FIGURA EN UNA MESA MUCHACHA ACODADA SALVADOR DALI

                            FIGURA EN UNA MESA MUCHACHA ACODADA 1925

Figura en una mesa, muchacha acodada
óleo sobre cartón sobre tabla 46 x 48
Colección privada

Salvador Felipe Jacinto Dalí i Domènech, ​ marqués de Dalí de Púbol fue un pintor, escultor, grabador, escenógrafo y escritor español del siglo XX. Se le considera uno de los máximos representantes del surrealismo. Salvador Dalí es conocido por sus impactantes y oníricas imágenes surrealistas.
 

Este cuadro " Figura en una mesa, muchacha acodada " lo realizó durante el período que vivió en Cadaqués En esta primera época de su vida artística estuvo influenciado por Picasso durante su etapa neoclásica y la admiración que ambos sentían por Ingres

 La modelo ocupa la mayor parte del lienzo en una postura en la que se muestra pensativa con el brazo derecho apoyada sobre un sofá   Lleva el mismo traje azul como en otros retratos .En esa etapa Dali eligió a su hermana como su modelo preferida  Es una pintura bastante austera pero muy bien ejecutada

Mercedes Tamara

26 septiembre 2022

Biografia Dali Edit Taschen 

RETRATO DE HELENE KLIM GUSTAV KLIMT

                                               RETRATO DE HELENE KLIM 1898

Retrato de Helene Klimt
óleo sobre lienzo 60 x 40 cm
Kuntsmuseum Bern

Enest Klimt y Helene Flöge se casaron en 1891. La joven familia sufrió un duro revés con la repentina muerte de Ernst el 9 de diciembre de 1892. La pequeña Helene Luise había nacido el 28 de julio de ese mismo año y Gustav Klimt quedó como tutor de la niña, encontrando madre e hija refugio en sus familias. La muerte de Ernst puso fin a la Compañía de Artistas que integraban los hermanos Klimt y Franz Matsch.

 La joven viuda pronto encontró un empleo colaborando en la tienda de modas que las hermanas Flöge abrieron en Viena. También trabajará aquí Helene, primero como recepcionista para convertirse en co-propietaria cuando su madre fallezca en 1936. Cuando la casa de modas cierre dos años después, vivirá con sus tías en el 39 de la Ungargasse, donde fallecerá el 5 de enero de 1980. 

La pequeña Helene tenía seis años cuando posó en este delicado retrato al pastel, exhibido públicamente en 1898 y en la exposición de la Secession del año 1903. Viste un traje azulado y lleva un corte de pelo "a lo paje", mostrándose de perfil. En nariz, labios y mofletes se aprecian tonalidades rojizas que aportan mayor viveza al rostro. La figura se recorta ante un fondo neutro de tonalidades claras. El estilo recuerda al impresionismo, mostrando de esta manera Klimt su facilidad para tocar diferentes formas de trabajar hasta encontrar un estilo propio.

Mercedes Tamara

28 agosto 2022

Bibliografia : Artehistoria

MUCHACHA DE ESPALDAS SALVADOR DALI

                                               MUCHACHA DE ESPALDAS 1925

Muchacha de espaldas
óleo sobre lienzo 104 x 74 cm
Museo de Arte Reina Sofia, Madrid 

Dali creció en un ambiente familiar muy especial . El padre era un abogado estricto y conservador y la madre era una mujer más moderada . Ellos son padres especiales y educan a sus hijos de una manera especial.

Antes de nacer Salvador, nueve meses antes, había muerto otro Salvador. Su hermano, sus padres eran gente educada como catalanes creyentes , sustituyeron al niño muerto de tres años por el otro. Así pusieron Salvador en homenaje al hermano muerto

Tenía a su hermana Ana Maria se convirtió en su modelo preferida y la pintó varias veces , casi siempre de espaldas, como una de sus obras más famosas titulada " Muchacha en la ventana ". Según Ana Maria su hermano la pintaba sin parar convirtiéndose en su modelo favorita en los inicios de su actividad como pintor.

