PERSPECTIVA II : EL BALCÓN DE MANET MAGRITTE

PERSPECTIVA II : EL BALCÓN DE MANET 1950

Perspectiva II : El balcón de Manet
óleo sobre lienzo 80 x 60 cm
Museum voor Schone Kunste, Gante

Entre 1916 y 1918, René Magritte ( 1898-1967 ) estudió en la Academia Royale de Beaux Arts de Bruselas , en Bélgica. Sus primeros estudios eran de estilo impresionista , pero muy pronto se interesó por el futurismo .

A principios de la década de 1920 experimentó con la abstracción. La obra del pintor metafísico italiano Giogio di Chirico , particularmente su Cántico de amor ( 1914 ) ofreció a Magritte una orientación y le supuso una influencia fundamental. Deprimido por el fracaso de la exposición de sus primeros cuadros surrealistas en 1927 en Bruselas, se instaló en Paris , donde conoció a André Breton y comenzó su implicación con los surrealistas franceses.

Posteriormente , regresó a Bélgica y permaneció allí durante la Segunda Guerra Mundial Perspectiva II : El balcón de Manet pertenece al período de madurez de Magritte . Con su inimitable estilo , el artista ha pintado una curiosa réplica de El balcón de Edouard Manet ( 1868-1869 ) Museo de Orsay , Paris , que a su vez se inspira en Maja y Celestina en el balcón de Francisco de Goya ( 1808-1812 , colección particular ) 

Aquí Magritte ha creado una asombrosa forma de representación mediante la cual las cuatro figuras del famoso cuadro de Manet son sustituidas por cuatro ataúdes de madera cuyas posiciones imitan a la perfección a las de los personajes del cuadro original, tanto es así que uno de los ataúdes parece tener las rodillas dobladas y estar sentado en una silla. Los otros tres personajes permanecen  en pie junto a él Al conferir forma antropomórfica a objetos habitualmente vinculados a la muerte . Magitte nos brinda un profundo e inquietante memento mori.

                                                                              Mercedes Tamara

                                                                                1-12-2015

Bibliografia : Magritte Edic Taschen

MUJER SOBRE UN FONDO AZUL AMEDEO MODIGLIANI

MUJER SOBRE UN FONDO AZUL 1918

Mujer sobre fondo azul
óleo sobre lienzo 61 x 50 cm
Colección privada

En la fértil producción pictórica de Modigliani  la imagen de la mujer ocupa un lugar preferente . El artista italiano manifestó su personalísimo culto a la figura femenina en numerosos retratos así como su célebre serie de desnudos de 1915. En sus telas inmortalizó a varias de sus amantes , amigas y compañeras , pero la gran mayoría de sus modelos femeninos eran mujeres anónimas , cuya identidad permanece oculta al espectador .

Este cuadro de una mujer anónima es característico del estilo maduro del pintor y en él se puede apreciar el tipo de representación que el artista exploró en sus retratos femeninos. Esta figura sigue supersonal canon anatómico caracterizado por la cabeza levemente inclinada , el largo y cilíndrico cuello y los  hombros caídos . El despojamiento absoluto del entorno donde se ubica la figura da protagonismo al rostro y cuello. El rostro es plano , ovalado y delgado , unas cejas arqueadas enmarcan los ojos oscuros , la nariz es fina y alargada y la boca pequeña y de labios cerrados y apretados . La presencia de los mechones de pelo sobre la frente ,muy típica de este período , crea un efecto decorativo en este hierático rostro.

Modigliani otorgó un énfasis especial  a la representación de los ojos , que en su pincel asumen un rasgo muy peculiar: aparecen como cuencas uniformes de color ; sin iris ni pupila. El modo en que el artista trató a los ojos impregnó su figuras de un aura melancólico y misterio. Modigliani simplificó y estilizó las formas. Vació los rostros de rasgos personales y buscó ir más allá de la mera representación de la realidad. En sus retratos de mujer indagó la imagen ideal de la figura femenina.

La figura de busto de esta mujer se recorta sobre un fondo plano y neutro , que aparece activado en el lado derecho por una linea de sutilmente en diagonal . Esta división en dos del fondo se encuentra en un buen número de trabajos de este período . La monocroma tonalidad de un suave color grisáceo es característica de la gran mayoría de fondos de Modigliani . La superficie pictórica muestra unas pinceladas aplicadas de una manera suave y difuminada

Mercedes Tamara

29-10-2015

Bibliografia : Modigliani, Edit Taschen 

MATERNIDAD AMEDEO MODIGLIANI

MATERNIDAD 1919

Maternidad
óleo sobre lienzo 130 x 81 cm
Museo Nacional de Arte Moderno
Georges Pompidou, Paris

Maternidad pertenece al último grupo de obras pintadas por Modigliani, grupo en el que trabajó hacía finales de 1919, poco antes de su muerte.

Distintos aspectos hacen de esta obra un trabajo excepcional en su producción . Es una de las pocas pinturas de Amedeo sobre el tema de la maternidad ; un tema posiblemente inspirado por su reciente paternidad y por el segundo embarazo de Jeanne Héburtene. su compañera inseparable en los últimos tres años de vida. A finales de 1918, durante la estancia de la pareja en la Côte d´Azur , Jeanne había dado a luz una hija, Jeanne Modigliani.

