IMAGEN MEDIÚMNICA PARANOICA SALVADOR DALI

IMAGEN MEDIÚMNICA PARANOICA , 1935

Imagen mediúmnica paranoica
óleo sobre tabla
Fundación Gala- Salvador Dalí

Promontorios y extrañas formaciones rocosas rodeaban la Bahía de Cadaqués , sin embargo, la Bahía de Rosas , justo al sur , era una gran playa de interminable arena dorada. Dalí utilizaría esta playa como telón de fondo para describir un paisaje más abierto y monótono.



En Imagen mediúmnica paranoica , cuatro personas aparecen en la playa justo al  atardecer. A la derecha del primer plano dos hombres miran al espectador . El primero está escribiendo , el otro, inclinado hacía delante ,busca algo en la arena. A la izquierda, una mujer completamente vestida está sentada en una pequeña isleta de agua sobre la arena dando la espalda al espectador, y al fondo un hombre se dirige en bicicleta para unirse a los demás .



Aunque Dalí tituló esta obra " mediúminica paranoica " no hay indicios de que aparezca una imagen doble o múltiple como suele ocurrir en las pinturas "paranoicas" del pintor. No obstante , las figuras no parecen tener mucho que ver con el escenario en el que se encuentran ni guardar ninguna relación entre ellos . Es como si hubiesen aparecido de repente de cualquier otro sitio ,quizás de las páginas de un álbum de fotos.



La mujer de la imagen es Lidia Nogués, una excéntrica vecina de Cadaqués a quien Dalí describía como " la persona con el cerebro paranoico más extraordinario , aparte  del mío, que jamás haya conocido ".

Mercedes Tamara

1-02-2014

Bibliografía . Dalí, Fundación Gala- Salvador Dali

SOFÁ DE SALVADOR DALÍ Y EDWARD JAMES, POR GREEN ABBOT SALVADOR DALI

SOFÁ DE SALVADOR DALÍ Y EDWARD JAMES, POR GREEN ABBOT 1938

Salvador Dali y Edward James por Green Abbot
mellón rosa y  rojo y clavos dorados
Fundación Gala- Salvador Dalí

En 1935 , Dalí creó una vesión especialmente impactante de una fotografía de Mae 

West en el que había transformado su rostro antropomórficamente para que se 

pudiera utilizar como un apartamento " surrealista " . En el centro del apartamento 

aparece un voluptuoso sofá, formado supuestamente por los labios de Mae West.

A mediados de la década de 1930, Dalí y su mecenas el millonario inglés Edward James ( 1907-1984 ) trabajaron juntos para crear los diseños de la versión a tamaño natural de esta pieza. Le encargaron varios sofas con varios acabados a la firma Green & Abbot. Dos de estos sofas se tapizaron con satén rosa chillón y la vendieron a la diseñadora francesa Elsa Schapparelli . Otro par se acabó en tono de color  rojo con un ribete negro.

EL sofá que vemos aquí está tapizado en mellón rojo y rosa y mide 92 de alto y 66

de profundidad . Es una de un conjunto de dos que James hizo para el comedor 

de su residencia de descanso en el campo Morkton, una casa de diseño que diseñó y construyó Edwin Lughiera en 1902.

Mercedes Tamara
30-01-2014

Bibliografía : Dalí, Fundación Gala-Salvador Dali 

LAS LLAMAS , LLAMAN SALVADOR DALI

LAS LLAMAS , LLAMAN

       

Las llamas, llaman
óleo sobre lienzo
Fundación Gala- Salvador Dalí

En esta imagen , Dalí vuelve a imitar varios de los temas vistos en obras anteriores ,las jirafas en llamas, la vasta llanura con las figuras a lo lejos y el caballo convirtiéndose en piedra que vemos en Evolución geológica ( 1933 ) . En el caso de las jirafas representadas aquí, únicamente el resquebrajamiento de la "roca " lo que sugiere el diseño moteado de la piel de una jirafa real, ya que los que aparecen aquí tienen un pelaje que parece estar confeccionado de carne humana, lo cual resulta  bastante desconcertante . Estas criaturas parecen quemarse desde dentro, el calor se desprende por sus cascos y sus patas brillan como los rescoldos del fuego.