 Ana María es retratada de nuevo de espalda sentada en una silla ,  lleva una especie de camisa , que deja sus hombro derecho al descubierto  , sus bucles fascinaron a Dali ya que se recreó en ellos . Al fondo y a la izquierda se pueden observar la silueta de varios edificios, probablemente de Cadaques Esta obra es academicista y sensual.Años más tarde su estilo derivaría en el surrealismo , movimiento artístico que le proporción mucha fama

Mercedes Tamara

10 agosto 2022

Bibliografia Dali, Edic Susaeta 

I INTERIOR HOLANDÉS SALVADOR DALI

                                                    INTERIOR HOLANDÉS 1914

Interior holandés 
óleo sobre lienzo
Fundación Salvador Dali 

Con tan solo diez años, Dali copia de una imagen del pintor español Manuel Bendita y Vives ( 1875-1963 ) en la que podemos distinguir la mano del artista seguro de su habilidad y feliz por absorber las influencias del trabajo de otros artistas.

Dali adaptó la  pintura del artista español con una técnica mas basta y rudimentaria que parece mas bien un bosquejo que una pintura elaborada Vemos la influencia de Vermeer, (el pintor al que Dali admiraba y del que copio algunas pinturas ) , la luz envuelva a la protagonista del cuadro y al animal que contempla extasiado a su. dueña , contrastando con las zonas mas oscuras con una pincelada pastosa pero muy bella

Mercedes Tamara

6 agosto 2022

Bibliografia : Dali, Edic Todoarte 

MUCHACHA DE FIGUERAS SALVADOR DALI

                                              

MUCHACHA DE FIGUERAS 1929

Muchacha de Figueras
oleo sobre lienzo 24  x 25 cm
Fundación Salavador Dali Gala 

Esta obra pertenece a la externas serie monotemática sobre la imagen de su hermana Ana Maria . La escena nos introduce en el mundo del " art decó" Ana Maria es representada a la moda art decó , un ejemplo de ello es su corte de pelo , también se acerca a la pintura clásica de Derain sobre todo en la manera de modelar los edificios en segundo plano . Se aprecian otras influencia de la pintura flamenca que había tenido ocasión de conocer en viajes a los Paises Bajos y Fancia en 1926. En concreto podemos ver la influencia del pintor holandés Vermeer 

El tema principal es  un homenaje a la mirada precisa , esa mirada de la mujer en el ámbito espacial donde trabaja . Es el el acto de mirar muy concentradamente en silencio .En este silencio la naturaleza se manifiesta nítida en sus perfiles y con un aspecto mágico de la realidad , que solo conocen los devotos de la religión llamada arte. 

No sólo es un homenaje a los primitivos flamencos sino también a Italia y ello por dos aspectos . El primero porque aplica la perspectiva aérea de Leonardo da Vinci, donde los objetos en profundidad se tornan azulados o verdosos por las leyes ópticas como en estas nubes de Dali . y el segundo presenta elementos prerrafaelistas como las nubes de Mantegna

Mercedes Tamara

5 agosto 2022

Bibliografia. Artehistoria 

LAS TRES EDADES DE LA MUJER GUSTAV KLIMT

          LAS TRES EDADES DE LA MUJER 1905

Las tres edades de la mujer
óleo sobre lienzo 180x 180 cm
Galleria d´Arte Moderna , Roma

 Las tres edades de la mujer retoma  un tema ya abordado por el pintor en otras obras alegóricas com Esperanza I ( 1903 ) y Esperanza II ( 1907-1908 ): el devenir representado en los ciclos vitales. Sobre un fondo de tonalidades preferentemente oscuras se representan tres figuras que materializan las tres edades que atraviesa el hombre are : a la derecha una niña dormida en los brazos de una mujer joven en actitud plácida : a la izquierda , una anciana de perfil que esconde el rostro de forma trágica en una de sus manos . El deseo de contrastar cada una de las etapas lleva al pintor a emplear distintos tipos de realismo a la hora de concebir las figuras , siendo más acusado y naturalista en el caso de la vejez , y de mayor estilización y suavidad en el caso de la juventud y niñez : esta diferenciación es, a su vez, reforzada mediante la v variedad de expresiones otorgadas a los rostros .