Esta anónima madre con su hijo aparece ubicada en un espacio interior; identificado por la puerta del fondo. La aparición de uan puerta al fondo de la escena es un elemento novedoso en la pintura de Modigliani y fue introducido en sus pinturas tardía . A diferencia de los fondos neutros , lisos y abstractos que predominan en la gran mayoría de sus pinturas de retratos, aquí Modigliani buscó una nueva espacialidad.

Otro aspecto novedoso de este trabajo son las dimensiones del soporte. Este lienzo es considerablemente más grande que el resto de las telas con las que trabajó el pintor. El formato rectangular de la tela contribuye a acentuar la verticalidad y la estilización de la imagen , tan característica en nuestro pintor.

Modigliani trabajaba las figuras como cuerpos macizos , sólidos y esculturales. Madre e hijo son figuras rígidas y estáticas y no establecen entre sí relación alguna . La figura femenina está presentada en una rígida frontalidad y los rostros de los personajes permanecen inexpresivos.

Pero es , sobre todo , el tratamiento del color lo que distingue esta obra y revela un Modigliani colorista. En esta pintura , así como en otras obras de este período, aparece una gama de colores más intensos y puros y unos contrastes con los que nunca había trabajado anteriormente. La composición está resuelta con amplias zonas

Mercedes Tamara

5-09-2015

EL PASEO DE COLOM PABLO PICASSO

EL PASEO DE COLOM 

El Paseo de Colom
óleo sobre lienzo 40,3 x 32 cm
Museo Picasso Barcelona

Entre 1901 y 1914 , el motivo de la ventana, o sus equivalentes , parece perder fuerza en la obra de Picasso en favor de una representación en la que el espacio y forma se interrelacionan dentro de un marco de textura homogénea que lo unifica todo.

En Barcelona, aborda de nuevo este asunto elaborando una serie de dibujos y este óleo desde el balcón de la pensión Ranzini del paseo de Colom 22, cerca de la casa de sus padres donde están instalados. En la lujosa pensión se albergan la compañía de los Ballets Russes, a la que pertenece Olga, su prometida., a quien visita cada día . Pronto se convertirá en su esposa . La panorámica que se divisa desde las habitaciones le incita a trabajar, una vez más, tal como lo había hecho años atrás , el tema de la ventana o el balcón, se convertirá en una práctica habitual en el futuro.

En primer plano, la pintura tiene un balcón que, a través de la baranda,nos precipita hacía la calle haciendo gala de un ejercicio de perspectiva magistral. En la baranda de hierro, un golpe de viento ha desplazado la bandera española que ondea en el asta de la fachada del edificio y que destaca por su cromática estridente . Este lugar se convierte en el centro neurálgico de la composición , el punto medio entre dentro y fuera . Al traspasarlo , el artista, nos precipita hacía el paisaje urbano en el que se alza, ante el mar, la estatua de Crstóbal Colón, uno de los monumentos más emblemáticos de la ciudad.

Una vez más, Picasso , nos muestra su obsesión por el espacio y su profundidad, deleitándonos con un óleo de ejecución sabia en el que mezcla la facetación de planos del interior, más abierta que en años precedentes , con un estilo más naturalista y expresionista del exterior , en el que la pincelada presenta, en algunos lugares, un divisionismo próximo al que había empleado en el año 1901 en Margot y en La enana

Mercedes Tamara

9-09-2015

Bibliografia . Guía del Museo Picasso, Barcelona

LAS TORRES DE LAON ROBERT DELAUNAY

LAS TORRES DE LAON 1912

Las torres de Laon
óleo sobre lienzo 162 x 130 cm
Museo Nacional de Arte Moderno, Paris

Robert Delaunay ( 1885-1941 ) empezó a pintar en 1903. Desde 1904 expuso en el Salón que se celebraba periódicamente en el Grand Palais de París. Al principio practicaba un estilo neoimpresionista influido por las teorías de Jean- Michael Chevreuil sobre el color, pero en 1911, inspirado por las innovaciones formales de Georges Braque y Pablo Picasso expuso sus primeras obras cubistas.

En Las torres de Laon , inscrito en este lenguaje visual de nueva creación , vemos erguirse los campanarios de la catedral gótica sobre la ciudad donde Delaunay hizo el servicio militar en 1907, impresionado por las estructuras grises del cubismo de Braque y Picasso que parecían telarañas , el pintor respondió avivando sus esqueletos plateados con colores intensos pero aplicados con delicadeza .

Para representar el follaje rosado yuxtapone pinceladas muy juntas que reverberan en los verdes y violetas de la muralla de la ciudad, mientras los tejados se hunden y reflejan en un cielo quebrado . Los rombos cambiantes de luz y sombra dificultan la adopción de un punto de vista estable , efecto de simultaneidad que superpone una visión subjetiva al mundo exterior y objetivo. 

