LA JOVEN CAMARERA AMEDEO MODIGLIANI

LA JOVEN CAMARERA 1918

La joven camarera
óleo sobre lienzo 152,4 x 60,9 cm
Albright Knox, Art Gallery , Buffalo, Nueva York

Éste es uno de los pocos retratos de cuerpo entero representado de pie que pintó Modigliani , quien se dedicó principalmente a pintar retratos de busto y de medio cuerpo , ya fuera en posición sentada o de pie.

El título original en francés de esta obra es La jeune bonne, Bonne se refiere a una sirvienta o criada y solía aplicarse a muchachas del campo que acudían a las grandes ciudades en busca de empleo y que se sometían a duros trabajos. Solían llevar un simple vestido y zapatos pesados y grandes , tal como muestra aquí esta joven camarera . Se conoce el nombre de esta mujer dado que Modigliani la retrató en más de una ocasión. Se llamaba Marie Feret, una campesina de Cagnes -sur. Mer , pueblo cercano a Niza donde Modigliani se alojó por un tiempo durante su estancia de más de un año en la Costa Azul.

En los retratos femeninos que pintó durante este período , Modigliani alternó la imagen de su querida compañera Jeanne Héburtene con retratos de mujeres del lugar : simples y jóvenes mujeres trabajadoras . Criadas, sirvientas , lecheras o tenderas fueron modelos que el artista encontró en el sereno entorno mediterráneo. 

Esta joven muchacha de pie , ubicada en el ángulo de una habitación aparece con sus manos cruzadas delante de su cuerpo, un gesto que Modigliani repitió en varios retratos de este período . Las lineas en diagonal y el zócalo del muro, abajo a la izquierda de la figura y la de la puerta a la drecha, introducen una tenue sensación de profundidad en este espacio interior. 

En el tratamiento de la superficie se observa un contraste de texturas :

la materia suave y plana del rostro y el cuello destaca sobre un entorno de materia más empastada y densa , apreciable en el vestido y el muro del fondo . Los valores táctiles de las carnaciones , de un tono pálido, están acentuados en un ambiente dominado por tonos fríos. 

El rostro delicado e ingenuo de esta jovencita y la mirada ausente de sus ojos tratados como dos hendiduras vacías son el foco de atención 

de esta obra. Con mirada compacta , Modigliani , mostró aquí a esta joven en toda su sencillez y humildad.

Mercedes Tamara

22-07-2015

Bibliografia : Modigliani, Edic Taschen 

LUNIA CZECHOWSKA AMEDEO MODIGLIANI

LUNIA CZECHOWSKA 1919

Lunia Czechwska
óleo sobre lienzo 40 x 33 cm
colección privada

La modelo de este pequeño retrato de perfil era una amiga de Léopold y Hanka Zhorowski. En junio de 1916 , en la casa que la pareja polaca poseía en el barrio parisino de Montparnasse, Modigliani, el nuevo protegido del marchante Zhorowski, conoció a Lunia , una mujer culta  madura y poseedora de una singular belleza.

Los rasgos eslavos de su rostro y su figura alargada , se adaptaban perfectamente al ideal plástico del artista italiano. En los últimos años de su vida , Lunia fue una de sus modelos favoritas. En los más de diez retratos que hizo de ella , Amedeo rindió homenaje a su hierática fisonomía de su amiga y destacó la conducta aristocrática y elegante que mantuvo a pesar de sus pobres condiciones de vida.

En este retrato de 1919 , el pintor ensayó ese canon de proporciones alargadas característico de su estilo maduro . En este retrato de perfil , fórmula raramente trabajada por el artista , la estilización de las formas alcanza su máxima expresión. Un cuello extremadamente esbelto y curvado une la cabeza con el torso de la figura . El escote profundo de la blusa contribuye a acentuar la verticalidad del cuello , que soporta el rostro de geométricos volúmenes , atenuados por el suave cromatismo de su piel. La tez cálida y tersa de Lunia destaca sobre un fondo elaborado mediante largas pinceladas . El cabello rojizo se recoge en un peinado alto, lo que estiliza aún más la silueta. 

Este pequeño trabajo condensa de modo ejemplar el estilo de Modigliani, basado en el manejo de una linea sutil , flexible y lírica con la que creaba originales distorsiones , sinuosidades y alargamientos de la figura humana

Mercedes Tamara

12-07-2015

Bibliografia : Modigliani, Edic Taschen

MADAME DORIVAL AMEDEO MODIGLIANI

MADAME DORIVAL 1916

Madame Dorival
óleo sobre lienzo 61 x 38 cm
Colección privada

En la trayectoria pictórica de Modigliani , los años 1915 y 1916 fueron un período lleno de inquietudes , experimentación y maduración de su estilo. Sus telas se poblaron de retratos de personajes del mundillo artístico parisino.