Pese a que la progresión lógica de la secuencia vital implica el paso del originario estado de mayor inocencia y plenitud física e intelectual a la degradación que todo ello supone la vejez . En esta obra, al igual que hiciera posteriormente en Muerte y Vida (1916 ). Gustav Klimt concibió el rostro de la niña dormida bajo los sintomas de cierta inquietud que no es sino el temor a un destino común de la humanidad que es la vida como el avance hacia la propia muete.

La obra fue expuesta por primera vez en la II Exposición de Deutscher Kündesbund de Berlin de 1905 y posteriormente junto al El beso ( 1907-1909 ) obra con la que guarda ciertas afinidades competitivas y formales ( disposición y actitud de la mujer joven. En 1913 recibió. la medalla de la Exposición Internacional del Arte y de Roma.

                                                     Mercedes Tamara

                                                     20 enero 2022

Bibliografía : Gustav Klimt , Edit Taschen

                                                  

BAÑISTA CON UNA PELOTA DE PLAYA PABLO PICASSO

Bañista con pelota de playa 1932

Bañista con pelota de playa
óleo sobre lienzo 146 x 115 cm
Colección particular

En en el periodo de verano de 1928 que coincide con su entrada en el Surrealismo , Picasso comenzó a pintar una serie de escenas playeras que exploraban abiertamente la sexualidad.. Los primeros años que pasó en Paris revelan una obsesión con la sexualidad  y, en particular, con las enfermedades de transmisión sexual . Su cuaderno de bocetos de 1927 , cuando vivía en Cannes revela una obsesión por la sexualidad centrada en el falo en la que representa figuras andróginas antropomoficas.

El arte de Picasso de este periodo es un reflejo. de su vida  personal. En 1927  conoció a una nueva modelo Maria Thetese Walter, en una época en la que relación con su esposa Olga estaba empezando a agriarse Aunque en realidad no se separó hasta 1935. mantuvo en esa época un romance con Maria Thetrse  y su obra refleja esa tensión inevitable .La representación de muchas de esas escenas en la playa es explícitamente sexual  y con frecuencia sus proporciones son las mismas que la de Maria Therese con en  Bañistas con una pelota de playa . La naturaleza depredadora de su amante en esta imagen en la que Picasso regresaría más tarde en sus representaciones del mito del. Minotauro ,tema clave del Surrealismo

        Mercedes Tamara

12 03 2019

Bibliografía.El Surrealimo Edit Taschen

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BISTROT ( EL JAMÓN ) PABLO PICASSO

BISTROT ( EL JAMÓN ) 1912

El bistrot ( el jamón )
óleo sobre cartón y limaduras 29, 9 x 38 cm
Museo del Ermitagea

Pablo Ruiz Picasso (1881-1973) tuvo un desaforado apetito por la vida, el arte y las mujeres, pero lo que igual no saben ustedes es que en cuestión alimenticia fue bastante sobrio y seguidor de una estricta dieta durante muchos años. Comensal parco y frugal, el pintor dedicó sin embargo gran parte de su obra a elementos relacionados con la comida como bodegones, cerámicas o esculturas hechas con utensilios de cocina.

