miércoles, 29 de octubre de 2014

LA LLAVE DEL CAMPO RENÉ MAGRITTE


LA LLAVE DEL CAMPO 1933
La llave del campo
óleo sobre lienzo 90x 60 cm
Madrid, Museo Thyssen Bornemizsa



En 1925, René Magritte , que tras haber formado en la Academia de las Artes de Bruselas bvenía trabajando como cartelista y publicitario, pintó sus primeros cuadros surrealistas bajo la impresión que le produjo la obra de Giorgio de Chirico . En París se integró en el grupo surrealista presidido por André Breton y de 1927 a 1930 vivió en Pierreux-sur Marne , cerca de la capital francesa . Tras este corto lapso de tiempo volvió a Bruselas, donde permaneció  hasta su muerte llevando una vida retirada y nada espectacular , manteniendo hacía fuera  un aspecto de normalidad y cierto aburguesamiento.



La vida del pintor, cuyas apariciones en público desviaban de forma consciente la mirada hacía  su auténtica existencia , dedicada exclusivamente al arte, se percibe como un reflejo de su obra, como un espejo de sus cuadros , cuyo verdadero objetivo, a pesar de todas las apariencias de  banalidad, es la referencia a algo oculto, la inseguridad frente a lo secreto, la evocación de lo misterioso. Los paisajes de Magritte que constituyen buena parte de su obra, se centran justo en esta cuestión y en primer momento dan la impresión de ser más fácilmente comprensibles que los tradicionales. El mismo modo de pintar de Magritte  " realista " y propio de la pinturade carteles; su manera de componer , clara y sencilla y su concentración en lo esencial actúan como un lenguaje obvio y sin sentido oculto . Ahora bien, un análisis más detenido revela la ambigüedad de sus hallazgos pictóricos.




La llave del campo La clef des champs ) es un ejemplo singularmente notable de esta presencia oculta de lo misterioso . A través de una ventana se divisa un paisaje ondulado y suave. Al final de un prado amplio y levemente ascendente hay unos árboles frondosos; sobre ellos, la bóvedade un cielo debilmente azul. Nada turbaría la serenidad de este cuadro si no diese la impresión  de quebrarse ante nuestros ojos: el cristal de la ventana por la que miramos salta en mil pedazos en el momento mismo de nuestra contemplación . Se deshace en minúsculos trozos que misteriosamente permanecen fieles al cuadro delante del cual se encontraban en forma de lámina transparente . Los fragmentos caídos al suelo no son transparentes; actúan como elementos de un rompecabezas que reproduce el paisaje visto a través de la ventana.




¿ Estaba por tanto la perspectiva paisajística pintada sólo en el cristal de la ventana ? ¿ O no se trataba de un vidrio transparente, sino de un cuadro ? Comprobamos que no existe una  explicación unívoca, pues los trozos de cristal son contradictorios; el paisaje continúa intacto y es perfectamente visible tras el cristal roto. Al mismo tiempo, los trozos caídos al suelo se vuelven opacos y reflejan parte del paisaje , en tanto que los pedazos de cristal roto que  continúan en el marco de la ventana siguen siendo transparentes. El espectador se ve obligado a realizar una labor de reconstrucción óptica que, a pesar de todos los esfuerzos, no transmite  una seguridad ajena a cualquier duda.




La relación entre la realidad y la pintura se ha alterado rotundamente; aunque pintada al modo ilusionista, la obra de Magritte no transmite una fe segura en la identidad del cuadro y de la  copia. Esta seguridad , garantizada en la pintura antigua a través de los siglos y evocada como trompe-l´oeil por las cortinas desplazadas lateralmente delante de la ventana, ya no existe.