Como ocurre en Desfile de jinetes, las jirafas permanecen en formación de honor, a través de la cual pasa a lo lejos una madre con su hijo, quienes probablemente representan al joven Dalí y su madre , cuya imagen se había estado deteriorando
en su memoria.



Otro símbolo típico daliniano es la imagen doble de la derecha . En esta ocasión, no obstante, la imagen es más sutil y más fácil de ignorar. La imagen oscura en  forma de arca de la derecha forma el pelo brillante el rostro del hombre que está sentado sobre los lomos de la jirafa conforma el ojo y su sombra sobre el cuello de la jirafa crea la nariz y los labios del rostro femenino de la imagen doble.

Mercedes Tamara
30-01-2014

Bibliografía : Dalí, Fundación Gala-Salvador Dali 

LOS SEGADORES PABLO PICASSO

LOS SEGADORES 1901

LOS SEGADORES
óleo sobre lienzo 61x85 cm
Museo Thyssen Bornemizsa

Las. relaciones entre Los segadores y las obras realizadas por Picasso en Gósol en el verano de 1906 han sido señaladas por diversos autores. Siguiendo a Green pienso que el precedente más obvio de Los segadores es Los campesinos, el gran cuadro de la Barnes Foundation que Picasso terminó en París en agosto de 1906 inmediatamente después de la vuelta de Gósol.

 En efecto hay dos rasgos que relacionan estas dos obras: en primer lugar, la disposición de la pareja de bueyes muy parecida en ambas, algo que resulta más significativo si se advierte que la representación de animales en la obra de Picasso durante este período es muy escasa; en segundo lugar, el predominio del color amarillo representando trigo, algo que resultaba significativo para el propio artista, quien lo reseñaba en la somerísima descripción de Los campesinos que hacía en una carta a Leo Stein fechada el 17 de agosto de 1906

Si. a Les Demoiselles d'Avignon, Los segadores y Los campesinos añadiéramos El harén, habríamos reunido las cuatro obras pintadas entre el verano de 1906 y el verano de 1907 en que Picasso plantea composiciones complejas con varias figuras. La agrupación es relevante porque en ese período los artistas de la vanguardia parisina compartían la convicción de que el destino de la nueva pintura del siglo XX requería encontrar fórmulas modernas para ese tipo de composiciones.

 Los precedentes de Gauguin y Cézanne parecían apuntar en esa dirección, y de hecho una serie de obras que se extienden desde Le Bonheur de vivre, y La Edad de Oro, de Derain, ambas de 1905, hasta La danza II de Matisse, de 1909-1910, testimonian el vigor de que gozaba esta creencia en el círculo al que Picasso acaba de incorporarse en 1906



Green examina también la posición de estas obras en el proceso de génesis del Cubismo, una cuestión largamente controvertida en la historiografía. La opinión de que Les Demoiselles d'Avignon debe considerarse la obra fundacional del Cubismo fue expuesta en primer lugar por Kahnweiler y desarrollada luego por Barr en 1939, en el catálogo de la primera exposición retrospectiva dedicada a Picasso por el Museum of Modern Art de Nueva York poco después de que este mismo museo adquiriera el cuadro. Esta opinión ha sido contestada por Rubin (1977 y 1988) y Daix (1979 y 1988). Para estos autores Les Demoiselles d'Avignon debe entenderse como expresión de las tendencias primitivistas que Picasso compartía con Derain y con Matisse en la temporada de 1906 a 1907. El Cubismo propiamente dicho nacería en 1908, y sería fruto de la aproximación entre Braque y Picasso. Al trabajar en los paisajes de L'Estaque durante el verano de 1908 Braque habría conseguido encontrar en la técnica cézanniana de los passages una manera de resolver el conflicto que se planteaba entre el contraste figura-fondo, por una parte, y las nuevas exigencias de bidimensionalidad o «planaridad» del espacio pictórico por otra