 Bistrot pertenece al género de cuadros formulados por Picasso en los cuales un grupo de elementos tomados arbitrariamente conforman un sistema de símbolos . El trozo de jamón , el menú , la cuenta , el cuchillo , el tenedor y la servilleta arrugada son los símbolos o signos de la restauración dispuestos en desorden en el óvalo del cuadro 

Picasso introduce en la obra elementos ajenos al tema : limaduras pintadas . Signo concluyente de la estancia en el bistrot, la cuenta está escrita con. tiza sobre una hoja negra que recuerda a una pizarra.

Mercedes Tamara

22-08-2018

Bibliografia : Picasso " Edit Taschen "

MUJER CON SOMBRERO DE PLUMAS PABLO PICASSO

MUJER CON SOMBRERO DE PLUMAS 1901

Mujer con sombrero y plumas
Óleo sobre lienzo, 46 x38 cm. leyenda

En la época azul, Picasso distorsionó a la figura humana con imaginación para representar el decaimiento moral y físico de sus personajes. Dibujó miembros y dedos alargados y pintó cuerpos huesudos. Este estilo de pintura es similar al estilo de El Greco que Picasso había visto en Madrid y Toledo. Los cuadros siguientes--El guitarrista viejo (1903) y Dos figuras (1904)--muestran este estilo; la mano flaco del limosnero y la mano frágil de la mujer son ejemplos buenos del estilo.

No pertenece estrictamente al periodo azul de Picasso, pero en la obra ya predomina esa tonalidad, un color frío asociado a la Virgen, que viste en la pintura religiosa tradicional de blanco y azul (los colores de la pureza y el cielo).

El uso de este tono tiene claros referentes simbólicos que operan sobre nosotros, seamos o no conscientes; también está asociado, sobre todo en la cultura anglosajona, a la depresión y la melancolía, el cielo, el mar y la noche. A esta última y no al cielo remite el azul picassiano, teniendo en cuenta que asociamos esta, y no el día,  a la tristeza y la desesperanza.

 El color para ese estado de ánimo era irremediablemente el azul, y no era asunto nuevo: así eran La noche estrellada y una de las habitaciones de Van Gogh, azul de fondo había en El grito de Munch, era un tono recurrente en Nonell, Cézanne o Toulouse-Lautrec y Enso rpintaba en Bruselas mundos de pensamiento melancólico. Antes, El Greco había representado con verdes azulados figuras espiritualizadas y consumidas: como el negro, es un tono que estiliza por evocar lo trascendente.

El año en que Picasso pintó a esa dama con sombrero, 1901, corresponde al inicio de su periodo azul, y fue también el año en que murió su amigo Casagemas y él pintó su entierro. 

Mercedes Tamara

10-07-2018

MUJER ECHADA EN UN DIVÁN PABLO PICASSO

MUJER ECHADA EN UN DIVÁN

Mujer echada en un diván
óleo sobre lienzo 81 x 100cm
Museo de Basilea 

Las postreras obras de Picasso parecen analizar en todos sus aspectos el tema amoroso, y lo hacen con una pintura siempre renovada. Ahora, sus lienzos adquieren una nueva sensibilidad crornática y formal. Líneas curvas, espirales y formas ovaladas son puestas en directa contraposición a narices y nucas cortantes y afiladas. Los reflejos nacarados de los miembros inferiores y el rojo vivo y denso del fondo entran sin embargo en conflicto con el azul sucio de algunas zonas, mezclado con un melancólico gris que parece simbolizar el paso del tiempo. En cráneos desproporcionados, deformados, los ojos se pierden uniéndose a narices y bocas duras, rígidas, casi metálicas.




En esta obra, el cuerpo de la mujer parece dividirse en las dos extremidades. Un hipotético beso, muy distinto del apasionado y casi no humano de 1925, aproxima a las dos figuras. La cita de un acto casi incumplido parece además subrayada por la ausencia de corporeidad del personaje de la derecha, que como un fantasma apenas indicado se mimetiza con el fondo, de un gris azulado.

