RETRATO DE JOHANNA STAUDE GUSTAV KLIMT

RETRATO DE JOHANNA STAUDE 1917-1918

Retrato de Johanna Staude
óleo sobre lienzo 70x50 cm
Ostelrriche , Galerie Viena

Dos años antes de su muerte, en 1916, Gustav Klimt participó en la Exposición del Bund Osterreichischer Künstler de la Secesión de Berlín junto a artistas vieneses como Oskar Kokocha y Egon Schiele. Ambos, herederos de las aportaciones secesionistas y en concreto del lenguaje introducido por Klimt en el ámbito de la pintura , pronto se convertirían en los representantes de la corriente pictórica expresionista desarrollada paralelamente al estilo promulgado en Alemania desde el grupo Die Brücke .


Pese a las diferencias generacionales, el contacto entre un yo maduro Gustav Klimt  y el que sería su sucesor/ discípulo en la creación artística futura, Egon Schiele,  fue muy fructífera para cada uno de los implicados en la relación. De ésta conservan testimonios diversos algunos como el retrato que Schiele hizo de Gustav Klimt en  su lecho de muerte en el hospital de Viena, conmueve al evidenciar la profunda amistad que unió a ambos artistas, como en el caso del Retrato de Johanna Staude, muestran en su lenguaje formal los frutos de una también intensa relación profesional.

Retrato de Johanna Staude ( detalle )

En este retrato inacabado por inscribirse en el grupo de las obras interrumpidas por su muerte, Gustav Klimt deja entrever tanto en la actitud agresiva de la mirada de la retratada como en la concepción cromática y lineal de las telas que recubren su  cuerpo la influencia del lenguaje formal de Egon Schiele.


Pese a mantener la ornamentación y el erotismo contenido que caracterizó a toda su producción anterior, el estilo que Gustav Klimt cultivó durante sus últimas creaciones responde a un fuerte interés de reinvención personal que, si bien en casos como Adán y Eva, Bebé o La novia ( Cortejo nupcial ) se manifestaba  bajo un lenguaje precedente de las influencias eslavas, en el Retrato de Johanna Staudetoma forma bajo los dictados de la más absoluta modernidad.

Mercedes Tamara 

23-10-2014

Bibliografía : Gustav Klimt, Edic Taschen

RETRATO DE FRITZA RIEDLER GUSTAV KLIMT

RETRATO DE FRITZA RIEDLER 1906

Retrato de Fritza Riedler 
óleo sobre lienzo 153 x 133 cm
Osterreichische Galerie, Viena

El Retrato de Fritza Riedler se ha comparado al de Sonja Knips por la postura que  tienen las dos mujeres : vestidas de gala , están sentadas en un sillón a la derecha del cuadro y sus manos están apoyadas sobre sus piernas . En el de Fritza Riedler resulta muy curioso el estampado con formas de ojos de sillón y el fondo de la pared Algunos de los coloristas motivos de la pared coinciden exactamente con la cabeza  de la retratada , dando la impresión de que ella  también forma parte del propio fondo.

La forma triangular que resulta parece ser sacada de los retratos de Velázquez en especial Las Meninas. Esta obra se enmarca al inicio del período dorado de Klimt. En las obras de dicho período el artista emplea el oro para decorar fondos y espacios 

Mercedes Tamara

23-10-2014

Bibliografía : Gustav Klimt, Edic Taschen

CUATRO NIÑAS EN AAGAARDTRAND EVARD MUNCH

CUATRO NIÑAS EN AAGAARDTRAND 

CUATRO NIÑAS EN AAGAARDTRAND ( 1.902 )

Óleo sobre lienzo 89,5x 125, 5 cm

Staatgallerie Stuttgart, Stuttgart

Según los vecinos de Aagaardtrand , estas niñas son las hijas de un vecino de Munch. " Un día las vio desde la  puerta de su casa a cuatro muchachas que iban a paseo con sus vestidos de domingo. El pintor las detuvo , les pidió que posarán para él y las pintó ". Son, pues unas niñas del lugar y no las hijas de veraneantes venidos de la ciudad . Por ello guardan una distancia respetuosa frente al caballero que las ha interpelado .