Muchas personalidades célebres de la época y otros personajes menos populares fueron inmortalizados por el pincel de nuestro pintor. Artistas , poetas , marchantes y coleccionistas posaron ante él, y muchas veces accedían también a hacer de modelos eran las esposas de aquéllos. Pocos dejaban pasar la oportunidad de hacerse retratar por el bohemio Modigliani. 

Tal fue el caso de la modelo que posó para este retrato , Blanche Dorival , la esposa del conocido actor y coleccionista Dorival . Gran apasionado del arte moderno , poseía obras tanto de los artistas impresionistas como de los pintores de la generación de Modigliani .

En este retrato pintado en 1916 , llaman la atención el tono amarillento de la piel, especialmente del alargado cuello y el uso de una técnica cercana al puntillismo con el que trabajó las carnaciones , especialmente el rostro.

En el fondo, detrás de la figura , unas lineas marcan con su intersección el centro de la cabeza y se prolongan más allá de ella . La introducción de estas lineas que enmarcan las figuras y dinamizan los fondos es un recurso que aparece en un considerable número de retratos de este período. El tono marrón rojizo aplicado en el tono es también apreciable en otros retratos del mismo año como los de Chaim Soutine 

Mercedes Tamara

1-07-2015

Bibliografia. Modigliani, Edic Taschen 

MADOLINA Y GUITARRA JUAN LES PINS, PABLO PICASSO

MADOLINA Y GUITARRA JUAN LES PINS, 1924

Mandolina y guitarra " Juan les Pins"
óleo y arena sobre lienzo
Museo Guggenheim, Nueva York

La fusión del estilo que se había convertido en una característica de la obra de Picasso es evidente en Mandolina y guitarra " Juan les Pins"

Los instrumentos de cuerda desempeñaron un papel vital como motivo en el Cubismo analítico durante el período comprendido entre 1910 y 1911 . 

Sus collages y papiers colié ( papel pegado ) de 1912 contenían elementos ya preparados de la vida moderna como periódicos , billetes de autobús y fragmentos de partituras , además de desechos como el serrín , hilo y arena . Para Picasso , estos fragmentos de vida moderna constituían una nueva forma de representación que no sólo interpretaba el espacio pictórico , sino que también ofrecía un nuevo lenguaje visual en que los objetos actuaban como símbolos. En el siguiente período de la producción artística de Picasso conocida como

Cubismo sintético , desarrolló formas más definidas de significados pictóricos al otilizar, por ejemplo, una paleta de colores más vivos para expresar sus ideas 

Picasso pintó 

Mandolina y guitarra " Juan les Pins" en el punto álgido de su participación en el Surrealismo en el que André Breton le describió como " uno de los nuestros " 

Mercedes Tamara ( autora )

24-06-2015

MARGHERITE SENTADA AMEDEO MODIGLIANI

MARGHERITE SENTADA 1916

Margherita sentada
óleo sobre lienzo 80 x 39, 6 cm
Colección privada

Esta pintura es un testimonio de cómo Modiglani solía trabajar en series, dedicando más de un retrato a sus personajes . De esta manera, de cada sesión con sus modelos , sacaba el mayor resultado económico. La misma modelo de este retrato , con el mismo vestido de color rosa pálido y de escote cuadrado, aparece en otra pintura - también reproducida en en la pintura de abajo en posición sentada de perfil.

Mientras que la mayoría de los personajes masculinos que pintó el artista están identificados muchos de ellos , eran artistas , marchantes o coleccionistas de gran notoriedad en el círculo artístico parisino -, cuando se trata de personajes femeninos aparecen a menudo identificados únicamente por el mismo nombre- como Louise, Renée o Alice - o simplemente no aparecen identificados , a excepción de los retratos dedicados a amigas o compañeras del pintor.

En el caso de la mujer que posó para esta pintura, se desconoce casi ninguna información sobre su persona. Está identificada como Mragherita porque su nombre aparece inscrito en el ángulo superior derecho de la tela . Algunos estudiosos han sugerido que se trata de un retrato de la hermana de pintor Margherita , que vivía en Italia junto a su madre y que visitó en reiteradas ocasiones al pintor en París . Sin embargo, la última visita que realizó antes de la ejecución de esta pintura fue en el verano de 1913 , lo que sugiere que este retrato hubiera ser pintado de memoria. También es probable que se trate de una modelo anónima y que el artista haya titulado la obra en memoria de su hermana.

La mujer aparece aquí representada de medio cuerpo , sentada con el brazo izquierdo apoyado sobre el respaldo de la silla , una pose que se repite en  otros retratos de nuestro pintor . la habitación en la que se ha ubicado al personaje está apenas indicada con la presencia de una puerta , en el fondo a la izquierda y el espacio está levemente sugerido por la perspectiva de la silla.