 El trazo con que están hechas las figuras parece volver al grafismo de las obras de la segunda postguerra, Cráneo, erizos de mar y lámpara sobre la mesa (1946) y La cocina (1948). El lienzo fue realizado en Mougins, donde el mar y la luz parece haber influido en muchas de las opciones cromáticas de Picasso. El azul de esta pintura pasa de zonas oscuras a transparencias casi vítreas. El tiempo, el amor y la pintura son los temas que el artista quiso seguir cultivando hasta el final en sus experimentaciones pictóricas. El mismo declaró: "Todo lo que he hecho no es más que el primer paso de un largo camino. Se trata únicamente de un proceso preliminar que deberá desarrollarse mucho más adelante".

Mercedes Tamara

9-07-2018

Bibliografia Picasso: Guía de los Grandes Museos Edit Planeta

GIRELOTS ROSES CIELS EN LAMBEAUX RENÉ MAGRITTE

GIRELOTS ROSES CIELS EN LAMBEAUX 1930

Grelots roses, ciels en lambeaux (Cascabeles rosas, cielos en jirones)
Óleo sobre lienzo, 73 x 100 cm. Museo Reina Sofía.

Uno de los principales elementos que puebla las obras de René Magritte es el cascabel, un icono recurrente en su producción, que evoca de forma misteriosa la infancia del pintor y que posteriormente pasaría a integrar el conjunto de elementos simbólicos de su obra. Grelots roses, ciels en lambeaux (Cascabeles rosas, cielos en jirones), 1930, es una de las pinturas en las que Magritte incluye este símbolo, junto con otro de sus motivos preferidos, las nubes. Como en otras de sus pinturas en las que aparecen también estas «campanas mudas», los cascabeles flotan materialmente en el aire ocupando la mitad del cuadro, desprovistos de su peso, función y escala habituales, lo que les proporciona una apariencia irreal, en la que radica su potencia onírica. A ello contribuye también la técnica utilizada, de precisión casi fotográfica, que parece congelar la imagen en el tiempo y el espacio.


La otra mitad de la escena –la pintura está dividida en dos zonas exactamente iguales– está ocupada por un cielo repleto de esponjosas formaciones de nubes, que contrastan con la majestuosa rotundidad del espacio poblado de esféricos cascabeles. La diferencia cromática –azul encendido para el fondo nuboso y salmón eléctrico para el espacio en que se recortan los cascabeles– contribuye a la sensación general de desconcierto e inquietud que emana del cuadro, como corresponde a las más logradas visiones surrealistas.

Mercedes Tamara

2-07-2018

Bibliografia ForoXerbar 

FEMME AUX BRAS CROISES PABLO PICASSO

FEMME AUX BRAS CROISES 1902

Femme aux Bras Croisés ( Mujer con brazos plegados )
óleo sobre4 lienzo 60 x 80 cm
Donación de Gertrude Stein

La pintura es un buen ejemplo del período azul de Picasso, ambos capturan la combinación de colores y las emociones sombrías encontradas en su trabajo durante este tiempo

Femme aux Bras Croisés ( Mujer con brazos plegados ), es una pintura de Pablo Picasso realizada en 1902 durante su período azul . El tema de la pintura es desconocido, pero ella puede ser un recluso del hospital Saint-Lazare-prisión en París.








A primera vista, esta imagen parece bastante vacía, sin embargo, al profundizar en las características de la pintura es evidente que hay muchas cualidades connotativas y, a su vez, es una de mis pinturas favoritas de Picasso. Pintado durante el "período azul" de Picasso, como es más conocido, la imagen está dominada por tonos de azul que denotan una sensación de tristeza, misterio y evoca intriga. Mediante el uso de un color dominante en el lienzo con poco énfasis en cualquier otro, Picasso es capaz de crear muchas emociones simplemente por el tono de su imagen. 

