LAS TORRES DE LAON ROBERT DELAUNAY

LAS TORRES DE LAON 1912

Las torres de Laon
óleo sobre lienzo 162 x 130 cm
Museo Nacional de Arte Moderno, Paris

Robert Delaunay ( 1885-1941 ) empezó a pintar en 1903. Desde 1904 expuso en el Salón que se celebraba periódicamente en el Grand Palais de París. Al principio practicaba un estilo neoimpresionista influido por las teorías de Jean- Michael Chevreuil sobre el color, pero en 1911, inspirado por las innovaciones formales de Georges Braque y Pablo Picasso expuso sus primeras obras cubistas.

En Las torres de Laon , inscrito en este lenguaje visual de nueva creación , vemos erguirse los campanarios de la catedral gótica sobre la ciudad donde Delaunay hizo el servicio militar en 1907, impresionado por las estructuras grises del cubismo de Braque y Picasso que parecían telarañas , el pintor respondió avivando sus esqueletos plateados con colores intensos pero aplicados con delicadeza .

Para representar el follaje rosado yuxtapone pinceladas muy juntas que reverberan en los verdes y violetas de la muralla de la ciudad, mientras los tejados se hunden y reflejan en un cielo quebrado . Los rombos cambiantes de luz y sombra dificultan la adopción de un punto de vista estable , efecto de simultaneidad que superpone una visión subjetiva al mundo exterior y objetivo. 

Durante el año posterior a este cuadro , los experimentos de Delaunay con el color fueron evolucionando hacía un lenguaje cada vez más abstracto en el que las formas arquitectónicas se aplanan en un caleidoscopio de rectángulos, triángulos y círculos multicolores encajados en él . Según Delaunay esta " pintura pura " no figurafiva (que recibió el nombre de orfismo ) podía incidir en la conciencia tan profundamente como la música de Orfeo en los antiguos dioses.

                                                                 

                                                                    Mercedes Tamara
                                                                     18-08-2015

LOS ESPOSOS AMEDEO MODIGLIANI

LOS ESPOSOS 1915

Los esposos
óleo sobre lienzo 55,2 x 46,3 cm
The Museum of Modern Art, Nueva York

En el catálogo de Modigliani abundan especialmente los retratos de figuras individuales. Este cuadro con una pareja es una  de las raras 

excepciones en su producción.

Esta pareja de esposos , ambos personajes anónimos, sirvió al pintor como excusa para investigar un particular  tratamiento de las formas . No es la caracterización de sus personajes lo que aquí interesó al artista sino más bien experimentar nuevas maneras de retratar la figura humana.

Esta pintura fue realizada poco después de que Amedeo abandonara su actividad escultórica , que se extendió entre 1909 y 1914 . En este período, Modigliani exploró en sus cabezas esculpidas un tipo de representación más abstracta y arcaizante , derivada de su interés y atenta observación del arte primitivo , en especial, de las máscaras africanas . La producción pictórica posterior se resintió de su experiencia escultórica y, como en Los esposos , utilizó reiteradamente en sus retratos la máscara, como un recurso formal, lo que confirió a sus retratos un carácter altamente despersonalizado.

En esta linea de trabajo , aquí se observa como la individualidad de los personajes aparece velada por el marcado tratamiento geométrico que el pintor confirió a sus rostros . A estos personajes aún no se les han caído las máscaras negras. Una linea vertical atraviesa y divide asimétricamente los rostros de ambos modelos . Rasgos afilados y de lineas cortantes, como puede advertirse en la nariz , acentúan la estilización geométrica de estas figuras.

Además la huella de la escultura , en el tratamiento facetado de los rostros , tanto el del hombre como el de la mujer, se detectan reminiscencias del cubismo. En varias telas de este período Modigliani utilizó en pos de su evolución estética, recursos de la pintura cubista, aunque nunca  perseguiría esa extrema descomposición de las formas . La racionalidad de la visión cubista , no se correspondía con la subjetividad y empatía que el artista italiano buscaba en sus personajes retratados.

En el tratamiento de la superficie pictórica , se observa el uso de una materia cromática , densa y elaborada . En el fondo , particularmente detrás de la mujer, el pintor optó por el tratamiento de bodes geométricos . 