El rostro de la mujer es delgado y está delineado por un delicado trazo negro-véase la elegante linea de la nariz recta y alargada. Hierática y severa en su postura , toda la expresividad de esta figura se concentra en los grandes y vivos ojos , que miran atentamente al espectador . Estos ojos , como en muy pocos casos ocurre en los retratos de Amedeo, están representados de un modo convencional  y con la pupila bien definida . Incluso las pestañas aparecen definidas, lo que otorga una mayor expresividad a la mirada . La cabeza se apoya sobre un cuello esbelto y estilizado , un signo distintivo de los retratos  femeninos de años posteriores.

Mercedes Tamara

18-06-2015

Bibliografia : Amedeo Modigliani, Edic Taschen 

AUTORRETRATO AMEDEO MODIGLIANI

AUTORRETRATO 1919

Autorretrato
óleo sobre lienzo 100 x 64,5 cm
Museo de Arte Contemporáneo de Sao Paulo

A finales de 1919 , unos meses antes de morir, un frágil pero sereno Amedeo presagiando quizás su final inminente se retrató a sí mismo. Él que tanto se había dedicado a retratar la figura humana , en sus últimos días , como en un acto de introspección , se representó a si mismo .

Éste es el único autorretrato conocido del pintor exceptuados unos pocos dibujos y una representación bajo la máscara de Pierrot realizada en 1915.

Amedeo aparece sentado en una silla , arrimado a una mesa , en un ambiente dominado por colores cálidos . Presenta su cuerpo de perfil y la cabeza levemente inclinada hacía atrás . Su rostro pálido y delgado, es el de una persona cansada y enferma.

Tal como se acostumbraba , al pasearse por París, va vestido con una chaqueta gruesa de terciopelo y un pañuelo alrededor del cuello. En su mano derecha sostiene la paleta de colores; en la izquierda un pincel, que apenas se insinúa . Es la imagen legendaria y convencional del pintor con sus atributos . Amedeo parece aquí querer emular a célebres artistas del pasado . Como hicieran Rembrandt, Velázquez , Paul Gauguin  o Vicent van Gogh . Amedeo se representó por única vez en  su condición de pintor . En este Autorretrato dejó su testimonio no sólo de su arte sino también de la idea que tenía de sí mismo.

En la obra , el pintor no renunció a los elementos característicos de su pintura. Sometió su propio cuerpo a su peculiar elongación y distorsión de la figura, lo que se traduce especialmente en el rostro oval e inclinado . Y por última vez, repitió esos ojos extrañamente vacíados, unos ojos que no están ni abiertos ni cerrados , lo que enfatiza esa rara sensación de ensimismamiento del personaje . En la mirada retrospectiva , distante , el pintor expresa ese alejamiento del mundo que ya sentía dentro de sí

Mercedes Tamara

14-06-2015

Bibliografia : Amedeo Modigliani, Edic Taschen

LA COPA AZUL PABLO PICASSO

LA COPA AZUL 1902.1903

La copa azul
óleo sobre lienzo 66,1 x 28,5 cm
Museo Picasso Barcelona

La simplicidad compositiva , así como la maestría técnica que vuelca en este pequeño óleo , hacen de él una obra de excepcional belleza plástica .

Convierte una simple copa de cristal en un jarro en el que reposa la flor . Picasso manifestó en una ocasión : " El objeto más cotidiano es un barco , un vehículo de mi pensamiento . Es para mí lo que la parábola para Cristo " . Extraer una copa de las escenas de café de la Barcelona y el París de aquellos años , que proliferan en su obra , de las mesas en las que se apoyan personajes abatidos o algunos de sus amigos , para individualizarla en otra mesa donde comparte protagonismo con una flor de pétalos rojos.

El cristal tiene un centelleo realzado con blanco y toques de azul oscuro que le dan la total transparencia e inmaterialidad que acentúa el tono misterioso y simbólico de la obra. A través de ella , la visión se alarga hasta la opaca pared azul del fondo , color que tiñe la totalidad de la composición excepto los pétalos rojos de la flor , que conserva el corazón y los nervios azules . Esta especie de lirio amarillo, símbolo de la decadencia fin de siècle , ya ha aparecido anteriormente en 1900, en la mano de Jaume Sabartrés en Poeta decadente , así como en algunos dibujos de aquel momento que se conservan en el Museo de la Naturaleza muerta del año 1901.

Un estudio radiográfico de la obra ha descubierto debajo de la misma una pintura de un hombre de perfil

Mercedes Tamara

9-06-2025

Bibliografia : Guía del Museo Picasso de Barcelona