DIEGO Y YO FRIDA KHALO

 DIEGO Y YO 1949

Diego y yo
Óleo sobre lienzo 28 x 22 cm
Colección particular

Diego y yo es una obra de la pintora mexicana Frida Kahlo realizada en 1949. Se trata de autorretrato que muestra el rostro de Frida llorando, mientras en su frente, apoyado sobre sus tupidas cejas reproduce un retrato de su esposo Diego Rivera. El cuadro pertenece a una colección particular (Mary Anne Martin Fine Arts Nueva York) y fue subastado en Sotheby's en 1990, alcanzando un valor de 1.430.000 dólares.

Frida era su chiquita y Diego su "príncipe sapo". Sin embargo, el transcurrir de este amor no fue nunca fácil para Frida y Diego. Al poco tiempo de su matrimonio en 1929 empezaron los problemas. La relación tocó uno de los puntos más bajos en 1949, cuando Diego anunció a Frida sus intenciones de un segundo divorcio para casarse con la estrella de cine, María Félix, con quien mantenía un romance. A pesar de que nada de esto resultó y Diego permaneció al lado de Frida, ella terminó profundamente herida. El autorretrato Diego y yo se enmarca en el contexto de esta experiencia vivida. 

El rostro por Frida representado mira al espectador con mirada triste .

Los largos cabellos se han enredado al cuello y amenazan con estrangularla . Una vez más los cabellos son el modo expresivo del dolor del alma. 

Frida sentía mucha admiración por Diego Rivera El dolor que sintió  la artista por la infidelidad de su marido está reflejada por medio de un pequeño retrato del pintor que Frida ha situado en su frente El tercer ojo que ha situado sobre la frente de Rivera da entender que la artista consideraba al artista superior intelectualmente y también admiraba su pintura y lo simboliza por medio de un tercer ojo

Por años, Frida hizo chistes y se rio de las infidelidades y las muchas  indiscreciones de Diego. Conservó además su relación de amistad con María Félix durante y después de este incidente. Pero las lágrimas de Frida en este retrato nos muestran su pena y el dolor que le causa en este momento de la vida  ante la posibilidad de perderlo nuevamente. Sentimientos  ambivalentes que  en muchos sentidos eran recíprocos

Mercedes Tamara

13-11-2014

Bibliografía : Wikipedia

PENSANDO EN LA MUERTE FRIDA KAHLO

PENSANDO EN LA MUERTE 1943

Pensando en la muerte
Masonite 44.5 x 37 cm
Colección Dolores Olmedo

Magdalena del Carmen Frida Kahlo Calderón, más conocida como Frida Kahlo (Coyoacán, 6 de julio de 1907- Coyoacán, 13 de julio de 1954), fue una pintora y poetisa mexicana. Casada con el célebre muralista mexicano Diego Rivera, su vida estuvo cruzada por el infortunio de una enfermedad infantil y por un grave accidente en su juventud que la mantuvo postrada en cama durante largos periodos, llegando a someterse hasta a 32 operaciones quirúrgicas.

La muerte , en la vieja acepción mexicana, significa también renacimiento y vida . Así, la muerte está representada en este autorretrato ante un fondo de ramas espinosas expuestas con todo detalle . Con este símbolo de la mitología prehispana alude la pintora al renacimiento que sigue a la muerte . Pero la muerte es entendida como un camino o transición hacía una vida diferente.

Es muy significativo que Frida muestre en muchos de sus autorretratos un ojo en la frente Este ojo trata de simbolizar el reflejo de su espíritu o de significar que existe una conciencia lúcida o bien, cuando aparece sobre el rostro de Diego Rivera, ese ojo simboliza para Frida la agudeza visual del muralista mexicano.

En Pensando en la muerte la idea del tercer ojo se confunde con los pensamientos de destrucción que se escapa por una ventana circular  que se abre sobre su frente. Sea lo que fuere , esto no es más que un eco de cierta influencia ocultista en Frida , propia de una visión de carácter esotérico , ya que el simbolismo del tercer ojo revela , entre otras cosas, un deseo de saber , de trascender las apariencias de lo que no se ve nunca, de vislumbrar la llegada de la muerte.

Atraída por la riqueza de los colores del arte popular mexicano y de la belleza de sus formas, gran parte de sus creaciones se transforman en un drama que se desarrolla bajo los fuegos y las luces de colores. Se sabe que Frida era admiradora de la pintura de Gauguin especialmente de una obra que el pintor tituño NOA-NOA cuyo primitivismo, o estado virgen de las figuras. le llevó a concebir una pintura a través de las grandes masas de colores y de formas muy elementales pero muy intensas, hay en ellas un fuerte impacto de estas imágenes.Esta influencia de Gauguin haría que Frida le diese un toque muy personal, pues hace uso de esos colores para relejar su estado de ánimo

Mercedes Tamara

9-11-2014

Bibliografía : Frida Khalo, Edic Taschen

LA MEDICINA GUSTAV KLIMT

LA MEDICINA 1900-1907

La Medicina
óleo sobre lienzo 430 x 300 cm
Destruído en un incendio

En 1895, Franz Matsch y Gustav Klimt fueron elegidos por el Ministerio de Educación austriaco para realizar la decoración pictórica de las molduras y el techo de la Aula Magna de la Universidad de Viena. 

