EL GRITO DE EDVARD MUNCH

EL GRITO 1893

El grito
óleo sobre lienzo 91 x 73 cm
Galeria Nacional Oslo

Este cuadro resulta el gesto más expresivo del arte contemporáneo para significar el gran desaliento que el hombre moderno sentía ante el fin de siglo y la transición al siglo XX. Munch nos habla de sus sentimientos cuando pintó esta obra: "Estaba allí, temblando de miedo. Y sentí un grito fuerte e infinito perforando la naturaleza". Estas frases tremendas nos hablan de una hipersensibilidad del autor que con la realización de este cuadro se convierte en altavoz de la angustia existencial que caracteriza el pensamiento contemporáneo en alguna de sus facetas.

 La situación personal de Munch está íntimamente relacionada con esta obra: de personalidad depresiva y traumatizado por su relación con las mujeres, a quienes odia fervorosamente y se ocupa de retratar lo más tétricamente posible, en el momento de pintar este cuadro acababa de sufrir el fallecimiento de su madre. Esto le marcó terriblemente y es uno de los condicionantes que le impulsaron a emitir este grito visceral. El simbolismo de la imagen es patente en el rostro agitado del protagonista en primer plano, que es casi una calavera que se aprieta el cráneo con las manos para que no le estalle. El empleo de los colores, violentos, arqueados en agresivas bandas de color, es puramente simbólico y trata de transmitir al espectador el agitado estado de ánimo del autor. Esta sensación se refuerza con la presencia de dos testigos mudos, lejanos, anónimos, dos figuras negras que se recortan al fondo de una violentísima perspectiva diagonal que agrede la visión de quien la contempla. Las formas se retuercen y los colores son completamente arbitrarios, tan sólo intentan expresar el sentimiento del autor y no una verdad racional. Este rasgo es lo que incluye a Munch en la senda de otros pintores de simbolismo visionario y expresivo en una tendencia intemporal denominada Expresionismo

Es uno de los cuadros más famosos del mundo , formaba parte de su Friso de la vida " un poema sobre la vida , el amor y la muerte " . Fue un intento de buscar los medios pictóricos para representar la confusión y la angustia interiores.Al igual que Van Gogh que le influyó profundamente , Munch desarrolló un llamativo lenguaje visual para expresar la neurosis que dominaban su vida, la desesperación que dominaban su vida  , el rechazo y la soledad

Los rojos, verdes, y amarillos chillones llenan el cielo y su poca naturalidad es una metáfora de la desesperación. La composición es sencilla: las desestabilizadoras y fuertes diagonales del puente y la barandilla contrastan con la diagonal opuesta del agua. El horizonte está relativamente alzado y muy enfatizado. La figura principal está colocado firmemente en el centro del cuadro. La pintura está aplicada de forma aparentemente violenta , a menudo con el mango el pincel , lo que crea una fuerte sensación de inquietud y distorsión . La aparente prisa con la que  parece que se ejecutó el cuadro es engañosa , ya que se planteó y ejecutó de forma meticulosa

Mercedes Tamara

6-10-2014

Bibliografía : Edvard Munch, Edic Taschen 

LA JUDIA AMEDEO MODIGLIANI

LA JUDIA 1908 

La judía de Modigliani
óleo sobre lienzo 55x46 cm
colección particular

Cuando en 1908 el cuadro se expuso en el " Salon des Indépendants "predominaba aún las explosivas tonalidades de la pintura fauvista.La aplicación del color de Modigliani , en cambio, se encuentra entre Henri Tolousse Lautrec y en Edvard Munch sus antecedentes más inmediatos. 

Asimismo Paul Cézanne que murió en 1906 y cuya exposición retrospectiva Modigliani había visitado en 1907 , ejerció una influencia persistente en su pintura .En el cuadro La judia es un ejemplo de la búsqueda a tientas de Modiglianientre las diferentes corrientes vanguardistas .

 En este retrato estatuario de una mujer con severa mirada pueden apreciarse tantas influencias del arte lineal de un Toulousse Lautrec como alusiones a las figuras extremadas del período azul de Picasso.

A pesar de la pincelada ligera , La judia es un cuadro extremadamente mesurado cuyo objetivo no es el uso de colores más autónomos , posibles colores y superficies,sino la transmisión de una expresión anímica. Su escepticismo . su contención y la mirada desafiante hacía el espectador demuestra el interés por la psicología retratada.