Mercedes Tamara

29-06-2018

Bibliografia Wikipedia

LA COMIDA FRUGAL PABLO PICASSO

LA COMIDA FRUGAL

La comida frugal
Aguafuerte sobre plancha 46,3 x 37,7 cm
Colección Carmen Thyssen

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La  comida frugal, un aguafuerte ejecutado en septiembre de 1904 sobre una plancha de zinc que había ya utilizado Joan González para grabar un paisaje, previamente borrada, es una de las primeras incursiones de Picasso en la técnica del grabado. Pertenece a La Suite des saltimbanques, una serie de quince aguafuertes y puntas secas realizada entre 1904 y 1905. Por consiguiente, sorprende la maestría técnica con la que Picasso trabaja en un medio que era prácticamente nuevo para él. 

Esta melancólica obra, que marca el final de su época azul, nos muestra posiblemente a dos saltimbanquis que se convertirían en el motivo principal de su periodo rosa desde que los vio actuar en la Esplanade des Invalides en 1904. Al mismo tiempo, el hombre ciego, que nos muestra de perfil en contraste con la imagen frontal de la mujer, nos acerca al tema del retrato de la ceguera que ya había introducido en una de sus pinturas más conmovedoras del periodo azul, Ciego comiendo, realizada en Barcelona en el otoño de 1903. Los cuerpos enflaquecidos y frágiles de la pareja, sus manos exageradamente alargadas y sus rostros angulosos, unidos a un lenguaje de ritmos manieristas, no hacen más que enfatizar su aspecto marginal. Fernande Olivier testimoniaba años más tarde que el grabado personificaba «una intensa expresión de pobreza y alcoholismo». 

 Mercedes Tamara

24-06 .2018

Bibliografia Colección Carmen Thyssen Bornemizsa 

SYLVETTE PABLO RUIZ PICASSO

SYLVETTE 

Sylvette
óleo sobre lienzo 131 x 97 cm
Art Institute of Chicago

Sylvette es el título del retrato de una mujer joven con la cola de caballo pintada por Pablo Picasso. La modelo para la pintura era (Lydia) Sylvette David, también conocida por su nombre de casada Lydia Corbett, una mujer francesa que trabajó en un taller de cerámica cerca del estudio de Picasso en Vallauris, en el verano de 1953. 

No hay duda de  que el cubismo de Picasso ha sido la mayor revolución pictórica mas importante del siglo En 1954 realizó este lienzo cuando residía en Vallauris . Las inquietudes an analíticas y sintéticas de etapas anteriores han dado paso a una emancipación total de la realidad y el imperativo de evocar experiencias visuales que formaron parte de las vivencias del artista .

Con el método de de despeine geométrico , Picasso rinde de un modo reconocible para cualquier espectador la figura de una modelo vestida con un traje de dos piezas ,

compuesto por amplios pantalones , blusa y chaleco , a la moda tradicional en los harenes que describiera Delacroix en 1834 . Este cuadro pertenece a una serie de quince que el pintor realizó sobre la obra que se conserva en El Louvre.

Mercedes Tamara

18-06-2018

Bibliografia:.Picasso, Biografia, Vida y citas 
                Picasso .Edit Taschen

PERSPECTIVAS SALVADOR DALI

PERSPECTIVAS 

Perspectivas
óleo sobre lienzo 65 x 65 cm
Museo de Basilea

Salvador Dalí es , por derecho propio , una de las figuras destacadas del surrealismo , tendencia en la que se orientó de modo definitivo su personal estilo hacia 1929.

Como demuestra  en Perspectivas, los rasgos sobresalientes de su manera pictórica son una técnica de carácter academicista , basada en un lenguaje en la que el dibujo  adquiere un protagonismo destacado, a base de lineas bien bien trazadas de una forma virtuosa y con una capacidad ilimitada para asociar imágenes disonantes .