Yendo más allá de la anécdota naturalista impresionista Munch transformó a las niñas en una alegoría de la vida . Esta transformación fue comentada por Peter Krieger como sigue : " El pintor ha colocado delante de una pared amarilla a las cuatro chicas de la aldea en fila. El cuadro pintado en colores sombríos reproduce no sólo la atmósfera de los días sin luz que preceden a la primavera ; también pone de  manifiesto el estado de ánimo de las chicas. Sus vestidos de color  gris oscuro son tan graves y tristes como el amarillo terroso de sus rostros que armonizan con el color de la pared " .

El pintor ha vuelto a estructurar el cuadro mediante un severo esquema compositivo : las cuatro chicas forman cuatro ejes que cortan en ángulo recto la ancha linea horizontal de la pared de fondo . Los enérgicos contornos que delimitan los cuerpos de las niñas subrayan, al igual que las lineas quebradas de los sombreros, el aislamiento de las figuras . A todas les es en común una expresión de desamparo , que mantiene unidas a las cuatro  hermanas en medio del aislamiento.

Mercedes Tamara 

23.10.2014

Bibliografía ; Edvard Munch , Edit Taschen

MI MAMÁ Y YO MAMANDO FRIDA KHALO

Mi nana y yo, o yo mamando
óleo sobre metal 30,5 x 38, 7 cm
Colección Dolores Olmedo, México

La madre de Frida Kahlo no pudo dar el pecho a ésta, pues ya once meses tras su llegada al mundo , nació su hermana Cristina . Por eso fue alimentada por su ama . La relación aquí expresada da la impresión de ser distante , fría y reducida al acto práctico de la alimentación, una impresión que se ve acentuada por la carencia de contacto visual y la máscara que cubre el rostro de la nodriza . La pintora consideraba este cuadro uno de sus trabajos más fuertes. 

La nodriza se nota que no siente ternura por Frida , por eso la pintora ha querido representar esta frialdad por medio de una máscara .La nodriza no abraza ni acaricia a Frida , parece que quiere ofrecerla en sacrificio a los dioses Da la impresión de que Frida quería pintar un ex-voto en la parte inferior del cuadro pero nunca llegó a escribir el texto.

En esta pintura Frida transformo la figura de Madonna y el niño en un reflejo y pérdida de su madre a la que nunca estuvo unida  Frida consideraba esta obra como muy poderosa y que pertenece a una serie de los eventos más significativos e importantes de su vida . Un idolo pre- colombino podía haber servido de modelo para esta pintura.

Mercedes Tamara

23-10-2014

Bibliografía : Frida Khalo , Edic Taschen

MADRE MUERTA CON NIÑA EDVARD MUNCH

MADRE MUERTA CON NIÑA ( 1.897-1899 )

MADRE MUERTA CON NIÑA

óleo sobre lienzo 104,3 x 179 ,3 cm
Munch , Museum Oslo

En este tema Madre muerta con niña  Munch rememora de  nuevo la temprana muerte de su madre, cuya pérdidaen 1.868 , precipitó una crisis al niño y a Sophie , su hermana mayor .Detrás de la cama colocada horizontalmente en el cuadro se encuentran cuatro personas adultas de la familia que expresan mediante gestos nerviosos y reservados , y en su ir y venir cabizbajos , su impotencia frente a la muerte.

Sophie, en cambio, se halla en primer plano vuelta hacía el espectador ; se ha tapado los oídos con las manos como si quisiera ponerse a salvo del dolor que le produce el  silencioso grito de la muerte.

