jueves, 10 de octubre de 2013

JIRAFA EN LLAMAS SALVADOR DALI


JIRAFA EN LLAMAS 1936


Jirafa en llamas
óleo sobre madera 35 x 27 cm
Basilea, Kunstmuseum Basel, Emannuel G¡Hoffmann Stiftung






El famoso motivo del cuerpo humano con cajones aparece varias veces en las obras dalinianas de 1936. El ejemplo más provocativo es una copia de la Venus de Milo , equipada por Salvador Dali en las zonas del vientre , de los pechos ,de la cabeza y de las rodillas con cajones extraídos de coquetas borlas de piel . La sintesis de la belleza clásica , siempre admirada y citada en la pintura europea desde la Edad Media hasta la época moderna, no sólo se reduce a la condición de objeto en esta estatua clásica tan manipulada , sino que incluso es radicalmente cuestionada. En este caso se trata menos de los problemas que plantea el concepto de belleza transmitido por la Venus de Milo que de las tesis defendidas por los surrealistas de que el idealismo, el equilibrio y la armonía del cuerpo humano representados por la estatua clásica reflejan una concepción resquebrajada 


Tras su bella apariencia se oculta lo inesperado, lo desconcertante, lo angustiante, idea visualizada en la imagen de los cajones que, supuestamente facilitan el acceso al interior del ser humano










Venus de Milo con cajones 1936




Lo traumático de esta concepción se manifiesta en Jirafa en llamas ( Giraffe en llammes ) cuadro pintado por Dali el mismo año que Venus de Milo con cajones.El blanco clásico de la estatua se ha convertido en un intenso azul fantasmagórico,el color de la noche que se extiende no sólo sobre el cielo , sino también sobre las dos figuras femeninas que se mueven lentamente como sonámbulas , con los ojos cerrados. Sus cuerpos escuálidos y huesudos, impedidos por cajones , protuberancias naturales y muletas, tantean el camino con suma dificultad. La equilibrada posición de la Venus de Milo ha dado paso a un difícil número de equilibrio, el esforzado intento de alcanzar la estabilidad sabiendo que soportar el peso del misterioso contenido de los cajones . Las figuras se mantienen erguidas sólo gracias a sus muletas y quedan ciegas a merced de una noche que, supuestamente, debe interpretarse como alegoría ; representa el " otro lado "de la persona, los ámbitos inconscientes de su propio yo, a los que no puede acceder ni es capaz de controlar racionalmente, a pesar de que condicionan su vida.


El ser humano no sabe adónde va ni qué es lo que le impulsa Vive en un mundo que a él , que ha quedado fuera de la naturaleza , se le ha vuelto extraño. La jirafa, en llamas podría concebirse como un símbolo de lo absurdo de la existencia humana en el mundo moderno.: " En oposición al ser humano. el animal es todavía la naturaleza en orden. Su esencia animal parece indestructible . La jirafa , que sencillamente se quema, está aliada con los elementos. Puede entregarse a las llamas, sin pensar,sin pasión, sin parecerse a ellas. El reino de la naturaleza, de los minerales, de los elementos es duradero y el animal forma parte del mismo.El ser humano , por el contrario, está sometido al tiempo, el envejecimiento, a la fugacidad, elementos que han perfilado repetidamente a la sonámbula de nuestro cuadro en los rasgos de la cara, en las manos y en los movimientos.