" mi pintura consiste en imágenes

visibles que no ocultan nada; evocan
el misterio...El misterio tampoco quiere
decir nada , es incognoscible " 

Mercedes Tamara 
29-10-2014

Bibliografía : René Magritte, Edit Taschen

AUTORRETRATO EN LA FRONTERA ENTRE MÉXICO Y LOS ESTADOS UNIDOS FRIDA KHALO

AUTORRETRATO EN LA FRONTERA ENTRE MÉXICO Y LOS ESTADOS UNIDOS 1932
Autorretrato en la frontera entre México y Estados Unidos
óleo sobre metal 31 x 35 cm
Colección particular




En este cuadro se hace patente la posición ambivalente de Frida Kahlo ante " Gringolandia "Atavíada con un elegante vestido rosa y sosteniendo una banderita mexicana en su mano izquierda, se yergue como una estatua sobre un pedestal ante un mundo dividido en dos : el mundo mexicano preñado de historia , determinado por los poderes de la naturaleza y el ciclo vital y el mundo muerto norteamericano dominado por la técnica. Frida Kahlo se siente traida y llevada entre estos dos espacios vitales tan opuestos. En una mano sostiene una banderita mexicana y en la otra un cigarrillo. A pesar de su admiración por el progreso industrial de USA, la nacionalista mexicana no se sentía a gusto en el Nuevo Mundo . " El gringuerío no me cae del todo bien " , escribía a una amiga de México, " son gente muy sosa y todos tienen la cara de bizcochos crudos,

Y así renegaba en una carta a una amiga ;" La High Society me saca de quicio y me subleva, todos estos tipos ricos , pues he visto a miles de personas ricas en la peor de las miserias, sin lo mínimo para comer y un lugar para dormir ; es lo que más me ha impresionado : es espantoso ver a estos ricos que celebran fiestas días y noches ...mientras miles y miles de personas mueren de hambre...Aun cuando me interesara mucho ese progreso industrial y mecánico de USA , encuentro que los americanos carecen de sensibilidad y sentido del decoro. Viven como en un enorme gallinero sucio e incómodo . Las casas parecen hornos de pan y el tan llevado y traído  confort no es más que un mito.


Su admiración por la técnica no carecia de crítica. El que está consciente de las desventajas  del progreso , consta en la representación del mundo industrial muerto , donde predominan  los colores grises y azul. La plasmación del mundo mexicano , por el contrario , está dominada  por cálidos colores de la tierra y de la naturaleza . De la tierra brotan flores y los productos  de la creación humana , escultura y pirámides, son de materiales naturales , Esta contraposición

entre lo artificial y lo natural se hace patente en muchos detalles . Las nubes del cielo mexicano tienen su contrapartida en una nube de humo que sale de la chimenea de la fábrica textil. El  variado mundo vegetal de un lado está sustituido en el otro con cables, que con sus raíces obtienen la energía del suelo. El mundo industrial americano parece sin vida, mientras que en el lado mexicano vemos dos ídolos de la fertilidad y una calavera simbolizando el ciclo vital.

Los dioses de USA ,los industriales, los banqueros y dueños de fábrica que habitan los templos de la gran ciudad, los rascacielos, tienen su contrapunto en las deidades mexicanas Quetzacoalt y Tezcarlipoca, representadas por medio del sol y la luna sobre las ruínas de un templo precolombino



Mercedes Tamara
29-10-2014

Bibliografia : Frida Khalo, Edit Taschen

domingo, 26 de octubre de 2014

PECES DE PLATA ( HADAS ACUÁTICAS ) GUSTAV KLIMT

PECES DE PLATA ( HADAS ACUÁTICAS ) 1899
Peces de plata
óleo sobre lienzo 82 x 52 cm
Zentralparkasse, Viena



Una vez configurada la iconografía de la mujerninfa tras la realización en 1898 de Sangre de pez y Agua en movimiento, Gustav Klimt adoptó el tema como principal motivo de su producción artística por aunar el poder erótico de la figura femenina  con el lirismo del medio acuático. En 1899, año en que se celebraron la III y IV  Exposición de la Secesión vienesa, el pintor realizó Peces de plata , también conocido como Hadas acuáticas, obra que contrasta fuertemente con aquella que realizaría entre 1901 y 1902 con el mismo tema Peces de oro.




En Peces de plata , nos encontramos con unas ondinas, las ninfas de las aguas pertenecientes a las mitologías germánica y escandinava, representadas con el aspecto siniestro y amenazador , propio de la femme fatale presente en la producción del pintor en ejemplos como Judith I (1901 ) y Judith II / Salomé ( 1909 ).