A su vez , sin embargo, este cuadro se descubren partes fuertemente caracterizadas por un tratamiento de la superficie puramente pictórico, como la parte inferior derecha , a la que no se puede asociar no ningún objeto preciso.

Mercedes Tamara

3-10-2014

Bibliografía . Modigliani, Edic Taschen

DESNUDO ECHADO SOBRE UN COJÍN AZUL AMEDEO MODIGLIAN

                    DESNUDO ECHADO SOBRE UN COJÍN AZUL 1917

Desnudo echado sobre un cojín azul
óleo sobre lienzo 65.4 x 100.9 cm
Washington, DC, Coleccion

Modigliani que nunca había asistido a una academia estatal, se aproxima a la representación del cuerpo desnudo con una mirada educada preeminentemente en la historia del arte . Puede que en las escuelas de arte de Florencia y Venecia hubiera aprendido los principios esenciales del dibujo del desnudo , orientados según la norma academicista; lo que si es seguro que en la Académie Colarossi, donde Modigliani estudió en 1906 y 1907 , se inició en los conceptosreformistas del desnudo. La Académie Colarossi de París pertenecía a aquellas instituciones privadas que, fundadas a finales del siglo XIX , constituían una alternativa progresista a las academias estatales. La particularidad de estos centros , entre los que se encontraba también la prestigiosa Académie Julian , residía en el hecho de que a ellos también tenían acceso los numerosos extranjeros que vivían en la ciudad.


Las clases consistían sobre todo en poner modelos a disposición de los estudiantes , cuyas poses podían determinar éstos. Al contrario que en las academias estatales , en las privadas se intentaba conseguir una expresión más viva del desnudo . En los retratos de las jóvenes desnudas puede observarse una tendencia hacía la estilización ornamental . De nuevo es el dibujo sugestivo de lineas suavemente trazadas por las que la silueta de las figuras contrasta con la superficie que le rodea, lo que confiere a los cuadros un toque elegante y delicado, Del mismo modo la reducción y la abstracción son elementos formales de composición fundamentales para Modigliani .

Desnudo con collar 1917

óleo sobre lienzo 73x116 cm

Nueva York, Salomon R, Guggenheim Museun

Aparte de algunos datos puntuales sobre el espacio en el que se encuentra la modelo ( la alusión a un sofá , un cojín o una sábana blanca ) no hay nada que distraiga la atención de los rosados cuerpos juveniles. El empleo moderado del color-en la mayor parte de los casos es tan sólo el peculiar tono encarnado, anaranjado de los desnudos el que contrata con uno o dos colores diferentes-demuestra una fuerte concentración en lo formal.




Así Modigliani concede a las formas estilizadas de los cuerpos femeninos todo el espacio necesario para poder desenvolverse de manera eficaz. Las figuras femeninas que se presentan al espectador están frecuentemente dispuestas de forma que parecen proyectarse hacía él desde el cuadro; algunas buscan el contacto visual abriendo mucho los ojos , otras los mantienen cerrados como si durmieran. En los sugerentes desnudos de Modigliani no interesa más que su desnudez, su sensualidad, su erotismo, su belleza , oponiéndose así , una vez más a cualquier desnudo academicista, por lo que de ninguna manera se trata de una representación de naturalidad y vivacidad , como es el caso de la mayoría de sus contemporáneos 

Mercedes Tamara

1-10-2014

Bibliografía : Amedeo Modigliani, Edic Taschen

NOCHE DE VERANO EN AAGAASTRANDT EDVARD MUNCH

NOCHE DE VERANO EN AAGAASTRANDT  1904

Noche de verano en Aagaastrandt
óleo sobre madera 99x103 cm
París, Musée d´Orsay

Aunque todavía esté discutido en Noruega, Munch adquiere, a comienzos del siglo XX, una reputación internacional. Recibe una acogida favorable en diversas exposiciones: en Berlín durante la Secesión en 1902, en Praga en el seno de la asociación artística Manes, en 1905 y en París, donde está presente en el Salón de los Independientes de 1902 a 1904. Munch presenta precisamente Noche de verano en Aasgaardstrand en los Independientes de 1904, entre varias vistas de este pequeño pueblo situado a orillas del fiordo de Oslo donde acude asiduamente desde 1888.