A todo ello hay que añadir excelentes condiciones para las relaciones públicas y la propaganda de su propia obra . El lienzo se halla en las lineas del clasicismo daliniano que ofrece una sucesión de planos indicada exclusivamente por las figuras que se insertan en un paisaje carente de términos . se se exceptúa la formación plana del horizonte 

                                                        Mercedes Tamara

                                                        16-06-2018

                                        

                               

Bibliografia : Dali, Edit Taschen

  

RETRATO DE MUJER PABLO PICASSO

Retrato de mujer
óleo sobre lienzo 65 x 54 cm
Museo de Sao Paulo , Brasil

Etapa azul (1901-1904)

La que es conocida como la etapa azul de Picasso, se extiende durante cuatro años, de 1901 hasta 1904. En esta etapa se aprecia un cambio tanto en el color como en la temática de sus trabajos. Estos cambios sin embargo serán introducidos de manera gradual, lo mismo que ocurrirá en su siguiente etapa rosa

. El inicio de este nuevo cambio en la obra de Picasso está marcada por el suicidio de su amigo Casagemas. Durante este período su trabajo se va a caracterizar por el uso de tonos azules y fríos, dando nombre así a la etapa. La temática que desarrollará será principalmente de ambiente bohemio. Los personajes que aparecen en sus cuadros serán principalmente, mendigos, borrachos y prostitutas, además todas estas figuras se caracterizarán por los rasgos ligeramente alargados.

En el Retrato de mujer En 1904 Picasso pintó este retrato que corresponde a la época azul eligió a una modelo cuyo nombre era Suzanne Bloch , a quien el pintor conoció en Paris , personaje que cobra en la tela una aura sibilina y misteriosa que trasciende las vivencias de una personalidad poco común .

El lienzo fue realizado en el año 1904 , época en que da por terminado el período azul La gama cromática habitual de este momento picassiano , se caracteriza por la elección de una gama cromática de tonos azules violáceos empastados con levedad y rápida pincelada.

Apenas existe en el procedimiento un interés por captar la luz y obtener consecuencias de modelado a la manera del impresionismo vigente , sino que el objetivo final de la obra se traduce en un sentimiento de melancolía y desencanto ante la vida propia de la idiosincrasia española . A este respecto, la gama fría aporta un. acorde frío y escalofriante.

Mercedes Tamara

26-04-2018

Bibliografia . Picasso, Edit Taschen

                    Wikipedia

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El Retrato de mujer corresponde a la época azul de

LA BEBEDORA DE ABSENTA PABLO PICASSO

LA BEBEDORA DE ABSENTA 1901

La bebedora de absenta
óleo sobre lienzo 73 x 54 cm
Museo del Ermitage, San Petesburgo

Picasso realizó este cuadro en el otoño de 1901, durante su segunda estancia parisiense. El tema de la soledad, representado a través del aislamiento de unos personajes más o menos anónimos en el interior de un café, no era nuevo para los artistas de la capital francesa; ya Degas y Toulouse Lautrec lo habían utilizado en algunas de sus obras. Pero en el joven artista español hay un sentido del drama muy distinto. El café, a diferencia de los cuadros de sus colegas, no posee ningún aspecto cómodo ni acogedor; no hay belleza en estos lugares estudiantiles y llenos de humo.



La escena parece comprimir a la figura femenina, a la que se deja sola en medio del lienzo. La soledad que Degas y Lautrec plasmaban era totalmente íntima y personal, ligada al personaje retratado; en Picasso, esa soledad contagia e impregna el ambiente. En La Bebedora de absenta la figura está inmóvil: la mano nerviosa se retuerce a lo largo del brazo. Todo es irregular, todo parece recorrido por una fuerte tensión que aísla profundamente al sujeto.