En la versión posterior del cuadro de Bremen, más radical se ha cambiado el formato alargado con una disposición vertical, los miembros de la familia han desaparecido y con ellos todo connato de descripción psicológica ; los que han quedado están solo un retrato de su hermana Sophie . En una vertical monumental , la niña cuya madre ya ce muerta en la horizontal nos hace frente . La pintura al óleo no cubre del todo el fondo blanco del lienzo. Tanto las facciones de la madre como de la niña han sido delineadas con lápiz graso. Tan sólo el cuello blanco, que enmarca la barbilla de la niña, así como parte de las mangas están pintadas de manera que el lienzo queda completamente cubierto

Mercedes Tamara
23-10-2014

Bibliografía : Edvard Munch Edit Taschen

MADRE E HIJA EDVARD MUNCH

MADRE E HIJA ( 1897 )

MADRE E HIJA
óleo sobre lienzo 
Nationalgalleriet, Oslo
133 x 163 cm

Edward Munch comenzó a interesarse por el tema de las relaciones entre madre e hija en 1.896, cuando diseñó para el grupo de teatro vanguardista Théatrede L´Ceuvre de París la escenografía de Peer Gynt. El cuadro de gran formato Madre e Hija de la Galería Nacional de Oslo , pintado hacía 1897 muestra en el primer plano dos mujeres que se pueden identificar como la hermana Inger y la tia Karen Bjöslstad: a sus espaldas se extiende un paisaje que sirve como mero telón de fondo .

La casa roja situada a la izquierda y la grande e inmóvil luna llena que ocupa el centro del cuadro son los únicos" accesorios " que acompañan el mudo diálogo de la joven Solveig y la anciana madre Aase de Peer Gynt.  El óleo diluido y las pinceladas que delatan el movimiento de la mano y el brazo , reconocibles sobre todo en el tercio derecho del cuadro , son los factores que hacen un organismo vivo de la estática escena del teatro.

El paisaje inconcreto , casi abstracto , subraya el hecho de que las figuras están expuestas en medio extraño y pone de relieve el volumen de los cuerpos y los vestidos tansformándolos en hechos pictóricos. La oscura falda de la mujer de más edad, que evita mirar directamente  al espectador , está separado del blanco reluciente del vestido de Inger por una linea rojiazul . Munch consigue hacer brillar el blanco del vestido mediante una refinada matización del fondo . Las personas y el paisaje , el color y las posturas  ( de pie y sentada ) son las notas dominantes de este retrato doble con paisaje.

Mercedes  Tamara
23-10-2014

Bibliografía : Edvard Munch, Edic Taschen

LOS SOLITARIOS ( NOCHE DE VERANO ) EDVARD MUNCH

LOS SOLITARIOS ( NOCHE DE VERANO ) 1906-1907

LOS SOLITARIOS
pintura al temple sobre lienzo sin preparar
80,5 x 159,3
Museum Folkwang Essen

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Munch, por el contrario, elige un tema muy diferente aunque se desarrolla también en la playa . Aquí en la pareja el pintor elige una gran tensión erótica que emana de la pareja . Los demás elementos del cuadro se hallan subordinados a esa tensión . Tanto el mar como la playa simbolizan fuerzas naturalesque, como tales, son afines a la atracción sexual.

En el salón, los lienzos fueron colgados formando un  friso sobre la puerta entre las ventanas . La altura obligó  a Munch a marcar los contornos con fuertes trazos a fin  de que resutasen bien visibles al espectador que contempla

los cuadros a distancia. De especial hermosura es el modo en que la figuras se mueven libremente en su decorado teatral , prestando al cuadro un espacio abierto y un ritmo como Munch no volvería a lograr en su vida : " El contorno de la playa evoluciona como esa linea : fuera se debate el mar y bajo las copas de los árboles discurre la vida con sus goces y penas (...)

Mercedes Tamara 

23-10-2014

Bibliografía : Edvard Munch , Edit Taschen