La realización de este proyecto fue lenta - se comenzó en 1897 y se terminó en 1907 - debido a la magnitud del mismo y a ciertas discrepancias estílisticas tanto entre los mismos artistas y el gobierno. La atención por parte de los órganos oficiales hacía el proyecto se debía a que el edificio, ubicado en la Ringstrasse, era representativo del triunfo de las ideas liberales tras las revueltas de 1848 y el ascenso de la burguesía . De ahí, que la controversia surgida en torno a los grandes paneles realizados por Klimt - La Jusisprudencia, La Filosofía y La Medicina - alcanzasen unas resonancias desmesuradas

En La Medicina Klimt representa la acción de esta ciencia como algo  fantasmagórico ,  pasiva y de pendiente del devenir del destino. Vemos en el centro de la composición la figura de la muerte enredada a las figuras de los vivos , proclamando de este modo la ambigüedad y brevedad de la vida . 

Como en otras pinturas aparece una sacerdotisa que se interpone entre los espectadores y el mundo terrenal En la parte superior de la composición aparece Higeia orgullosa y altiva proclamando  la ambigüedad de nuestra vida biológica 

Es de una compleja simbología llena de símbolos sexuales que la tradición griega adjudicó a Higeia . Nos recuerda el despertar a la sexualidad de un modo homosexual hasta ahora vedado y rodeada de sombras amenazantes que recuerdan el estrecho vínculo que existe entre la vida y la muerte 

Mercedes Tamara

8-11-2014

Bibliografía : Klimt . El artista del alma , Edic Libsa

MADONA EDVARD MUNCH

MADONA 1894

Madona
litografía y xilografía 60,5 x 44,5 cm
Museum of Modern Art, Nueva York

Se sabe que Edvard Munch realizó varias versiones de Madona todas ellas tienen la misma característica: Se trata de una mujer seductora e inquietante y, sobre todo, misteriosa.

Esta erótica Madona parece flotar en un espacio de ensueño , entre sinuosos trazos negros que casi, la envuelven. Una extraña figura situada en el ángulo inferior izquierdo  del marco , con brazos de esqueleto y enormes ojos desorbitados Toda la composición esta rodeada de formas semejantes a los espermatozoides El nombre de Madona- que se otorga a la Virgen, puede verse en la aureola que circunda la cabeza de la protagonista , ya que Munch se identificaba con artistas pintores y escritores simbolistas

Munch siempre otorgó a la mujer diferentes papeles que van desde la madre protectora , pasando por la compañera sexual a la mujer depredadora que puede ser la mensajera de la muerte-un tema que obsesionaba a Munch y que agrupó bajo epígrafes enigmáticos.


Se sabe que realizó varias versiones de Madona En el año 1895 empezó con una litografía en blanco y negro . Pero en los años siguientes coloreó varias impresiones , añadiendo textura y colores muy intensos ya que Munch era un grabador y pintor autodidacta

Mercedes Tamara

1-11-2014

Autora : Mercedes Tamara

TRES MUJERES EN LA FUENTE PABLO PICASSO

TRES MUJERES EN LA FUENTE  1921

TRES MUJERES EN LA FUENTE
óleo sobre lienzo 205 x 173 cm
The Museum Of Modern Art of New York

Resulta chocante que un cuadro en el que la inspiración proviene del mundo de la escultura, el reino de los volúmenes , en suma, del triunfo de las formas colosalistas con una abrumadora plasticidad de los cuerpos, gozándose en su existencia tridimensional , sea del mismo año en que fueron pintadas las dos versiones de Los tres músicos penetrada de un espíritu rítmico y melódico y en las que los planos superpuestos tienden a evitar, por todos los medios , una valoración del relieve, cuando no su brutal eliminación.

Aquí, por el contrario, Picasso centra su interés en revelar lo opuesto: la plenitud y la soledad de las moles , la formidable magnitud de la corpulencia , la gran capacidadde las redondeces, las facciones de rasgos grandes o las extremidades abultadas , a fin de describir un ambiente poblado por seres ciclópeos .

En esta tendencia el maestro sigue una  moda que por entonces comenzaba a triunfar en Europa y en una civilización, la occidental que salía de los desmanes y aberraciones de la primera guerra  mundial, soñando con una nueva época arcádica elevada sobre múltiples ruinas, que especialmente en Europa fueron numerosas .

Se intenta recuperar el aura prestigiosa de la Antigüedad -de la que el pintor había alejado con sus experiencias cubistas en aras de fijar una nueva idea del espacio-que había renacido al contacto con Italia desde 1917 . Así utilizó drapeados y caída de pliegues , empleó el cromatismo restringido como el de ciertos frescos, eliminó toda referencia a la hondura  psicólogica y desplegó motivaciones  externas con voluntaria ausencia de inquietudes .