Green,. volviendo a la opinión de Barr, propone que se considere de nuevo Les Demoiselles d'Avignon como origen del Cubismo. Sin negar importancia a los passages cézannianos, habría para él otro componente esencial del Cubismo, la tendencia a la esquematización geométrica de los volúmenes, que se manifestaría plenamente ya en Les Demoiselles d'Avignon; esta tendencia se aprecia mejor en esta obra precisamente gracias a su contraste con la bidimensionalidad rítmica de Los segadores.

En mi opinión es indudable que a lo largo del desarrollo del Cubismo picassiano persiste largamente la dualidad entre una tendencia, por así decirlo «escultórica», y otra tendencia, por así decirlo, «planar», según la cual se acentúa la bidimensionalidad del espacio pictórico y las figuras se subordinan a la ordenación geométrica del cuadro. Frecuentemente estas tendencias entran en conflicto y la obras se decantan, sea por un polo, sea por el otro; si se decanta por el primero, el riesgo artístico es la falta de unidad, si se decanta por el segundo el riesgo es el decorativismo. Las sucesivas tentativas de síntesis entre estas dos tendencias jalonan el camino de desarrollo gradual del lenguaje pictórico cubista. Así, si pensamos en Tres mujeres, otoño de 1908, podemos ver en ella una síntesis de la tendencia escultórica de Les Demoiselles d'Avignon y la tendencia rítmica de la Femme à la draperie, ambas de 1907

Mercedes Tamara

29-01-2014

Bibliografía : Colección Carmen Thyssen Bornemizsa, Museo Thyssen, Madrid

LA ALEGRÍA DE VIVIR PABLO PICASSO

LA ALEGRÍA DE VIVIR 1946

La alegria de vivir
óleo laminado de fibra prensado
Museo Picasso Antibes

Amplia composición que alude a una nueva etapa del artista y a su mundo circundante , dejados ya atrás el espanto de la guerra y su cortejo de horrores.

Se encuentra en el extremo opuesto de El osario (The Museum of Modern Art of New York ), abandonado sin concluir el año anterior, con el que Picasso parece haber encerrado el triste período bélico, por el contrario aquí se advierte un júbilo incontenible y una vitalidad que se derrama por doquier.

François Guilot y una luminosa existencia junto al Mediterráneo, en la costa francesa definen la etapa, en la que también nacerán dos hijos , Claude y Paloma.

 Es un apacible ambiente , pleno de idilícos sentimientos , que rejuvenecerán su expresión artistíca,como si hubiese descubierto un mundo  arcádico libre de problemas, poblados por seres de la antigua mitología grecolatina, inundado de un alegre  paganismo de la Edad de Oro que parece perdida para siempre, pero que era reencontrada después de años de terror.

En consecuencia , este cuadro supone una apoteosis mitológica resultante de una vida que transcurre cómoda y tranquila y bajo un brillante sol , cuyos  resplandores contribuyena aligerar el cromatismo, que se torna claro y diversificado en aras de plasmar una armonía vital y estética recientemente descubiertas fue pintado en Antibes durante el otoño de 1946

Mercedes Tamara
28-01-2014

Bibliografia .Picasso, Edic Taschen

RETRATO DE MUJER PABLO PICASSO

RETRATO DE MUJER 1938

Retrato de mujer
óleo sobre lienzo 98z 77, 5 cm
Centre Georges Pomipdou

En su prólogo del catálogo de la exposición de 1996 Picasso et le portrait ? William Rubin observaba que en este siglo de abstracción cabía pensar queningún género pictórico se resentiría más que el retrato , antes de reconocer  que el lugar central que el retrato ocupa en la obra de Picasso - el artista más emblemático del siglo XX- no se debe tan solo al carácter autobiográfico y exhibicionista de su creación, sino también a la dimensión exploratoria y  conceptual de sus imágenes.