 El motivo de este cuadro se encuentra en varios de sus lienzos anteriores (Jóvenes en un puente, 1899-1901, Moscú, Museo Pushkin, y Mujeres en un puente, 1902, Bergen, Billedgalleri). Se trata pues de un tema antiguo y habitual para el artista, pero mediante el que da aquí toda la envergadura de su evolución estilística, expresando sus nuevas preocupaciones formales, constructivas y de color.


Los elementos del paisaje, árboles, muro, casa, rotundamente estilizados y a veces delimitados por espesos trazos de color, la larga diagonal que cava el lienzo, creando un espacio relevante, tenso, proporcionan su profundidad a la composición. Ninguna figura, ningún elemento anecdótico viene para alterar el rigor de construcción de este paisaje, impregnado de esta luz azulada típica de las noches de verano nórdicas. Una atmósfera intensa e inquietante está presente en el lienzo, plasmada mediante una pincelada diversificada, enérgica y rápida, animada por violentos contrastes de colores, debidos a la oposición entre tonos cálidos y fríos.


La obra de Munch llama la atención de los futuros Fauves, Matisse, Derain, Marquet, Dufy y Friesz, que admiran la "precisión salvaje y la coloración espiritual" del artista, precursor de las investigaciones cromáticas llevadas a cabo por el fauvisme.s Musée d´Orsay 

Mercedes Tamara

30-09-2014

Bibliografía : Edvard Munch, Edic Taschen

ATARDECER EDVARD MUNCH

ATARDECER 1888

ATARDECER
óleo sobre lienzo 
75x100,5 cm
Museo Thyssen Bornemizsa

A finales de la década de 1880 la pintura del joven Edvard Munch atravesaba un periodo de transformación desde el naturalismo , y el realismo social de su primera etapa, hacia una mayor influencia del impresionismo francés al que el artista añadiría una componente simbolista y expresionista muy acusado.

. Durante el verano de 1888 viajó junto a su amigo el pintor Karl Dørnberger a la pequeña localidad noruega de Bergen , donde el artista realizó este retrato de su hermana Laura .Con actitud ausente y protegida por un sombrero de paja, la melancólica joven, en los prolegómenos de su futura esquizofrenia , está sentada de perfil en primer término, a la izquierda de la composición, junto a una casa cercana a la orilla en donde se divisan dos figuras en la distancia.




La disposición de Laura, en primer término, descentrada y aislada del fondo del paisaje, inaugura un tipo de recurso que Munch utilizará habitualmente en el futuro para enfatizar la tensión emocional, una tensión que aquí se acrecienta todavía más con la luz de atardecer. La forma ondulada de la costa característica del fiordo de Kristiania (hoy Oslo), también anticipa las composiciones posteriores, como el retrato de su otra hermana Inger en la costa , pintado durante el verano de 1889 en Åsgårdstrand


. En ambos retratos Munch concede la misma importancia a las figuras y al paisaje según un esquema compositivo que caracterizará gran parte de su obra. Ahora bien, como puede apreciarse en las radiografías de Atardecer , en un principio Laura no se encontraba sola. Junto a ella Munch había colocado otras dos personas en la composición: una mujer en el centro y otro personaje subiendo por las escaleras de la casa. Al eliminarlas, Munch no sólo acrecentó la soledad de Laura sino que también logró incrementar el dramatismo que respira la escena.

Mercedes Tamara 

25-09-2014

Bibliografía : Edvard Munch, Edic Taschen 

AUTORRETRATO CON TRENZAS FRIDA KHALO

AUTORRETRATO CON TRENZAS 1940

Autorretrato con trenzas de Frida Kahlo 
óleo sobre tela 51x38 cm
Colección A.N. Gelman

Esta pintura Autorretrato con trenzas lo realizó Frida poco después de la nueva boda con Rivera, en diciembre de 1940. Muestra a la artista con un peinado muy parecido al que usan las mujeres indigenas en la región norte de la provincia de Oaxaca y en Sierra Norte de Puebla .