Mercedes Tamara
10-10-2013
Bibliografía : Dalí , Edic Dawn Adex

miércoles, 9 de octubre de 2013

EL ALMUERZO CAMPESTRE SEGÚN MANET PABLO PICASSO

EL ALMUERZO CAMPESTRE SEGÚN MANET 1960
El almuerzo campestre según Manet

óleo sobre lienzo 230 x 195 cm
Museo Nacional Picasso, Paris




Este valioso lienzo pertenece a un amplio grupo de obras que Picasso dedicó a escudriñar en profundidad el renombrado cuadro de Edouard Manet. dentro del considerable apartado de su producción especializada en la interpretación de las pinturas de grandes maestros. Precisamente . el contenido de esta ìeza que hoy pertenece al parisiense Museo de Orsay, ejecutada en 1863 suscitó un gran escándalo en los círculos sociales y artísticos del mundo francés cultivado del Segundo Imperio, no obstante, haberse inspirado, según se supo después , en precedentes de Rafael y Giorgione.
A su análisis, el pintor malagueño dedicó una larga serie de indagaciones que dieron lugar a múltiples creaciones : 37 óleos, 5 esculturas, 18 maquetas de cartón , 150 dibujos y grabados al linóleo . Conociendo el interés de Picasso por Manet , no debe sorprender tan larga sucesión de secuencias interrogadoras del famoso asunto , puesto que de arrancarle sus secretos se trataba.
Tan compleja y fecunda tarea le llevó un dilatado período temporal , desde febrero de 1960 hasta agosto de 1962. Aquí se advierte la pautada fidelidad picassiana al original de Manet , autor que, por otra parte, habiendo sido uno de los que más se vinculó a la escuela pictórica española del Siglo de Oro, en plena centuria decimonómica , poseía para el autor del Guernica , un gran número de facetas que le era preciso descubrir; en este trance, incluso, recurrió a la simplificación del croimatismo, restringuiendo la variedad de colores de su paleta , así como la sobriedad en la reproducción de los esquemas fundamentales de la composición. Su conducta estética produjo sus frutos y hoy puede admirarse los numerosos, entretenidos y recurrentes resultados de tan lúcida tendencia a la recuperación del espíritu de aquel gran amigo de los impresionistas que fue Manet, aunque nunca fuese su compañero de viaje artístico en estrictos términos.

Bibliografía : Picasso, Edic Taschen
Mercedes Tamara
9-10-2013

lunes, 7 de octubre de 2013

EL SUEÑO SALVADOR DALI

EL SUEÑO 1937
El sueño
óleo sobre lienzo 50,2x 76,7 cm
Colección privada




En El sueño encontramos una de las imágenes más poderosas y memorables de Dali. La monumental cabeza ocupa todo el primer término, en un límpido paisaje que encarna lo que James Thrall Soby definía como el " nuevo y deliberado lirismo "de las escenas en las playas de Roses, como en Imagen paranoico astral . Esta cabeza es una revisión de los autorretratos blandos anteriores que aparecen en El gran masturbador  o La persistencia de la memoria. A diferencia de El gran masturbador , donde la cabeza se precipita, humillada, hacía el suelo, en este cuadro se muestra erguida , sostenida con delicadeza por unas finas muletas. Las facciones están fuertemente marcadas mientras que en los ejemplos anteriores la cabeza carece de boca y las facciones se disimulan terriblemente, aquí los labios son exageradamente prominentes. 
Sobre la parte posterior de la cabeza se halla un retazo de ropa que recuerda a la esclavina de lino blanco que luce el ciclista de Un perro andaluz . la pálida luz del fondo, contra la que contrasta la cabeza, queda destacada y enmarcada por los azules de la parte superior y la sombra de la parte inferior. Las muletas proyectan finas sombras y, a medida que el cielo se oscurece, se va distinguiendo la luna. La cabeza de El sueño ha sido comparada con una famosa roca del cabo de Creus conocida como la " roca durmiente ". Pero esta cabeza es suave y la blandura de su piel hace hace que se alargue hasta quedar colgando sobre una muketa a la derecha de la imagen, como si de un saco vacío o un globo deshinchado se tratase.
La silueta recuerda también la de los pianos de cola de cuadros como Cráneos con apéndices líricos ( 1934 ).Vemos, pues, que la simple forma de la cabeza permite muchas y variadas asociaciones. Sin embargo, no son estas asociaciones ni las interpretaciones potenciales del suelo lo que aquí importa, sino la idea de " condensación ". Para Freud , la condensación representa " el mayor logro del sueño ". En la parte de los sueños que se nos manifiesta, las personas y objetos tienden a aparecer como compuestos, es decir, uniendo en un mismo elemento lo que en realidad son elementos distintos. " El mecanismo onírico " escribe Freud, " trata de condensar los pensamientos diferentes buscando-como en los chistes- una palabra ambigua en la que los pensamientos puedan aunarse " En este sentido, Dali no estaba tratando de plasmar el contenido, latente o manifiesto, , de ningún sueño, sino más bien una lúcida visualización de los mecanismos psíquicos de la producción de sueños.
Acerca de El sueño ,declaró que " para que pueda producirse el sueño , es primordial que exista un conjunto de muletas en equilibrio psíquico. Sólo que nos falte una, despertaríamos y, lo más importante, la barquita desaparecería de inmediato " Las muletas podrían simbolizar el hecho mismo del sueño, el misterioso conjunto de operaciones inconscientes que ordenan, traducen y codifican los deseos ocultos,produciendo condensaciones y desviaciones inusitadas con el objetivo de evitar estados de ansiedad tan acentuados que pudiesen llegar a despertar alsujeto durmiente