El Retrato de mujer de 1938 no constituye una excepción a la regla que rige estos retratos - espejo de Picasso : espejo de la personalidad de una modelo querida- aquí la fotógrafa Dora Maar- espejo de la subjetividad del pintor ante su modelo, y espejo de sus metamorfosis estílisticas .

En 1938 , Picasso, que compartió vida desde 1927 con su esposa Olga Kokhova y su musa Marie Thérèse Walter- conoce a Dora Maar , fotógrafa talentosa y comprometida que frecuenta los círculos surrealistas , cercana a Georges Bataille  y el grupo de extrema izquierda Contre-Attaque . Su refinada belleza ; su simple trayectoría artística , intelectual y política ; su complicidad con los Éduard y su temperamento apasionado, hacían de esta belleza morena y española la compañera ideal del pintor del Guernica , cuya realización fotográfica en 1937 en el taller de la Rue des Grandes-Agustines, y al que ella inspirará la serie de pinturas La mujer que llora , alegoría de la Guerra Civil española.

Sin salirse del motivo estándar- de mortífera connotación - de la mujer sentada en un sillón , para representar a Dora Maar , Picasso inventa una tipología específica ( y totalmente opuesta a la escogida para retratar paralelamente a la rubia Marie- Théresé ) basada en un código de colores exclusivamente cálidos que cubren indistintamente su cuerpo y sus atavíos , transformándola en un ídolo baudeleriano tatuado de rayas o de lineas serpentinas que sugieren el hecho diabólico y la alienación erótica que ligan al pintor con su modelo .

En 19139, Picasso y Dora Maar decidirán situar este cuadro en primer plano y en el centro de la selección de retratos de Dora de los años 1937-39, colocados antre el gran collage de Mujeres en su aseo, de 1938 ( París, Museo Picasso ) y fotografiados por la propia modelo en el citado taller de la Rue des Grandes-Agustines. Y en 1947, Picasso eligirá este mismo retrato, junto con otros nueve cuadros , como parte de su donación al MNAM.

Mercedes Tamara

26-01-2014

Bibliografía : Centre Arte Moderno Georges Pompidou , Paris "

VIEJO PESCADOR PABLO PICASSO

VIEJO PESCADOR 1945

Viejo pescador
óleo sobre lienzo 82x62 cm
Museo de la Abadia y Santuario
de Montserrat

Para este lienzo , pintado por el artista malagueño cuando contaba catorce años de edad, existen numerosos estudios previos, lo que certifica el interés del joven maestro en una obra, que , en principio consideraría una empresa importante.Su tío Salvador , convencido del talento del sobrino , le sugirió el presente modelo , un marinero que buscaba trabajo y al que le convenció para que posase , tenía por apellido Salmerón y asi era popularmente conocido .

Conviene recordar esta curiosa anécdota por lo que tiene de ilustrativa acerca de las relaciones familiares . Tío y sobrino llegaron al siguiente acuerdo : el primero ofreció al segundo cinco pesetas diarias como asignación al segundo y una habitación para trabajar situada en las oficinas de una institución sanitaria.

De tal modo surgió el retrato que acompañó durante mucho tiempo a Picasso en los distintos talleres que tuvo, éste lo concluyó en poco tiempo con lo que su tío hubo de buscar otos modelos .

Es una típica obra naturalista , al gusto tradicional decimonómico, cuya excelente técnica anuncia que el autor es un auténtico artista, y en el ámbito de la pintura controla todos los resortes del oficio.

Comparado con el vertiginoso desarrollo posterior de Picasso , este cuadro tradicional contribuye a la consideración de que en el autor coexiten muchos artistas distintos . De esta obra perfectamente  conseguida , hasta las creaciones del final de su vida hay una evolución de setenta y ocho años.

Mercedes Tamara
20-01-2014

Bibliografía : Picasso, Edic Taschen