Mercedes Tamara

6-08-2015

Bibliografia: Modigliani, Edic Taschen 

PABLO PICASSO AMEDEO MODIGLINI

PABLO PICASSO 1915

Pablo Picasso
óleo sobre papel montado sobre cartón 34,2 x 26,5 cm
Colección privada

Pablo Picasso nunca fue amigo de Modigliani. Sin embargo, los itinerarios artísticos de ambos pintores se cruzaron constantemente en el París de las primeras décadas del siglo XX especialmente durante los primeros años de la Primera Guerra Mundial , período en que ambos permanecieron en la capital francesa . Ninguno de los dos participó en el conflicto . Modigliani se ofreció como voluntario pero fue rechazado por motivos de salud . Picasso, en cambio, prefirió quedarse en Montparnasse .

Modigliani sentía un particular aprecio por Picasso y un gran respeto por su obra , sin embargo, esta estima fue habitualmente correspondida con cierta indiferencia e incluso con arrogancia por parte del creador del cubismo. La conducta irreverente del italiano irritó en más de una ocasión al español .Picasso decía , no sin ironía, 

" Es extraño , pero nunca ves a Modigliani borracho---como no sea en las esquinas del boulevard Montparnasse y del boulevard Raspall ".

Modigliani conoció a Picasso poco después de llegar a París , en 1906, una vez instalado en Montmatre , Picasso estaba en ese momento concentrado en una experimentación pictórica que lo llevaría en 1907- 1908, al nacimiento de la pintura cubista , la gran revolución artística de principios de siglo . Generalmente, cualquier joven artista residente en Paris durante esos años quedaba seducido por la innovadora manera de pintar la realidad que proponía el cubismo. Modigliani es uno de los escasos ejemplos que no sucubieron a esa fuerza arrolladora. Sin duda, su negativa a participar en el del movimiento cubista lo mantuvo aislado de uno de los grupos de vanguardia más influyentes de la escena artística del momento.

Este retrato fue pintado de memoria . Este trabajo, así como los retratos de Diego Rivera y el de Frank Havland, dan cuenta del empleo por parte de nuestro pintor de una técnica de corte divisionista . Las pinceladas son irregulares y entrecortadas, los trazos ligeros a base de manchas de colores intensos . Todo ello genera un efecto de vibración pictórica.

Mercedes Tamara

28-07-2015

Bibliografia: Modigliani, Edic Taschen 

LA JOVEN CAMARERA AMEDEO MODIGLIANI

LA JOVEN CAMARERA 1918

La joven camarera
óleo sobre lienzo 152,4 x 60,9 cm
Albright Knox, Art Gallery , Buffalo, Nueva York

Éste es uno de los pocos retratos de cuerpo entero representado de pie que pintó Modigliani , quien se dedicó principalmente a pintar retratos de busto y de medio cuerpo , ya fuera en posición sentada o de pie.

El título original en francés de esta obra es La jeune bonne, Bonne se refiere a una sirvienta o criada y solía aplicarse a muchachas del campo que acudían a las grandes ciudades en busca de empleo y que se sometían a duros trabajos. Solían llevar un simple vestido y zapatos pesados y grandes , tal como muestra aquí esta joven camarera . Se conoce el nombre de esta mujer dado que Modigliani la retrató en más de una ocasión. Se llamaba Marie Feret, una campesina de Cagnes -sur. Mer , pueblo cercano a Niza donde Modigliani se alojó por un tiempo durante su estancia de más de un año en la Costa Azul.

En los retratos femeninos que pintó durante este período , Modigliani alternó la imagen de su querida compañera Jeanne Héburtene con retratos de mujeres del lugar : simples y jóvenes mujeres trabajadoras . Criadas, sirvientas , lecheras o tenderas fueron modelos que el artista encontró en el sereno entorno mediterráneo. 

Esta joven muchacha de pie , ubicada en el ángulo de una habitación aparece con sus manos cruzadas delante de su cuerpo, un gesto que Modigliani repitió en varios retratos de este período . Las lineas en diagonal y el zócalo del muro, abajo a la izquierda de la figura y la de la puerta a la drecha, introducen una tenue sensación de profundidad en este espacio interior. 

En el tratamiento de la superficie se observa un contraste de texturas :

la materia suave y plana del rostro y el cuello destaca sobre un entorno de materia más empastada y densa , apreciable en el vestido y el muro del fondo . Los valores táctiles de las carnaciones , de un tono pálido, están acentuados en un ambiente dominado por tonos fríos. 

