CABEZA DE MUCHACHA PABLO PICASSO

CABEZA DE MUCHACHA 1913

Cabeza de muchacha
óleo sobre lienzo 55 x 38 cm
Musée National d´Art Moderne, Paris

Pablo Picasso ( 1881-1973 ) descontento con los métodos tradicionales de representación y atraído por los espacios planos de Cézanne , reinventó la expresión artística en colaboración con su amigo Georges Braqué . El nuevo planteamiento de ambos pintores , que recibiría el nombre de cubismo, revolucionó el mundo artístico.




Picasso representaba como un poseso , reduciendo los objetos a su esencia y construyendo algo menos realista . El año 1912 marcó el nacimiento del cubismo sintético, cuando Picasso pegó en el lienzo un trozo de hule y por primera vez en la historia de las bellas artes usó el collage,




Las obras de esta época muestran un uso recurrente de una serie de objetos: guitarras, violines,botellas y cabezas humanas como en Cabeza de muchacha. Al principio la manera que Picasso tiene que pegar objetos provoca confusión, pero poco después se empieza a valorar la multiplicidad de interpretaciones que ofrece su obra. ¿ Lo qué vemos es una sonrisa ? ¿ La chica esconde algo o es una puerta que todavía no está abierta ? . Claro que estas interpretaciones podrían ser absurdas , porque como dijo el propio Picasso : " Buscar no quiere decir nada en pintura . Lo que cuenta es encontrar

Bibliografía : Picasso, Edic Taschen

Mercedes Tamara

20-01-2014

GUITARRA PABLO PICASSO

GUITARRA 1913

GUITARRA
óleo sobre lienzo 116,5 x 81 cm
Düsseldorf, K-20  Kunstsammlung Nordhein- Westfalen

Es remarcable el hecho de que en su estrecha relación artística y amistosa, Pablo Picasso y  Georges Braque trabajasen al mismo tiempo en los mismos motivos pictóricos. En 1913 predominaban los temas musicales . Tras Guitarra , obra de cartón y chapa realizada por  Picasso el año anterior como objeto de pared , el mismo instrumento estuvo presente en  un album de esbozos , en una serie de dibujos y collages , y en varios cuadros.

En esta serie destaca por sus colores y su configuración el cuadro Guitarra ( La guitare ) de 1913.  En él, Picasso traslada las técnicas del collage a la pintura al óleo . Las superficies coloreadas , resueltas en tonos rojo y violeta contrastantes , presentan en ciertos puntos  proyecciones de sombra, de modo que se produce la impresión de un material realzado e incrustado en el lienzo . En el cuadro Picasso alude a los papiers collies precedentes, en  los que tanto él como Braque habían trabajado intensamente en 1912.

Picasso compone su cuadro a partir de las superficies de color tratadas de modo diverso , como si las mismas estuviesen superpuestas, pegadas o mezcladas con distintos materiales, por ejemplo, arena. En esta obra Picasso se despide de la ilusión de un espacio pictórico; sólo existe la espacialidad que parece ocupar las superficies coloreadas superpuestas y que hace que la representación tenga carácter de relieve.

El cuadro refleja el retorno de Picasso al color, que con el tiempo habría de ser característico del cubismo sintético. El pintor jamás tuvo en cuenta las periodizaciones teóricas de esta  corriente . Repasando su obra afirmó : " No pueden interpretarse como una evolución o  como avances hacía un ideal de pintura desconocido los diferentes métodos que he utilizado  en mi arte " . Todo lo que he hecho lo hecho para el presente y con la esperanza de que se mantuviera vivo en el presente . Jamás me he preocupado por las investigaciones. Cuando  he encontrado algo que quería expresar , lo he hecho sin pensar ni en el pasado ni en el  futuro. No creo haber utilizado elementos radicalmente distintos en los diferentes métodos  de mi  pintura .Cuando los objetos que me proponía pintar exigian una forma de expresión  distinta , no he vacilado en asumirla. Nunca he hecho experimentos o ensayos.

Mercedes Tamara
13-01-2014

Bibliografía : Cubismo, Edic Taschen

LA ÚLTIMA CENA SALVADOR DALI

LA ÚLTIMA CENA

LA ÚLTIMA CENA DE SALVADOR DALI
Óleo sobre lienzo 167x 268 cm
National Gallery Washington

El cuadro está muy relacionado con el número doce. La sala donde se encuentran Jesús y sus apóstoles es un dodecaedro. Al fondo de esta se vislumbra un paisaje al amanecer, aún cuando la cena fue de noche. Esa escena refleja un paisaje típico de la costa ampurdanesca recordando al mar y las rocas que podría ver el propio Dalí en Cadaques .Cristo en el centro, parece estar predicando ante los discípulos, los cuales inclinan sus cabezas y rezan. Las apariencias de los discípulos son distintas entre sí. Cada uno porta una túnica distinta e inclusive parecen ser personas de distintas razas y países. Los trece personajes rodean una mesa de piedra sobre la cual hay un vaso de vino y un pan partido en dos; curiosamente no aparece ningún cáliz antiguo sino un vaso de cristal de apariencia moderna conteniendo vino, el pan y el vino están tratados como un auténtico bodegón.


Cristo no es representado como se acostumbra. Su pelo es claro y no tiene barba. Su túnica es la única que deja al descubierto su pecho. Observando con más detalle, vemos que Cristo es transparente en su parte inferior, ya que la barca que se encuentra en el paisaje puede verse a través de él.

Sobre todo el conjunto está el torso de Cristo, símbolo de su entrega al hombre, de su carne. Extiende sus brazos y al igual que el Cristo que se encuentra abajo, se difumina poco a poco.

A diferencia de otras representaciones de la última cena, el gesto de Cristo no es meditabundo ni melancólico, sino que refleja fuerza y serenidad, además, no aparecen representadas las actitudes de los discípulos descritas en los Evangelios (por ejemplo, no puede distinguirse quién es Judas Iscariote ya que todos los discípulos en el cuadro aparecen reclinados en actitud de duelo y no hablando

Mercedes Tamara
11-01-2014

Bibliografía : Dalí, Edic Dawn Adex 

RETRATO DE LA ABUELA ANNA COSIENDO SALVADOR DALI

RETRATO DE LA ABUELA ANNA COSIENDO 1920

Retrato de la abuela Anna cosiendo
óleo sobre lienzo 53x41 cm
Colección particular

La abuela materna de Dali, ( Maria Anna Ferrés Sadurní ) junto con sus hijas Catalina ( " la tieta " ) , se fueron a vivir a Figueres con la familia Dali en 1910.Salvador y su hermana Ana Maria recuerdan en sus autobiografías la atmósfera serena y reconfortantes del amplio círculo familiar. Durante las frecuentes enfermedades infantiles de Dali, " Llùcia, mi vieja nodriza , venía a hacerme compañía casa tarde, y venía mi abuela y se ponía a hacer calceta junto a la ventana " Llucia y la abuela Anna eran " dos ancianas limpísimas , con los más blancos cabellos y el más delicado y arrugado cutis que haya visto nunca. La primera era de inmensa estatura y parecía un papa. La segunda era menudita y parecía un ovillo de hilo blanco ".

Ana María nos muestra admirablemente el contraste entre la tranquila anciana vestida de negro y los sonidos y la vida radiante del balcón de su piso: " Nuestra abuela materna cosía en silencio, rebosante de serenidad . Y era su figura como  la evocación de una pintura flamenca, en contraste con las sombras, los pájaros y las flores de aquella galería, tan puramente impresionista". Este recuerdo está claramente filtrado en las pinturas de juventud de su hermano en las que el pintor se movía entre los tonos serenos de las escenas de género como ésta y los vívidos  colores y los dramáticos contrates de luz y sombra de los paisajes y otros retratos de esa época Retrato de la abuela Anna cosiendo fue, de hecho pintado en Cadaqués: la bahía es visible a través de la ventana de la casa en la que la familia pasaba los veranos ( el estudio aparte que encontraron para Dali en Cadaqués tenía un balcón y una ventana que llegaba hasta el suelo ) . Los entusiastas experimentos de Dali con colores más contrastados , durante esos anhelados veranos dedicados a la pintura, son visibles, aunque de modo apagado , en la  franja de la costa rojo-naranja, más allá del agua, y en el encendido canasto que  hay sobre la silla , los cuales crean hábiles tonos complementarios al conjunto  azul plateado . Ana Maria describió la calma de la tarde tras un día de viento: " La calma blanca acaba de cubrir el mar que la tramontana ha pintado durante  todo el día de un azul vivísimo y opaco. Ahora el aire transparente se ha cubierto  de manchas de oro y de hormigas aladas que vuelan al crepúsculo ".

A menudo, las escenas de género de interiores domésticos realizados por artistas españoles, como Urgell y Manuel Benedito, rendían homenaje a la pintura holandesa y flamenca del siglo XVII. Dali hizo copia de Interior holandés de Manuel Benedito hacía 1915.Sin embargo, a una edad muy temprana, Dali estaba ya familiarizado con las reproducciones de los viejos maestros que aparecían en los libros de arte de la colección Gowans, una serie de monografías de tamaño de bolsillo que el  padre de Dali empezó a coleccionar poco después de que la colección comenzará a publicarse en 1905. Estas monografías constituyeron una parte importante de su infancia: " Adoraba los sensuales desnudos de Rubens y las escenas domésticas de los pintores flamencos ".

La madre y la abuela de Dali alentaron sus inclinaciones artísticas tanto como su padre . La propia abuela Anna procedía de una familia de artesanos y. tras la muerte de su padre, se hizo cargo de la tienda que tenían en Barcelona y que estaba especializada en objetos de arte de carey .Tenía sensibilidad artística y entretenía a Salvador y a Ana María con recortables de papel. Felipa, la madre de Dali , que antes de su matrimonio. había ayudado en la tienda, heredó sus talentos: " era hábil con
los dedos y dibujaba bien. Las delicadas figuritas de cera con las que disfrutaba  creando velas , deleitaban al futuro pintor cuando era niño ".

Mercedes Tamara
9-enero-2014

 Bibliografía : Dalí, Edic Dawn, Adex

IMAGEN PARANOICA ASTRAL SALVADOR DALI

IMAGEN PARANOICA ASTRAL 1934

Imagen paranoica astral
óleo sobre madera 15,8 x 22,1 cm
Atheneum Museum of Art 

Esta obra forma parte de una serie de pinturas en pequeñas tablas que Dali realizó entre 1934 y 1935 y que representan la inmensa bahía de Roses en la Costa Brava. Estas obras, en las que aparecen figuras de la infancia del artista como alucinaciones en la extensión infinita de la orilla, se caracterizan por una luminosidad intensa y un realismo de fotografía coloreada a mano que infunde a las  composiciones un sentido intensificado del drama. Una clave para comprender esta  serie de pinturas lo constituye una carta de 1944 del coleccionista británico Edward James a James Thrall Soby , en la que el antiguo mecenas de Dalí proporcionaba una detallada descripción de los recuerdos de infancia del artista que conformaban  esos paisajes de orillas relucientes. 

Según James , a menudo esas pinturas representaban a miembros de su familia, como su prima ( en realidad, su tía ) Carolineta Barnadas Férres, una figura frágil y poética, que se puede ver planeando en el fondo de la obra. Carolineta había  muerto trágicamente de tuberculosis cuando el artista era aún adolescente y  recordaba claramente la noticia de su muerte que llegó a su familia por carta. Quizá sea por esta razón que Dali siempre pintó a la tísica Carolineta con unas telas flotantes, casí como un susurro , asociándola para siempre en su imaginación con la figura espectral cubierta con un manto en el barco que se acerca, en la obra de Arnold Bröcklin La isla de los muertos . El propio aparece en la figura del niño en traje de marinero, sentado en un bote frente a una mujer no identificada, mientras que la parte izquierda la figura imponente del padre del artista avanza a grandes zancadas hacía el espectador. Las cuatro figuras ,situadas uniformemente, se presentan como apariciones sobre una vasta extensión de arena blanqueada,  que está bañada por la luz brillante del Mediterráneo que refuerza su sentido de desmaterialización como si fueran fantasmas.




Dali tenía la intención de que esas figuras fantasmagóricas aparecieran de forma  instantánea, como si fueran imágenes de otra parte ( ¿ albumes fotográficos familiares ? ) que hubieran sido proyectadas en el extraordinario paisaje vacío y abierto de la Costa Brava , que puede identificarse por el fragmento de ánfora en primer plano. El ánfora evoca el pasado antiguo de Cataluña , especialmente el arte y los objetos de las civilizaciones fenicia y grecorromana que antiguamente poblaron la región. Este detalle arqueológico refleja el interés del artista por jalonar con su propia biografía sus pinturas de madurez, que están inspiradas por sus recuerdos de infancia de las gentes y los lugares de Cataluña donde  creció.




En Imagen paranoica astral , la apariencia alucinante de cuatro figuras se ve reforzada por el hecho de que cada persona parece existir en un espacio tiempo diferente del resto de figuras del cuadro. La sombra alargada del padre del artista, por ejemplo, está completamente fuera de proporción respecto a las sombras proyectadas por el bote y la figura de Carolineta, mientras la pieza de tela por encima de su sombrero ondea en una dirección diferente a la del pañuela que arrastra la difunta de Dali. Estas disyunciones temporales fueron posiblemente el resultado de los métodos de trabajo parecidos al collage que el artista empleaba en la época. Parece que Dali utilizaba imágenes individuales de miembros de la familia y amistades de la infancia como materiales de  inspiración para esas pinturas, en las que las figuras aisladas o agrupadas de fotografías independientes fueron transferidas a la tela, a través de la observación directa o con la ayuda del proyector de diapositivas . Esto explicaría las diferencias de escala y tiempo que se observan en esta obra , en la que las figuras borrosas se corresponden con la experiencia  fugaz de la memoria en si