Peces de oro ( detalle )


Sus cuerpos ya no presentan las formas en aras de disolución que se observa en Agua en movimiento ; sus cabezas son los restos de una anatomía ya desaparecida y encarnada por unas ondas sinuosas de tonos oscuros que muestran la herencia  de la lineas y la fantasía del Jugendftil. Sobre un fondo verde que alude a la acuosidad viscosa de unas algas que las ondinas parecen encarnar en la inmovilidad de su disposición vertical, son las miradas agresivas y las bocas entreabiertas y sedientas,los elementos que absorben la atención del espectador y que lo sumen en un universo donde conviven erotismo y muerte.





Mercedes Tamara 
26-10-2014


Bibliografia : Gustav Klimt, Edic Taschen

PECES DE ORO GUSTAV KLIMT


PECES DE ORO 1901-1902

Peces de oro
óleo sobre lienzo 150 x 46 cm
Colecció privada




Después de Peces de plata ( Hadas acuáticas ), Gustav Klimt realizó Peces de oro,en febrero de 1902. Objeto de escándalo por la actitud de la ondina que, risueña,ofrece su trasero al espectador , la obra fue interpretada como un desafío al conjunto de los sectores oficiales , llegándose a exigir su retirada dela inaguración de la Gran Muestra de Dresde en 1904 , por la asistencia del príncipe de Sajonia


Peces de oro ( detalle )






La composición posee un fuerte movimiento ascendente en la distribución de las ninfas pese a su ingravidez flotante propia del medio acuoso en el que se encuentran en que envuelven sus cuerpos entre largos y llameantes cabellos. No sólo en este  dinamismo se aleja Peces de oro de su antecesor Peces de plata . Los rostros son  frescos y generosos, muy alejados de la agresividad amenazadora de la femme fatale, y la jovialidad que desprende el conjunto se ve incrementada por el empleode tonos cálidos entre los que predomina el dorado , tan habitual en las creaciones de Gustav Klimt a partir de estos años.




Mercedes Tamara 
26-10-2014


Bibliografía: Gustav Klimt, Edic Taschen

NOCHE DE VERANO : INGER EN LA PLAYA EDVARD MUNCH

NOCHE DE VERANO : INGER EN LA PLAYA 1889
Noche de verano, Inger en la playa
óleo sobre lienzo 126,5 x 162 cm
Colección Ramus Meyer, Bergen




Noche de verano : Inger en la playa fue pintado de Edvard Munch durante el verano que pasó en Aagaardstrand. Mientras que el retrato de su hermana Inger, a los catorce años , vestida con el traje de confirmación , está adscrito como obra de juventud a la tradición decimonómica del retrato ; en Noche de verano se anuncia ya la aportación original de Munch a la pintura del siglo XIX tardío, el paso del viejo al nuevo siglo , que el pintor dio con una consecuencia ejemplar.

Una mujer joven vestida de blanco ( el título de Inger en la playa indica que se trata de la joven hermana del pintor ) está sentada de perfil sobre una de las grandes rocas de granito , a sus espaldas hay unas varillas de nasa y una barca de pescadores, huella apenas discernible de actividad humana en el paisaje.

Las rocas cubiertas de musgo verde el claro vestido luminoso, así como las ondas rojiazules apenas insinuadas sobre la superficie del agua , forman los elementos fundamentales del cuadro.

La luz del verano nórdico, intensa pero indirecta , tiene su correspondencia en la serena actitud de la joven. Llama la atención el fino colorido logrado esencialmente a base de la oposición entre azul y rojo. Luz y colores, la figura humana y el paisaje , se funden en una nueva impresión de conjunto.

El no pinta lo que ve sino lo que vió ( es una forma de organizar los elementos del cuadro a basede recuerdos ) 



Mercedes Tamara
26-10-2014

Bibliografía. Edvard Munch, Edit Taschen

sábado, 25 de octubre de 2014

LA NIÑA ENFERMA EDVARD MUNCH

LA NIÑA ENFERMA  1885


La niña enferma
óleo sobre lienzo 119, 5x 118,5 cm
Oslo, Nasjonalgalleriet






Entre los simbolistas la experiencia que se buscaba preferentemente fuera de las normas morales vigentes se refleja sobre todo en el trato que se da al amor y a la sexualidad. Pero los simbolistas buscaban también sus sueños en el ensimismamiento meditativo y, en definitiva, en el trato de las últimas verdades. Munch es buena muestra de ello , pues hasta muy entrada la década de 1890 visualizó de modo casi obsesivo el amor, la muerte, la sexualidad-un cuadro como Pubertad , de hacía 1893 , es un ejemplo excepcional de esto- y la lucha entre los sexos.