Durante el año posterior a este cuadro , los experimentos de Delaunay con el color fueron evolucionando hacía un lenguaje cada vez más abstracto en el que las formas arquitectónicas se aplanan en un caleidoscopio de rectángulos, triángulos y círculos multicolores encajados en él . Según Delaunay esta " pintura pura " no figurafiva (que recibió el nombre de orfismo ) podía incidir en la conciencia tan profundamente como la música de Orfeo en los antiguos dioses.

                                                                 

                                                                    Mercedes Tamara
                                                                     18-08-2015

LOS ESPOSOS AMEDEO MODIGLIANI

LOS ESPOSOS 1915

Los esposos
óleo sobre lienzo 55,2 x 46,3 cm
The Museum of Modern Art, Nueva York

En el catálogo de Modigliani abundan especialmente los retratos de figuras individuales. Este cuadro con una pareja es una  de las raras 

excepciones en su producción.

Esta pareja de esposos , ambos personajes anónimos, sirvió al pintor como excusa para investigar un particular  tratamiento de las formas . No es la caracterización de sus personajes lo que aquí interesó al artista sino más bien experimentar nuevas maneras de retratar la figura humana.

Esta pintura fue realizada poco después de que Amedeo abandonara su actividad escultórica , que se extendió entre 1909 y 1914 . En este período, Modigliani exploró en sus cabezas esculpidas un tipo de representación más abstracta y arcaizante , derivada de su interés y atenta observación del arte primitivo , en especial, de las máscaras africanas . La producción pictórica posterior se resintió de su experiencia escultórica y, como en Los esposos , utilizó reiteradamente en sus retratos la máscara, como un recurso formal, lo que confirió a sus retratos un carácter altamente despersonalizado.

En esta linea de trabajo , aquí se observa como la individualidad de los personajes aparece velada por el marcado tratamiento geométrico que el pintor confirió a sus rostros . A estos personajes aún no se les han caído las máscaras negras. Una linea vertical atraviesa y divide asimétricamente los rostros de ambos modelos . Rasgos afilados y de lineas cortantes, como puede advertirse en la nariz , acentúan la estilización geométrica de estas figuras.

Además la huella de la escultura , en el tratamiento facetado de los rostros , tanto el del hombre como el de la mujer, se detectan reminiscencias del cubismo. En varias telas de este período Modigliani utilizó en pos de su evolución estética, recursos de la pintura cubista, aunque nunca  perseguiría esa extrema descomposición de las formas . La racionalidad de la visión cubista , no se correspondía con la subjetividad y empatía que el artista italiano buscaba en sus personajes retratados.

En el tratamiento de la superficie pictórica , se observa el uso de una materia cromática , densa y elaborada . En el fondo , particularmente detrás de la mujer, el pintor optó por el tratamiento de bodes geométricos . 

Mercedes Tamara

6-08-2015

Bibliografia: Modigliani, Edic Taschen 

PABLO PICASSO AMEDEO MODIGLINI

PABLO PICASSO 1915

Pablo Picasso
óleo sobre papel montado sobre cartón 34,2 x 26,5 cm
Colección privada

Pablo Picasso nunca fue amigo de Modigliani. Sin embargo, los itinerarios artísticos de ambos pintores se cruzaron constantemente en el París de las primeras décadas del siglo XX especialmente durante los primeros años de la Primera Guerra Mundial , período en que ambos permanecieron en la capital francesa . Ninguno de los dos participó en el conflicto . Modigliani se ofreció como voluntario pero fue rechazado por motivos de salud . Picasso, en cambio, prefirió quedarse en Montparnasse .

Modigliani sentía un particular aprecio por Picasso y un gran respeto por su obra , sin embargo, esta estima fue habitualmente correspondida con cierta indiferencia e incluso con arrogancia por parte del creador del cubismo. La conducta irreverente del italiano irritó en más de una ocasión al español .Picasso decía , no sin ironía, 

" Es extraño , pero nunca ves a Modigliani borracho---como no sea en las esquinas del boulevard Montparnasse y del boulevard Raspall ".

Modigliani conoció a Picasso poco después de llegar a París , en 1906, una vez instalado en Montmatre , Picasso estaba en ese momento concentrado en una experimentación pictórica que lo llevaría en 1907- 1908, al nacimiento de la pintura cubista , la gran revolución artística de principios de siglo . Generalmente, cualquier joven artista residente en Paris durante esos años quedaba seducido por la innovadora manera de pintar la realidad que proponía el cubismo. Modigliani es uno de los escasos ejemplos que no sucubieron a esa fuerza arrolladora. Sin duda, su negativa a participar en el del movimiento cubista lo mantuvo aislado de uno de los grupos de vanguardia más influyentes de la escena artística del momento.

Este retrato fue pintado de memoria . Este trabajo, así como los retratos de Diego Rivera y el de Frank Havland, dan cuenta del empleo por parte de nuestro pintor de una técnica de corte divisionista . Las pinceladas son irregulares y entrecortadas, los trazos ligeros a base de manchas de colores intensos . Todo ello genera un efecto de vibración pictórica.

Mercedes Tamara

28-07-2015

Bibliografia: Modigliani, Edic Taschen