Mercedes Tamara
7-10-2013



Bibliografía : Dali, Edic Taschen

domingo, 6 de octubre de 2013

BOTELLA, COPA Y TRES CUENCOS PABLO PICASSO

BOTELLA, COPA Y TRES CUENCOS 1908


Botella , copa y tres cuencos 
Óleo sobre cartón 66x 50,5 cm
Hermitage , San Petesburgo




Encima de una supuesta mesa , de rara apariencia circular, se advierten cinco piezas de distinta formulación y contrastada posición : tres cuencos cuya altura disminuye progresivamente, según su colocación retroceden hasta el último término , una botella oscura que ocupa la posición central respecto de las precedentes y una copa de remate , dispuesta sobre ella.


El fondo sombrío e impreciso , ofrece una superficie que permite destacar el conjunto en medio de un espacio de clara coherencia , al que los componentes aportan un juego de volúmenes hábilmente contrapuestos , tanto por sus formas y colores como por su asiento .


Se trata de un cuadro severamente monumental , sobriamente concebido pero, al mismo tiempo,consagrado a la valoración de las entidades de los objetos por lo que pueden tener de rotundos ,logrando a la vez un efectismo grato a la vista y una poderosa fuerza expresiva subyacente .


La entonación general es acertada , no obstante la combinación de gama cálida y gama fría , al basarse en una sucesión de tonalidades que pueden parecer inicialmente contrarias , pero que debido a su magistral superposición, acaban siendo coincidentes. Pero cierta evocación de obras similares de Cézanne -aquellos bodegones más geometrizados tipicamente precubistas -,; al armonizar lineas rectas y curvas logra una curiosa interdependencia entre estatismo y dinamismo .


 A la vez combina elementos de la Geometría en el espacio , aplana sus redondeces ,confronta luces con sombras y hace referencia a los bodegones del Siglo de Oro , del tipo de los de Van der Hamen, Espinosa o Zurbarán , así como a ciertos ejemplos de los de Luís Meléndez pertenecientes a la segunda mitad del siglo XVIII, aunque secretamente parece aludir a la cacharrería y a la copa existente en El aguador de Velázquez del Museo Wellington 
de Londres .

Bibliografía : Picasso, Edic Taschen

Mercedes Tamara Lempicka
6 -10-2013

AUTORRETRATO BLANDO CON BEICON FRITO SALVADOR DALI

AUTORRETRATO BLANDO CON BEICON FRITO 1941


Autorretrato blando con beicon frito
óleo sobre lienzo
Fundación Gala- Salvador Dali 


La intervención expresa de Dalí en Autorretrato blando con beicon  frito era crear lo que el mismo llamó un autorretrato antipsicológico :" En lugar de reflejar el alma , el interior, quería pintar únicamente el exterior ,el envoltorio, el guante de uno mismo " . 

Todo esto se aleja enormemente de la obsesión de Dalí por examinar las diferentes facetas de un objeto que la mente puede crear consciente o inconscientemente.


En esta extraordinaria obra , Dalí se representa a si mismo como una máscara flexible de su rostro , que se ablanda de una manera que evoca a los famosos relojes blandos de sus comienzos. El rostro aparece sobre un pedestal clásico con el título grabado en inglés , y , apoyado sobre nueve muletas del tipo que aparecen en muchas de sus obras . La muleta más grande está mordida, lo que sugiere que toda su estructura podría derrumbarse .


Dalí coloca una loncha de beicon sobre el pedestal, una referencia a su fetichismo por la comida y el placer oral. Quiere que el espectador piense en el sabor y olor de la comida , para crear la imagen de " guante " de si mismo como algo comestible e incluso de sabor un poco fuerte.


Bibliografía : Dalí, Edic Taschen


Mercedes Tamara Lempicka 
6-10-2013

viernes, 4 de octubre de 2013

LIBRO TRANSFORMÁNDOSE EN MUJER DESNUDA SALVADOR DALI

LIBRO TRANSFORMÁNDOSE EN MUJER DESNUDA 1940
Libro transformándose en mujer desnuda
óleo sobre lienzo 41,27 x 51 cm
Colección particular