El rostro delicado e ingenuo de esta jovencita y la mirada ausente de sus ojos tratados como dos hendiduras vacías son el foco de atención 

de esta obra. Con mirada compacta , Modigliani , mostró aquí a esta joven en toda su sencillez y humildad.

Mercedes Tamara

22-07-2015

Bibliografia : Modigliani, Edic Taschen 

LUNIA CZECHOWSKA AMEDEO MODIGLIANI

LUNIA CZECHOWSKA 1919

Lunia Czechwska
óleo sobre lienzo 40 x 33 cm
colección privada

La modelo de este pequeño retrato de perfil era una amiga de Léopold y Hanka Zhorowski. En junio de 1916 , en la casa que la pareja polaca poseía en el barrio parisino de Montparnasse, Modigliani, el nuevo protegido del marchante Zhorowski, conoció a Lunia , una mujer culta  madura y poseedora de una singular belleza.

Los rasgos eslavos de su rostro y su figura alargada , se adaptaban perfectamente al ideal plástico del artista italiano. En los últimos años de su vida , Lunia fue una de sus modelos favoritas. En los más de diez retratos que hizo de ella , Amedeo rindió homenaje a su hierática fisonomía de su amiga y destacó la conducta aristocrática y elegante que mantuvo a pesar de sus pobres condiciones de vida.

En este retrato de 1919 , el pintor ensayó ese canon de proporciones alargadas característico de su estilo maduro . En este retrato de perfil , fórmula raramente trabajada por el artista , la estilización de las formas alcanza su máxima expresión. Un cuello extremadamente esbelto y curvado une la cabeza con el torso de la figura . El escote profundo de la blusa contribuye a acentuar la verticalidad del cuello , que soporta el rostro de geométricos volúmenes , atenuados por el suave cromatismo de su piel. La tez cálida y tersa de Lunia destaca sobre un fondo elaborado mediante largas pinceladas . El cabello rojizo se recoge en un peinado alto, lo que estiliza aún más la silueta. 

Este pequeño trabajo condensa de modo ejemplar el estilo de Modigliani, basado en el manejo de una linea sutil , flexible y lírica con la que creaba originales distorsiones , sinuosidades y alargamientos de la figura humana

Mercedes Tamara

12-07-2015

Bibliografia : Modigliani, Edic Taschen

MADAME DORIVAL AMEDEO MODIGLIANI

MADAME DORIVAL 1916

Madame Dorival
óleo sobre lienzo 61 x 38 cm
Colección privada

En la trayectoria pictórica de Modigliani , los años 1915 y 1916 fueron un período lleno de inquietudes , experimentación y maduración de su estilo. Sus telas se poblaron de retratos de personajes del mundillo artístico parisino.

Muchas personalidades célebres de la época y otros personajes menos populares fueron inmortalizados por el pincel de nuestro pintor. Artistas , poetas , marchantes y coleccionistas posaron ante él, y muchas veces accedían también a hacer de modelos eran las esposas de aquéllos. Pocos dejaban pasar la oportunidad de hacerse retratar por el bohemio Modigliani. 

Tal fue el caso de la modelo que posó para este retrato , Blanche Dorival , la esposa del conocido actor y coleccionista Dorival . Gran apasionado del arte moderno , poseía obras tanto de los artistas impresionistas como de los pintores de la generación de Modigliani .

En este retrato pintado en 1916 , llaman la atención el tono amarillento de la piel, especialmente del alargado cuello y el uso de una técnica cercana al puntillismo con el que trabajó las carnaciones , especialmente el rostro.

En el fondo, detrás de la figura , unas lineas marcan con su intersección el centro de la cabeza y se prolongan más allá de ella . La introducción de estas lineas que enmarcan las figuras y dinamizan los fondos es un recurso que aparece en un considerable número de retratos de este período. El tono marrón rojizo aplicado en el tono es también apreciable en otros retratos del mismo año como los de Chaim Soutine 

Mercedes Tamara

1-07-2015

Bibliografia. Modigliani, Edic Taschen 

MADOLINA Y GUITARRA JUAN LES PINS, PABLO PICASSO

MADOLINA Y GUITARRA JUAN LES PINS, 1924

Mandolina y guitarra " