EL BAILE DE LA VIDA EDVARD MUNCH

EL BAILE DE LA VIDA 1899-1900

EL BAILE DE LA VIDA
óleo sobre lienzo 125,3x190,5 cm
Nationalgalleriet, Oslo

En el centro del gran cuadro Munch pintó un verano el baile con su primer amor : fue un recuerdo dedicado a él. Pou un lado entra una mujer sonriente con rizos rubios ,que quiere cortar la flor del amor , pero que no permite que nadie la toque . Al lado opuesto, vestida de negro otra mujer de aspecto acongojado mira a la pareja que baila( ...) Las tres mujeres se refieren una vez más a los deseos, a las experiencias , las decepciones del varón .

Munch ha convertido el " alegre recreo de baile "en Aagaardstrand ( todavía hoy existe allí un prado rodeado de árboles donde se organizan bailes ) en una escena fantasmagórica . A las cuatro figuras principales del primer plano , que parecen ser prisioneros de un sueño , se corresponden unas parejas sin rostro entregadas , en un impetuoso abrazo al gozo del baile . En la mitad derecha del cuadro destaca un hombre que parece mirar al espectador y que, como una máscara extasiada , expresa sus sentimientos en una mueca que recuerda unas caricaturas.

Como correspodencia a esta pareja , contemplamos en la mitad izquierda la columna de luz que genera el reflejo de la luna en la superficie del mar , símbolo de la fuerza que todo lo subyuga .Todos estos factores refuerzan el efecto de la pareja del centro , que ya por si misma llama la atención del espectador mediante los contrastes de rojo y negro .Ambas figuras tienen los ojos cerrados , absortas en su quehacer , como en una especie de trance . El borde inferior del vestido se ha deslizado hacía la izquierda y parece lamer como una ola al hombre , robándole el suelo bajo sus píes y envolviéndolo en un contorno rojo hasta la mano derecha de la mujer. 

Mercedes Tamara
21-10-2014

Bibliografía : Edvard Munch, Edic Taschen

MUJERES SOBRE EL PUENTE EDVARD MUNCH

MUJERES SOBRE EL PUENTE  1902

óleo sobre lienzo 184,5x 205 cm

Colección Ramus Meyer, Bergen

En esta pintura Munch pinta a tres mujeres jóvenes que vuelven la espalda al espectador miran las oscuras aguas apoyándose sobre la baranda del muelle de Aagaardstrand. El artista vuelve a utilizar aquí uno  de los motivos predilectos : la calle que se pierde en el punto de fuga . Munch construye además una correspondencia entre la diagonal que va de derecha a izquierda y la que corta de izquierda a derecha.

Las paralelas de colores que se estrechan en la parte superior pasando a formar parte de la calle , así como el contorno  de la baranda , dan la impresión de estar siendo absorbidas :pero tal succión no poseé la dinámica y la violencia de los vertiginosos trazos que dominan la composición de El grito

La estructura diagonal halla su complemento en la mitad  izquierda del cuadro , ocupada casi totalmente por las copas de unos tiilos , cuya imagen vemos reflejada en las aguas del fiordo de la Cristianía. La impresión de alegría , producida ante todo por los colores a la vez discretos y brillantes de los vestidos , se ve contrarrestada por el motivo del reflejo oscuro y pesado de las copas. De modo semejante a la columna de luz que la luna proyecta sobre el mar , el reflejo de las copas parece ejercer una atracción mágica sobre las chicas.

Desde el puto de vista de la composición , no cabe duda de que el reflejo ha asumido la función de polarizar el motivo de las figuras femeninas . Las chicas esperan a los mozos que les llevarán de paseo : las mujeres aguardan la llegada del vapor que traerá consigo a sus maridos 

Mercedes Tamara
21-10-2014

Bibliografía Edvard Munch, Edic Taschen

CLARO DE LUNA DE EDVARD MUNCH

CLARO DE LUNA DE EDVARD MUNCH

CLARO DE LUNAQ
ÓLEO SOBRE LIENZO 85,5 X 108 CM
MUSEUM OF FINE ARTS BOSTON

En este cuadro el motivo principal es la columna lunar que da protagonismo al cuadro. No se necesita ser ningún psicoanalista para reconocer en el agua y en la columna de luz , así como en los rígidos troncos que organizan las verticales del cuadro y en las suaves horizontales con la que está delineada la orilla, símbolos de lo masculino y de lo femenino. El paisaje munchiano se convierte así en un espacio pictórico cargado de fuerzas, en cuyo seno las formas naturales pasan a ser notas caracteríticas de un nuevo lenguaje formal .

Si se compara el cuadro con su modelo natural, sea la playa  de Aagaardstrand o el bosque, llama la atención la simplificación, la monumentalización , la geometrización y la reducción de las formas de la naturaleza. Las ramas de los pinos se convierten  en triángulos que recuerdan velas henchidas por el viento, el reflejo del brillo de la luna se convierte en una columna refulgente que flota sobre el mar.

Tanto la renuncia a la perspectiva como la rigurosa forma de los troncos paralelos  que se disparan abruptamente hacía lo alto, recoge el suave colorido aparentemente sin consistencia , en particular de la zona de transición entre el mar y la tierra firme.

Mediante el empleo de medio sugestivos ( la luna, el mar etc ) el suave manejo del pincel y la compenetración de la luz y de la sombra , la composición adquiere a pesar de su formato medio una claridad y una solidez tal que no es difícil imaginar una versión monumental del cuadro:

Mercedes Tamara
21-10-2014

Bibliografía : Edvard Munch, Edic Taschen

CENIZAS EDVARD MUNCH

CENIZAS 1894

CENIZAS 1894

óleo sobre lienzo 120 x 141

Nasjonalgallerie, Oslo

En la exposición de Leipzing, Munch había colgado juntoa Madonna , un cuadro que debido a la riqueza de su significado , podemos considerar como una de las obrasmás enigmáticas que integran el " Friso de la vida " .

En la sala central de la Galeria Nacional, se ha reconstruido la colocación original de los cuadros , de tal suerte que el óleo  Cenizas de 1894 , se encuentra en la pared frontal entre Madonna y el Grito .

De un modo más acentuado que en otras obras de Munch,el paisaje que vemos en este cuadro tiene el carácter deun escenario. El centro lo ocupa una mujer en posición erecta que mira de frente al espectador ,mientras que en el ángulo inferior observamos la figura  e un hombre sentado en una postura que denota desesperación , aflicción o acaso tan sólo melancolía.

La mujer está vestida con una combinación blanca en parte desbotonada , dejando ver una camiseta de color rojo brillante.Sus manos están cruzadas tras la nuca. Su largo cabello castaño rojizo cae a ambos lados y por la izquierda parece transformarse en una linea que amenaza con alcanzar la cabeza y la espalda del hombre. Su rostro parece rígido , sus ojos están muy abiertos . El lugar del acontecimiento , simple como un escenario , podría describirse también como una playa nocturna. La mirada va al agua al pinar contiguo , donde los esbeltos troncos de los pinos estructuran el oscuro bosque de fondo. El rasgo más peculiar,sin embargo, es el tronco caído en el primer plano que a la izquierda del cuadro se desvanece en una columna de humo.

Mercedes Tamara 

21-10-2014

Bibliografía : Edvard Munch , Edic Taschen

DESNUDO CON UN COLLAR ( AMEDEO MODIGLIANI )

DESNUDO CON COLLAR 1917

DESNUDO CON UN COLLAR
Óleo sobre lienzo 75x 116 cm
Nueva York, Solomon R Guggenheim
Museum

Esta joven que posó para Modigliani que tenía catorce al os menos que él se llamaba Jeanne Hebuterne y asistía a la academia de pintura .Sus amigos le advirtieron que se alejara de ella , porque su familia era muy estricta y seguramente no vería con buenos  ojos esta relación. 

Pero nada en el mundo podía hacerle desistir de amar a esta joven con cuello de cisne ya que Modigliani estaba profundamente enamorado de esta joven y nada ni nadie iba a impedir esta relación. Jeanne  desafió a su familia y se convirtió en modelo del artista .


Entre las obras que Modigliani la retrató se encuentra Desnudo con collar Según Francis Carco este era" un himno a la belleza sensible " y esta obra refleja , en cierto modo el período melancólico que atravesaba  Modigliani pues ya estaba muy enfermo y no tardaría mucho en morir muy joven , solo tenía 36 años.


Desnudo con collar refleja un gran belleza y una sensualidad muy seductora, pero también hay  mucha artificialidad y frialdad , algo que es  una constante en los desnudos de Modigliani El encuadre de la obra permite al espectador un encuentro directo con la modelo.


Los desnudos de Modigliani son muy simbólicos  ya que se limitan a ofrecer una presencia física,sin otra temática que la existencia de estos cuerpos en un espacio exento de otras características .Pese a su carnalidad , los desnudos de Modigliani ostentan invariablemente un cierto estructuralismo.


Aunque las modelos se descubran de forma coqueta ,evocando a veces las fotografías eróticas tan estimadas en aquel tiempo, su sensualidad nunca es vitalista; muy al contrario se presenta contenida y melancólica : son  figuras artísticas cuya belleza irradia una frialdad y dignidad pétreas 

Mercedes Tamara

18-10-2014

Bibliografía : Modigliani, Edic Taschen

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HABITACION DE HOTEL DE EDWARD HOPPER

HABITACION DE HOTEL 1931

Habitación de hotel

óleo sobre lienzo 152,4 x 165,7 cm

Museo Thyssen Bornemizsa

En Habitación de hotel, Hopper hace una evocadora metáfora de la soledad, uno de sus temas preferidos. Se trata del primero de una larga serie de óleos ambientados en diferentes hoteles que el artista pintó llevado sin duda por su fascinación por el viaje. Está realizado un año después de Mañana de domingo, otro homenaje a la alienación del hombre contemporáneo, que se reconoce como su primera obra maestra y que fue el primer cuadro de Hopper adquirido por el Whitney Museum of American Art.


Tras sus primeros éxitos, Hopper se atreve en Habitación de hotel a utilizar un lienzo de gran formato. Representa una muchacha semidesnuda en el interior de una sencilla habitación de un modesto hotel, en medio de una noche calurosa. Josephine Nivinson, Jo, la mujer del artista desde 1924, anotó en su diario que posó para esta pintura en el estudio de Washington Square y en el cuaderno de notas del pintor describió el cuadro junto a un boceto realizado por el artista. Tal vez la joven acaba de llegar, y sin deshacer su equipaje, se ha quitado su sombrero, su vestido y sus zapatos y se ha sentado lánguidamente en el borde de la cama, sumida en sus propios pensamientos, con la introspección propia de las figuras femeninas de los cuadros de Hopper. Lee un papel amarillento, que según sabemos por las exhaustivas notas de Jo, se trata de un horario de trenes. 


El aspecto tranquilo y melancólico de la muchacha, de escala monumental, contrasta con la frialdad de la estancia, desnuda, sencilla y despersonalizada. Ésta se ha construido a base de unas pocas líneas verticales y horizontales, que delimitan grandes planos de color unitario, cortados por la fuerte diagonal de la cama. Está iluminada por una luz artificial que no vemos pero que produce un fuerte contraste de luces y sombras, que Hopper acentúa para dotar de un mayor dramatismo a la escena.

Mercedes Tamara

15-10-2014

Bibliografía : Edward Hopper. Edic Taschen

LOLOTTE AMEDEO MODIGLIANI

LOLOTTE  1916

Lolotte 
Óleo sobre lienzo 61 x 28 cm
Paris, Centre Georges Pompidou

El arte pictórico de Modigliani emana la elegancia más sublime .Él era nuestro aristócrata escribe Jean Cocteau sobre Modigliani;y nada deja de entrever su conocida enemistad . De hecho existen algunos paralelismos entre ambos artistas , inspirados en la vida bohemia y en el " dandismo " ; un buen ejemplo es su inclinación por el refinamiento decorativo de la línea en sus elegantes dibujos.


El parentesco entre anímico de Cocteau y Modigliani se expresa ademas en una sensible descripción del arte de este último:" Sus lineas trémolas, a menudo tan delicadas y finas que parecen el espíritu de una línea , se mueven con la agilidad de un felino, sin jamás ensancharse o resultar torpes .

No era Modigliani quien distorsionaba y prolongaba las caras ;no era él quien evidenciaba su asimetria , quien les vaciaba unojo, quien les alargaba el cuello. Todo esto ocurría en su corazón Su dibujo era una conversación muda , un diálogo entre sus lineas y las de otros pintores.

Si finalmente sus modelos se parecen entre si , también las muchachas se asemejan como gotas de agua . El sometía a todos a su trazo,al prototipo que llevaba en su interior , y, ya por costumbre , buscaba rostros que se pareciesen a la configuración que exigía en los hombres y en las mujeres. Por eso, la semejanza no es otra cosa sino un pretexto mediante el que el artista confirma de su propia imaginación. Y con ello no nos referimos a su ideal físico, sino a lo misterioso de su genio.

Mercedes Tamara
10-10-2014

Bibliografía : Modigliani, Edic Taschen