Este cuadro no ha sido mostrado al público desde el verano de 1941 , en que se exhibió en el Arts Club de Chicago. Esta exposición de Dali tuvo su origen en  Nueva York , varios meses antes, donde Libro transformándose en una mujer desnuda fue expuesto por primera vez en la sexta ( y, última exposición del artista en la galeria Julien Levy. La crisis en el mercado neoyorquino de arte había obligado a Levy a llevar esta exposición a espacios de Chicago y Los Angeles con la esperanza de aumentar las ventas . Esta " caravana del arte " como la bautizó Levy, concluyó con éxito cuando Libro transformándose en mujer desnuda fue adquirido por un coleccionista de Nueva York poco después de la clausura de la exposición de Chicago el 14 de junio de 1941. El cuadro no viajó al espacio de la exposición en Los Angeles; que se inauguró en septiembre de 1941 y desde ese momento no estuvo expuesto al público durante décadas . Como resultado , la obra no se incluyó en la reflexión que redactó el artista para el catálogo, editado por Robert Deschames, ni en una exposición celebrada más adelante dedicada al pintor.








Visto por primera vez más de medio siglo después, esta alegoría clarividente de creación e inspiración artísticas puede decirnos mucho sobre los métodos de trabajo de Dali y sus intereses temáticos en las obras que produjo poco después  del estallido de la Segunda Guerra Mundial . El cuadro está dominado por un enorme libro abierto , cuyas páginas infladas están en proceso de metamorfosis hasta convertirse en una mujer agachada . Las nalgas rechonchas de esta mujer  reclinada están separadas por la reluciente hoja de un cuchillo; un detalle sádico que recuerda al cuadro del artista Canibalismo otoñal de 1936, donde la carne humana está rebanada de forma similar, cortada y extraída con utensilios para comer. La metamorfosis pigmaliónica del libro, cuyo papel pasa a transformarse en la piel y los huesos de la mujer " completa " es presentada por una figura inquisitiva de cabeza calva, ya vista en cuadros anteriores como en Filósofe dominado por la luz de la luna y el sol del crepúsculo de 1939.




La anatomía de esta figura de piel oscura , que está apoyada en una muleta sostiene en alto una órbita similar a un cráneo , tiene reminiscencias de la imagen del libro mujer , mientras su calva esférica armoniza deliciosamente con la enorme concha del lado derecho de la composición . En otra parte del cuadro, otro volumen de páginas en blanco está abierto como un lazo como punto de lectura que cae con languidez a los pies de la página. Este símbolo fálico puede haberse devorado del flácido lazo de color rojo que emerge del libro amarillo en El cerebro del niño de Giorgio de Chirico de 1914, una obra talismán para el grupo surrealista como Breton y Max Ernst como fantasía freudiana relacionada con el padre del artista. En esta obra se muestra la figura del padre con los ojos cerrados, de piel pálida y desnudo de cintura para arriba y parece que se está masturbando detrás de una cortina de encaje a medio correr. Esta interpretación viene sugerida por la por la postura oculta de las manos y la aparente expresión de complacencia erótica de su fantasmal rostro, mientras la delgada cinta de tela roja, colocada de forma estratégica, que emerge de las páginas del libro en el inmediato primer plano se entiende desde hace tiempo como una alegoría del pene.




Dali utilizó numerosas referencias a El cerebro del niño en sus cuadros de principios de la década de 1930, sobre todo en sus obras relativas al tema de Guillermo Tell,que a menudo contiene escenas de su padre, realizando prácticas sexuales parcialmente ocultas. El padre del artista también aparece en Libro transformándose en mujer desnuda , donde adopta la forma de un solitario tintero relacionado con la profesión de su padre, que era notario en Figueras. Aunque, sin duda, se trata de un símbolo de autoridad paterna, el tintero puede entenderse también como referencia al misterioso y transformador poder de la creación artística, mientras que la idea de la mujer como fuente de inspiración era un topo frecuente en la obra de Dali.



La fe inquebrantable del artista en la capacidad del cuadro para trascender las fútiles realidades del mundo exterior, así como sus conflictos personales ,no estaría nunca tan latente como en esta obra , pintada " en estos caóticos tiempos de confusión de derrota aplastante y creciente desmoralización " que le habían obligado a huir de Europa a Estados Unido








Mercedes Tamara
4 -10-2013


Bibliografía : Dalí, Edic Down Adex

martes, 1 de octubre de 2013

LA ASCENSIÓN SALVADOR DALI

LA ASCENSIÓN ,1958
La Ascensión
óleo sobre lienzo 115 x 125 cm
México, colección JAPS