Para transmitir el mundo interior el pintor recurre a nuevos medios expresivos , hace que el cuerpo de la mujer sea desproporcionadamente estrecho , de particular expresividad en sus manos deshuesadas , premeditadamente alargadas y que parecen rodear el cuerpo y la forma del rostro está intensificada en extremo . El pintor resuelve el plástico con el color , emplea solo tonos sordos y sombríos 

Mercedes Tamara

6-04-2018

Bibliografia : ArteHistoria

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JACQUES LIPCHITZ Y SU ESPOSA AMEDEO MODIGLAINI

JACQUES LIPCHITZ Y SU ESPOSA 1912

Jacques Lipchitz y su esposa
óleo sobre lienzo 80 x 64 cm
Art Institute of Chicago

El retrato de Jacques Lipchitz y su esposa no es sólo una extraordinaria  muestra de las dotes de captación psicológica y de la originalidad formal de Amedeo Modigliani , sino también un interesante documento de la existencia de un círculo de artistas en el Paris de los años 1912-1916 unidos por los lazos de verdadera amistad y entre cuyos miembros se establecerían influencias recíprocas.

Los componentes del grupo , junto a Modigliani y el escultor de origen lituano retratado junto a su esposa en este lienzo, eran Picasso, Matisse y Juan Gris . El doble retrato fue pintado en 1916, pocos dias después de celebrado el matrimonio.

Modigliani intentó en esta obra  tratar el tema como" una especie de fotografía de boda ".

Su realización tuvo lugar en estudio del escultor , puesto que Modigliani se hallaba en una precaria situación económica que carecía incluso de lugar de trabajo. Lipchitz , sin embargo, deseaba un retrato trabajado a fondo ,por lo que insistió hasta lograr que Modiglani continuara su labor -ya sin modelo- por espacio de una o dos semanas . A pesar del tiempo invertido , el pintor sólo cobró leña suma de cincuenta francos . Lipchitz tuvo que vender el retrato pocos años después, a. causa, asimismo ,de su precaria situación económica. 

Mercedes Tamara

14-03-2018

Bibliografia : Modigliani Edit Taschen

ARLEQUIN PENSATIVO PABLO PICASO

ARLEQUIN PENSATIVO 1901

Arlequín pensativo
óleo sobre lienzo 82,7 x 61,2 cm
Nueva York , The Metropolitan Museum

En el otoño del año 1901, comienza el período azul que se caracteriza por la monocromia del color Algunas obras de este periodo son : La muerte de Casagemas, Mujer de azul y Niña sentada, que , devienen en obras cada vez más importantes hasta constituir la opción cromática dominante, hasta el punto de que el lenguaje pictórico roza de manera creciente este color






















Este Arlequin pensativo , personaje típico de la producción picassiana , nos muestra al protagonista en una actitud reflexiva , definido con contornos abstractos simples pero bien delimitados, Estos trazos y de carácter autónomo y no guardan relación los unos con otros De forma simple y las formas sintéticas recuerdan algo de Gauguin.


Estamos ante una obra figurativa en la que adquiere gran importancia el dibujo y el color . Con la gradación de colores , el artista consigue una gran luminosidad



El protagonista de esta obra está tratado en el mismo decora-tivismo plano que las flores del fondo. Como en un tablero de ajedrez, el Arlequín de Picasso, de contornos abstractos y simples pero firmemente definidos, parece compuesto por trozos y elementos autónomos unos respecto de otros, como un rompecabezas. La simplicidad de los colores y las formas sintéticas recuerdan obras de Gau-guin



En cuanto a la policromía de la obra, existe un predominio de los tonos azulados, grisáceos y negros en los ropajes del personaje y en el fondo. También podemos observar como utiliza tonos amarillos, rojizos y verdes para las flores de la parte superior, los labios del arlequín y los guantes. Utiliza tonos blancos para los detalles del ropaje, la mesa y el rostro pintado del personaje.








Los personajes del circo y las máscaras de la Comedia del Arte acompañarán a Picasso toda su vida, atravesando junto con su demiurgo las distintas fases y lenguajes que él decida experimentar y constituyendo un tema favorito en los distintos periodos de su producción.

Mercedes Tamara

31-01-2018

Bibliografia : Slobidka

Wikipedia