El resultado es un cuadro magistral firmemente arraigado a la tradición, que describe a tres gracias vistas a través del prisma de la modernidad.

Mercedes Tamara
31-10-2014

Bibliografia : Picasso, Edic Taschen

RETRATO DE UNA MUJER CON SOMBRERO NEGRO ( GERTRUDE SCHIELE ) GUSTAV KLIMT

RETRATO DE UNA MUJER CON SOMBRERO NEGRO ( GERTRUDE SCHIELE ) 1909

Retrato de una mujer con sombrero negro ( Gertrude Schiele )
óleo y pintura metálica sobre tela 100 x 99,8 cm
Colección particular

Este retrato constituye un ejemplo de la influencia del arte de Gustav Klimt sobre la fase temprana de Schiele . Entre los años 1907 y 1909 Klimt fue el principal referente estílistico para el joven muchacho.



Muchas obras del gran maestro vienés proveyeron a Schiele de esquemas compositivos para sus propios trabajos. Para esta obra, Schiele parece haberse inspirado en la figura de Higeia que Klimt introdujo en Medicina, una de las tres polémicas pinturas que realizó por encargo para decorar una sala de la Universidad de Viena. Al igual que Higeia, la figura femenina de Egon-que protagoniza su hermana Gerti. está representada desde una acentuada perspectiva inferior-; muestra una actitud altiva y arrogante, luce un vestido de similares motivos decorativos en círculo y eleva sus manos a la altura de su pecho para sostener unos objetos que son difíciles de identificar en su caso ( por su parte, Higeia sostiene la serpiente y la copa de Leteo, atributos como diosa de la salud ) 

Higeia ( detalle de Medicina ) Gustav Klimt 1900-07
óleo sobre tela , medidas desconocidas
obra quemada

De Klimt también deriva el ejemplo de un formato cuadrado- que privilegiaron muchos otros artistas sezesionistas-y la aplicación de la pintura dorada y plateada a la superficie, aunque en Schiele el efecto es mucho menor resplandeciente. Es probable que ello estuviera condicionado por la utilización de materiales más baratos por parte de nuestro pintor , y su consecuente necesidad de recurrir a láminas de latón o aluminio. Pero también se sabe que, sobre todo en esta obra, el mismo Schiele buscó deliberadamente contrarrestar los elementos decorativos de la pintura metálica, lo que debe interpretarse como una nueva intención estílistica.





El fondo de este retrato , originariamente decorado con motivos metálicos de color dorado y plateado , fue repintado por el artista en un tono gris claro. De este modo, tal y como ya había procedido en un anterior retrato de Gerti Schiele renunció totalmente a la configuración ornamental del fondo y con ello, obviaba toda concepción estética ,que poco después el joven pintor dejaría de considerar conveniente para su particular desarrollo artístico , adhiriéndose a las tendencias artísticas expresionistas,.


                                               Mercedes Tamara
                                                     31.-10-2014

Bibliografia : Gustav Klimt, Edit Taschen

RETRATO DE MADAME HANKA ZBOROWSKA AMEDEO MODIGLIANI

RETRATO DE MADAME HANKA ZBOROWSKA 1917

Retrato de Madame Hanka  Zborowska
óleo sobre lienzo
Galleria de Arte Moderno, Paris

Tan importante es este retrato que el espectador apenas se da cuenta de lo improbable , incluso grotesco, que llega ser así en la magia indescriptible  de Modigliani. El extravagante cuello blanco de la camisa únicamente llama nuestra atención: sobre el cuello torneado de manera exagerada que parece enmarcar la imagen y los rasgos dibujados a mano que se pueden ver arriba. La nariz, que emerge remilgada y alargada , realzan las exquisitas cejas que se arquean sobre los ojos irregulares : la única singularidad que da vida a todo el retrato.El resultado , aunque casi estilizado en la forma de la figura, consigue un efecto irresistiblemente real , no vemos únicamente una cara bonita, sino a una mujer viva, pensativa y con sentimientos.

Las figuras femeninas de Modigliani a menudo se han comparado con las del maestro italiano Botticelli, sin lugar a dudas debía haber estudiado el arte del Renacimiento en su taller natural antes de marcharse a París. Cuando llegó 

a la capital francesa en 1906, se sumergió por completo en una vida bohemía. En 1909 incitado por su amigo el escultor Constantin Brancusi ( 1876-1957 ) creó un pequeño circulo de artistas : " los maditos " . Junto con Chalin Soutine

( 1893-1943 ) Maurice Utrillo ( 1883-1955), Modigliani era de hecho un " maldito" Sufrió de tuberculosis , alcoholismo y drogadicción , pero su obra parece no haberse visto afectada en absoluto por estas aficciones.

Mercedes Tamara

31-10-2014

Bibliografia . Amedeo Modigliani, Edic Taschen