azul. Picasso dijo que “no era suficiente con conocer las obras de un artista.


También hay que conocer cuándo las hizo, por qué, cómo, en qué circunstancias…”. Las circunstancias de la época azul comienzan con el suicidio de Carlos Casagema, uno de los amigos más queridos de Picasso. Picasso se traslada poco después a vivir a París, al estudio dónde vivió Casagema e intenta, sin mucho éxito, triunfar en la pintura. Pobre, extranjero, solo, rememorando al amigo muerto, es fácil entender que Picasso se sumiera en la tristeza, que comenzara a ver el lado duro de la vida, la miseria, la soledad, la desesperación. Y que fueran ésos los sentimientos que reflejara en sus cuadros. La melancolía de la época azul de Picasso, se plasma en el “Gran Autorretrato azul”, que representa al joven de 20 años pálido y demacrado durante el invierno de 1901 y constituye el inicio de una fase de orientación artística y persona, fue en este año que se suscitó el suicidio de su mejor amigo Casagemes debido a un desengaño amoroso y esto da inicio a la época azul. 


A raíz de esto Picasso empieza a crear un universo de triste seriedad con tonos azules, los marginados por la sociedad, personajes habituales en las calles y las tabernas de las grandes ciudades como mendigos, ciegos, y mujeres solitarias sumidas en la miseria, pueblan ahora sus cuadros, esta época representa las obras más célebres y enigmáticas del pintor. Estas obras se caracterizan por una opresiva atmosfera de desesperanza los omnipresentes tonos azules confieren a los cuadros un carácter irreal, más allá del tiempo y el espacio. Es muy difícil descifrar el significado de las pinturas azules, y Picasso siempre evitó dar explicaciones al respecto, Cuando expuso ´por primera vez los trabajos de esta época, los críticos elogiaron el expresivo simbolismo de los cuadros, pero censuraron su profunda tristeza. Entre las obras más representativas de esta época encontramos “El gran autorretrato azul”, “la vida”, “El viejo guitarrista”, “las dos hermanas” entre otras


En El gran retrato azul, , con esta obra , Picasso pone punto final a la segunda estancia de París. En otros autorretratos advertimos una expresión dramática, mientras que en éste hay serenidad.El rostro de Picasso aparece sereno. a diferencia de los anteriores autorretratos en los que se aprecia un cierto dramatismo que advertimos por el nerviosismo del trazo. En esta ocasión el drama es evidente y tal vez nos lo muestra de una forma más convincente que nunca. Vemos aquí a un hombre joven ( sabemos que acababa de cumplir 20 años el 25 de octubre ) demacrado , en el que intuimos una vejez prematura quizás a causa de las privaciones . Hay nostalgia en su mirada; sus ojos no están tan abiertos como en otras representaciones. Aquí hay más vida interior , su pupila mira a lo esencial y no tanto al mundo que le rodea que, posiblemente, en este momento no le gusta demasiado . Sin embargo, no hay resignación en su rostro , las mandíbulas , ligeramente apretadas, nos hablan de esa voluntad férrea que posee el artista y en su actitud equilibrada adivinamos que está dispuesto a la lucha . La emotividad está contenida , su mirada es intensa, reflexiva. Hay una gran madurez en ese joven que sabe ya tanto de la vida y que ha sufrido tantos desengaños.

Mercedes Tamara

17-05.2014

Bibliografía : Picasso, Edic Taschen

RETRATO DE ARI CON CUELLO MARINERO ODILON REDON

RETRATO DE ARI CON CUELLO MARINERO 1897

Retrato de Ari con cuello marinero
óleo sobre cartón 41,4 x 22, 2 cm
París, Musée d´Orsay

Se conocen trece retratos del hijo único del artista , que representan otras tantas estrofas de un poema dedicado a la infancia , por atenernos a la siguientes palabras de Redon (...) " el niño cualquiera que sea, preludia un poema. Pronto se leerán sus estrofas una por una y su encanto avasallador os seguirá por doquier ".

Nacido el 30 de abril de 1889 Ari Redon ( fallecido en 1972 ) fue en realidad el segundo hijo del artista : sucedió a Jean , muerto a los pocos meses de nacer en la finca familiar de Pereylebade , en 1886. Ahijado de Genèvieve Mallarmé y de Edmon Picard, Ari vivió una infancia y una adolescencia felices en un ambiente familiar particularmente cariñoso y solícito , entre París y las vacaciones pasadas en Saint- Georges-de- Didonne en Bevrès o en la abadía de Fontroide, donde vivían los Fayets. Ya estén pintados o dibujados , los retratos que Redon nos dejó de Ari- con mayor frecuencia de perfil destacándose sobre un fondo neutro o de flores- constituyen otros tantos testimonios del intenso efecto del artista por su hijo. A propósito del cual escribió Redon a André Bonger el 29 de mayo de 1897- año en el que se supone ejecutado el presente retrato- " Cada vez que me he separado de él (...) he tenido la certera sensación de que yo sólo podría ser feliz allí donde él se hallara junto a su madre ( Lettres , 1987 )

Más allá de la poesía melancólica que destila este perfil infantil, el presente óleo  da fe , sobre todo, del impacto de la pintura de los nabis , ejerce sobre Redon a partir de 1894, momento de su regreso al color . Bien, por su formato vertical inspirado en los kakemonos japoneses, bien por su pefil truncado o por su dimensión intimista y sugestiva . el Retrato de Ari con cuello de marinero remite, en efecto, a las obras de los nabis , y más concretamente a Pierre Bonnard y Édouard Vuillard, quienes también se interesaron , en aquella misma época por el tema de la infancia.

Redon, designado por Maurice Denis, como " el ideal de la joven generación simbolista, nuestro Mallarmé ( Denis, 1912 ) cosechó también los aplausos de los jóvenes nabis ". Ya en 1893 , Denis " plagia ", ligeramente al artista en una litografía en color editada por L ´Estampe originale de André Marti y titulada Ternura , mientras que Ramon y Sérusier asisten, el 17 de abril de 1894. al banquete ofrecido en honor de Redon por Jean Dolent ( para celebrar el éxito de su primera exposición en Duran. Ruel ( Jorunal des artistes 15 de abril de 1894 y Mercure de France , mayo de 1894 )
Cinco años después, Redon estará nuevamente representado en la galería de es marchante, si bien acompañado esta vez por el conjunto de los nabis, con ocasión de una exposición colectiva en forma de homenaje al autor de Ojos cerrados, invitado al año siguiente por Denis a posar para su Homenaje a Cézanne ( 1900, París, Musée  d´Orsay ) Redon estrecha a partir de aquel período relaciones privilegiadas con Vuillard y Bonnard , cuyos retratos litogarfiados, realizará , respectivamente en 1900 y 1901 . En ese mismo intervalo, Redon emprende, además, la decoración del comedor del castillo de Domecy, animado sin duda a seguir esa nueva trayectoría por sus admiradores, que habían revolucionado la pintura decorativa diez años antes, al ejecutar las paredes de los salones de Denys Cochin ( 1889 ) y de Alexandre Natanson ( 1894 )

Mercedes Tamara

2-05-2014

Bibliografía : Odilon Redon, Edic Mafre