Con la creación de este artista meditabundo y atormentado por el miedo a la vida , Dios desaparece de la naturaleza y del mundo del romanticismo . Esto se puede afirmar también en este cuadro conmovedor , La niña enfermaque Munch pintó en 1885/86 y retocó en la década de 1890 . Desde entonces , este tema no le abandonó ya; aproximadamente cada diez años volvió sobre él,sin contar con varias versiones gráficas .

Desde el punto de vista de la composición , la primera versión fue vinculante también para todas las futuras La mirada del observador es dirigida por las diagonales de fuerte perspectiva que forman una cómoda y una pequeña mesa cortadas por el marco, hacía el sillón situado oblicuamente en el cuadro y en el que aparece sentada una muchacha pelirroja , con el cuerpo y la cabeza apoyados en una inmensa almohada , mientras la mano derecha , inane, reposa sobre la manta ; toda la figura aparece inmensa en el estrecho retículo formado por lineas verticales , horizontales y diagonales que dejan libres los elementos del interior.

La mano izquierda se funde -exactamente en el centro del cuadro, en el punto de intersección de la composición reducida a una mancha de color abstracta -con la de una mujer mayor , que aparece sentada junto a la enferma ,con la cabeza agachada , dando consuelo y sin embargo  sumida en la desesperación.

 La muchacha vuelve el rostro -el pálido encarnado parece " diluirse " ya en el blanco de la almohada -hacía su madre ; al mismo tiempo mira hacía la derecha , donde un cortinaje permite suponer una ventana a pesar de que sorprendentemente no entra la luz desde allí La ventana se opone así al deseo de la muchacha de mirar hacía fuera : la ventana" ciega" se convierte en metáfora de la muerte.


Mercedes Tamara
25-10-2014

Bibliografía : Edvard Munch Edit Taschen

EL PUENTE EDVARD MUNCH

EL PUENTE 1899
El puente
óleo sobre lienzo 136 x 125,5 cm
Munch, Museum Oslo


El arte de Edvard Munch ( 1863-1944) está tan intimamente asociado con los temas de  la angustia y la desesperación que es fácil olvidar que también pintó escenas de gran  belleza lírica . Cuando realizó este cuadro vivía en Alemania , pero volvía con frecuencia a su casa de Noruega y esta hermosa obra se terminó durante uno de esos breves interludios .


La escena tiene lugar sobre un puente que conduce al muelle de vapores de Asgarstrand donde Munch alquiló una casa durante el verano. Se trata de una temprana versión del  asunto, pero tal como acostumbraba cuando estaba satisfecho con una imagen, Munch  trabajó en el tema sin cesar experimentando con diferentes disposiciones de las figuras. También probó con medios distintos , junto con varios cuadros del tema , realizó versiones en litografía y grabado en madera . 


A simple vista , el cuadro de Munch es una celebración de las largas noches de verano de Noruega, cuando nunca oscurece por completo . De hecho, el título original de este cuadro era Noche de verano. Además trata del despertar sexual de las muchachas. En este contexto  la forma fálica del árbol adquiere un nuevo significado . Durante la década de 1890,el artista concibió el plan de conformar un friso de la vida , que describió como " un poema de vida,  amor y muerte " 


Una sección estaba dedicada a la pubertad y a las primeras manifestaciones del deseo  inocente . Es posible que esta obra de Munch recogiera la influencia de la controvertida  obra El despertar de la primavera de Frank Wedwkind ( 1891) que trataba el tema del  amor adolescente 


Mercedes Tamara
25-10-2014


Bibliografía : Edvard Munch. Edit Taschen

FIGURA EN UNA MESA MUCHACHA ACODADA SALVADOR DALI

                            FIGURA EN UNA MESA MUCHACHA ACODADA 1925 Figura en una mesa, muchacha acodada óleo sobre cartón sobre tabla 46 x...