Mercedes Tamara
8- 01-2014

Bibliografía : Dalí, Edic Dawn Adex

EL BUDA ODILE REDON

EL BUDA 1905

El Buda
pastel 90x 75 cm
París, Musée d´Oesay

Redon fue iniciado desde su juventud en los " poemas hindúes" por Aemand Clavaud y poseía una traducción francesa de 1864 del Ramayana. El Buda aparece en La tentación de San Antonio de Flaubert que Redon leyó en 1892 y fue representado por el artista en una lámina de la tercera serie que dedicó a este libro. La inteligencia fue mia/ me convertí en Buda - así como en una litografía publicada en la revista L´Estampe originalle en 1895. Los demás libros sobre hinduismo y budismo conservados en las bibliotecas datan de la década de 1890 y precisamente en el contenido de la renovación religiosa , mística y estética de aquella década apareció el Buda en su obra. Se trataba de un movimiento completo y fundamentalmente sincrético como atestiguan Los Grandes Iniciados , Bosquejo de la historia secreta de las religiones ( 1889 ) y el cuadro Cristo y Buda de Paul Ranson ( colección particular ). El propio Redon rebautizó como Buda un pastel previamente titulado Sagrado Corazón ( 1905 ) cuya composición se deriva de un carboncillo que lleva por título Cabeza coronada de espinas ( 1892 ). Fred Leeman formuló la hipótesis de que su interés meditado, casi programático por los temas budistas a partir de 1904 puede responder de la " necesidad de una alternativa al catolicismo" ante el proselitismo del que hacían gala algunos de sus familiares o amigos. Con todo, puede llegarse a entender la razón de este cambio de título si se considera la respuesta negativa que en 1911 dio Redon a la invitación de Maurice Denis a participar en una exposición internacional de arte cristiano moderno: " No quisiera yo que se me malintepretara , ni que se olvidara , por encima de todo, la total neutralidad que siempre he mantenido acerca de su significado y del alcance de mis obras(....) No tiene el Arte otro objetivo ni otro fin que el arte mismo y lo mejor del mío es indeterminado (....) Algunas veces he hecho una Venus o un Apolo sin querer por eso que nadie sea pagano , he hecho también el Buda, cuya imagen con lo que simboliza , sigue conmoviendo los corazones de una parte incalculable de la Humanidad y estos temas- si es que de temas se trata- son para mí tan sagrados, como los demás.

Junto con el cuadro La juventud de Buda ( 1904 ) el pastel del Musée d´Orsay, constituye la evocación más importante de dicha " imagen ". El Buda, revestido de una larga túnica multicolor de mangas caidas y de un manto verde que le cubre los hombros , está representado de pie, lleva la mano izquierda levantada- con la palma hacía delante y los dedos extendidos y con la derecha empuña un bastón de caminante. Con los ojos y la boca cerrados, parece a la vez permanecer inmóvil y salir al encuentro del espectador por un sendero amarillo que extendiéndose detrás de él, a través del paisaje , llega hasta una cadena de montañas cuyas paredes azules se elevan hacía el cielo. Dicho camino constituye un motivo central del budismo : al abandonar el palacio de su padre , Siddhartha Gautama sale a los caminos en busca de la Verdad , que hallará más tarde meditando bajo un árbol y la progresión que lleva del sufrimiento a la iluminación recibe el nombre de " noble óctuple sendero " ( Letres, 1923 ) . Por otro lado, la figura del caminante con los ojos cerrados , además del tema homónimo " faquir sonámbulo " con el que Redon se identificaba hacía 1870.

El árbol a cuyo pie , en La juventud de Buda , la figura está sentada de perfil en postura de meditación , se sitúa aquí al margen del canino. Roseline Bacou, demostró que su forma está tomada de un dibujo muy antiguo, obra del propio Redon ( Bacou, 1971 ) más exactamente, combina el trazado sinuoso de las ramas bajas de aquel árbol con las otras ramas robustas- que se extienden en sentido vertical como otros tantos árboles - procedentes de un dibujo que lleva la anotación " Médoc " ,1892 y que Redon trasladó a la litografía en 1892.