El pelo está peinado hacía atrás , bien apretado , y un mechón trenzado con una cinta roja de lana que se eleva sobre la cabeza como un adorno postizo . Sus salvajes cabellos son difícilmente domables , diversos  mechones salen de forma irregular del trenzado.  Los cabellos cortados de un cuadro reaparecen en el siguiente recogido y trenzados .

Podemos interpretar este tocado , cuya trenza constituye una cinta sin fín , como símbolo del eterno circular del tiempo , una metáfora reforzada aún más por la planta de acanto que se enreda en el busto desnudo  de la artista ( esta planta es, debido a su  perseverante crecimiento , un antiguo símbolo de la vida eterna ) . 

Así , un año más tarde recuperó Frida Kahlo la feminidad que en 1940 había rechazado y depuesto.

Mercedes Tamara
24-09-2014

Bibliografía :Frida Khalo, Edic Taschen 

EL SUICIDIO DE DOROTHY HALLE FRIDA KHALO

• EL SUICIDIO DE DOROTHY HALLE 1938-39

El suicidio de Dorothy Halle
óleo sobre fibra dura con marco de madera pintado 60,4 x 48,6 cm
Phoenix, Art Museum

Clare Boothe Luce, la editora de la revista de moda " Vanity Fair " le encargó un trabajo a Frida . Su amiga Dorothy Halle , una actriz a la que también Khalo conocía ,se había suicidado en octubre de 1938. " Poco después fui a la exposición de los cuadros de los cuadros de Frida Khalo "explicaba la editora el contexto del encargo :"Frida Khalo se dirigió a mi, a través de la multitud de personas y comenzó a hablar sobre el suicidio de Dorothy (....) Khalo no tardó en proponer que ella podría realizar un recuerdo de Dorothy . Yo no entendía suficiente español para entender el significado de la palabra recuerdo (...) Pensé que Khalo haría un retrato de Dorothy al estilo de su propio autorretrato ( dedicado a Troski ) que yo había comprado en México ( y todavía poseo ) . De pronto se me ocurrió que un retrato de Dorothy pintado por una conocida pintora amiga podría ser algo que a su pobre madre le gustaría tener. Expuse esta idea, y Khalo me reafirmó en ella .Pregunté el precio,  Khalo me lo dijo y yo contesté : " Mándame el retrato cuando esté listo" Yo se lo envió a la madre de Dorothy ".


Así surgió el cuadro El suicidio de Dorothy Halle , la documentación de un suceso real que Frida Khalo tradujo al lenguaje del exvoto. Dorothy Hall se había tirado por la ventana de un rascacielos. Frida Khalo retuvo la escena en diferentes fases de la caída, como en una fotografía expuesta varias veces, y expuso el cadáver sobre una llanura a modo de escenario , separada del rascacielos y situada en primer plano. El suceso está comentado en una inscripción con letras rojo sangre : " En la ciudad de Nueva York , el 21 de octubre de 1938, a las seis de la mañana , se suicidó la señora Dorothy Hale tirándose desde una ventana muy alta del edificio Hampshire House. En su recuerdo ( aquí están borradas algunas palabras ) ese retablo, pintándolo Frida Khalo.


Dorothy Halle , cuyo marido Gardiner Hale, un pintor de retratos reconocido en la High -Society americana , había muerto a mediados de los años treinta en accidente automovilístico , tenía grandes dificultades económicas. No podía financiar el costoso estilo de vida mantenido durante los años de matrimonio. Probó suerte en Hollywood , pero no superó las pruebas cinematográficas y vivía del favor de sus amigas y amigos , En sus repetidos intentos de encontrar trabajo, le dijeron que era demasíado vieja- treinta y tres años- para una carrera profesional. en lugar de un trabajo haría mejor buscándose un marido rico, Poco antes de su suicidio -invitó a sus amigos a una fiesta de despedida.


Cuando Claire Boorke vio el cuadro . pensó seriamente en destruirlo : " Nunca olvidaré el susto que me llevé cuando saqué el cuadro de la caja , Me sentía psiquícamente enferma .¿ Qué iba a hacer yo con este escalofriante cuadro del cadáver estrellado de mi amiga , con su sangre esparcida por todas partes ?


Finalmente , la editora se dejo aconsejar por sus amigos y no destruyó el cuadro

Mercedes Tamara

23-09-2014

Bibliografía : Frida Khalo , Edic Taschen