El elemento más impactante visualmente de La Ascensión de Dali es su hábil escorzo de la figura de Cristo, junto a la composición triangular del cuadro y el paisaje marino de Port LLigat , evoca a su Cristo de San Juan de la Cruz ( 1951 ) .Teniendo en cuenta que la Ascensión de Cristo a los cielos es el contrapunto a su crucifixión , resulta apropiado que ambas composiciones de Dali sean tan parecidas en forma. Es posible que se sintiera particularmente inclinado a pintar la Ascensión en 1958, el año en que él y Gala se casaron por el rito católico. La esfera amarilla hacía la que el Cristo se eleva se asemeja a flósculos en espiral de un girasol, uno de los ejemplos logaritmicos de Dalí según la conferencia que impartió en la Sorbona en el año 1955: " Sobre los aspectos fenomenológicos del método paranoíco crítico ". Igual que en el caso de numerosas especies de plantas , los flósculos de girasol se distribuyen en series opuestas de espirales logarítmicas que parten de un centro común. En los flósculos del girasol , la ratio de espirales en sentido horario y en sentido antihorario es de 21,34 que corresponde a dos números adyacentes de la secuencia de Fibronacci: la serie aritmética en la que cada número es la suma de de los dos números anteriores . A medida que la secuencia de Fibronacci se acerca al infinito , la ratio de un número determinado con respecto a su número anterior se aproxima más a la "Divina Proporción " por Luca Paccioli





El papel de Gala resulta ambiguo. Su yuxtaposición con la paloma sugiere que tal vez represente al Espíritu Santo o, a causa de su enigmática lágrima a María Magdalena llorando, el primer testigo reconocido de la resurrección de Cristo. Sin embargo, en la interpretación de Gala como la Virgen Maria , la que otorga mayor credibilidad a la relación entre la sorprendente perspectiva y la obra en sí de la Ascensión y El Cristo de san Juan de la Cruz. En su Diario de un genio
de 1964. Dalí realizó dos comentarios a propósito de la Asunción de la Virgen que puede arrojar alguna luz sobre esta relación inversa . En primer lugar,  declara que llamará a la Asunción a una " Ascensión " , un mal uso deliberado del término , inducido por su interpretación poco ortodoxa del dogma " Aunque  la Asunción de Maria y la Ascensión de Cristo son, según la doctrina católica, muy diferentes-Jesús ascendió en virtud de su propio poder mientras que la Virgen Maria fue elevada al Cielo por el poder de Dios- de forma completamente  consciente.




Dalí la describe a ambas como " ascensiones " porque, según él, la Virgen como  Cristo también ascendió en virtud de su propio poder : " La Virgen no asciende al cielo rezando-explica- Sube hacía él impulsada por la fuerza misma de sus antiprotones " . Del mismo modo, Dali emplea la noción de partículas en sus antipartículas correspondientes, que, al colisonar , se aniquilan entre sí y crean energía cinética: las explosiones intratómicas resultantes " catapultan " a la Virgen hacía el cielo , sostiene el artista . " Todo lo contrario de la santa debilidad-prosigue- la Virgen si es la supermujer quien, de acuerdo con el sueño de los cinco sacos de garbanzos subirá al cielo " una descripción paradójica derivada de su idea para obtener una Asunción fotográfica, tal como se explica en el Diario de un genio. Allí , Dalí propone arrojar un saco grande de garbanzos desde una altura de diez metros y medio. Mientras los garbanzos caen al suelo, se debería proyectar una imagen del revés de la Virgen en la cascada que crean.




Los garbanzos separados unos de otros " como los corpúsculos del átomo " reflejarán cada uno de ellos una porción de imagen y mientras esta va pasando  hacía abajo , el efecto será similar a una Asunción atómica tal como aparece ilustrada en su obra de 1952 Assumpta corpuscularia lapilazulina. Teniendo en cuenta su admiración por el arquitecto catalán Antonio Gaudí , cabe sugerir una afinidad entre la Asunción invertida de Dali " cayendo en el cielo " y la técnica  de Gaudí de diseñar sus edificios basándose en maquetas invertidas realizadas con cordeles de los que suspendía saquitos de tela ( como el proyecto de la cripta de la iglesia de la Colonia Güell





Mercedes Tamara
1-10-2013


Bibliografia; Dali
Ediciones de Dawn Adex




Mercedes Tamara
1-10-2013


FIGURA EN UNA MESA MUCHACHA ACODADA SALVADOR DALI

                            FIGURA EN UNA MESA MUCHACHA ACODADA 1925 Figura en una mesa, muchacha acodada óleo sobre cartón sobre tabla 46 x...