En el pastel que nos ocupa , la base del tronco es aún más ancha , lo que recuerda a la higuera de las pagodas ( Ficus religiosa ) a cuyo píe Siddartha se convirtió en el Buda . Este tronco macizo recuerda también al que, dotado de una abertura, empleó Redon para representar la gran higuera en la que vivía el gimnosofista o brahmán con el que se encuentra san Antonio en la tercera serie de la Tentación de 1896 (Werner ).Todo induce a creer que el tema del Buda está asociado a las primeras expresiones que el artista recibió de la naturaleza. Esta relación se basa en una equivalencia - que Redon precisó muy pronto- entre el árbol, especialmente el árbol solitario y el modelo eremítico de humanidad en el que se reconocía. Al borde del camino y cerca del espectador crecen flores y hojas de un verde ácido y de un negro profundo en una elección cromática que prefigura el resurgimiento del mundo de los " Negros " en la decoración de Fontfroide y que se asocía a esta flora imaginaria al tema de la "la flor del pantano " que Redon cultivó durante los años ochenta y que guarda relación con el árbol antropomorfo.

Es de suponer, que pese al ambiente soleado de la escena y a la percepción de que el Buda avanza por un camino de montaña, el terreno que lo rodea se encuentra asociado ak mundo del dolor, cuando no al propio " valle de lágrimas "que habla la Biblia ( Salmo, 84 ). Por encima de la cabeza de Buda , una acumulación vagamente concéntrica de formas circulares azules y grises, en una especie de nube dorada , sugiere a la vez esporas, embriones o planetas. El mayor de estos círculos , situado en la vertical de la vertical de la cabeza del Buda, parece ser también el más desarrollado y haber entablado una división celular, ya que su núcleo contiene dos esferas oscuras más pequeñas . La circunferencia de este círculo es tangente a la rama más adelantada del árbol de la derecha. recibe fecundación que une a la tierra y el cielo, el mundo de la materia y del espíritu. Semejante motivo puede ponerse en relación con las "formas artísticas de la naturaleza ", publicadas a partir de 1889 por el fisiólogo alemán Ernst Haeckel , defensor del monismo naturalista de vertiente animista.La proximidad espacial y cromática que enlaza este elemento con el rostro del Buda, por otro lado, que éste visualiza su meditación a la manera de la " fotogarfía de lo invisible " -muy popular alrededor de 1900- y de las " formas pensamientos " de algunos teósofos

Mercedes Tamara

2- enero-2014

Bibliografía : Odilon Redon , Edic Mafre

GERTRUDE STEIN PABLO PICASSO

GERTRUDE STEIN 1906

Gertrude Stein
óleo sobre lienzo 100 x 81 cm
The Metropolitam Museum of Art , Nueva York

Gertrude Stein y su hermano Leo pertenecían a la primera generación de norteamericanos que participaron en el ambiente de las vanguardias sociales del siglo XX. Su casa de París fue el punto de reunión de intelectuales y artistas de 

Europa y América . En 1905, compraron un primer cuadro a Picasso y éste conoció en el domicilio de ambos a Matisse , encuentro que fue el punto de partida de unala rga amistad que concluyó con la muerte del segundo en 1953.

Picasso comenzó este retrato en la primavera de 1906 para el que la modelo, según  ella misma afirmó , posó unas ochenta veces, indicio de que el maestro tardó mucho en quedar satisfecho de la obra, que además introduce una nueva fase en su exposición artística . De hecho , la pieza es un calculado homenaje a Gertrude , quien junto con su hermano ejerció cierto mecenazgo , no sólo adquiriendo cuadros , sino también dando a conocer al joven malagueño a importantes personajes.

El autor interrumpió su obra , marchó a Gosol, y finalizadas estas vacaciones veraniegas, regresó con nuevas ideas que le sirvieron para reconducir el cuadro en un sentido formalmente más primitivo, restándole equilibrio clásico y añadiéndole una concepción arcaizante. La plasticidad adquirió mayor énfasis, y en lugar del gusto minucioso por los detalles potenció el efecto de sintesis. Se ha dicho que el paisaje de los montes leridanos vistos durante la canícula y el conocimiento de las antiguas esculturas ibéricas mostradas en el Museo del Louvre en 1906, le indujeron a modificar su estética , que comienza a reflejar una recreación mágica de la realidad en lugar de mostrar las apariencias visibles.

Hay un curioso contraste entre el rostro, evocador de la dureza de las máscaras , y  el resto de la imagen , que tiene un acabamiento tradicional . Se puede afirmar que en este cuadro es donde por primera vez Picasso denota que su visión subjetiva de artista ha triunfado sobre las percepciones que el común de la gente atisba.

Mercedes Tamara
1-01-2014

Bibliografía : Picasso, Edic Taschen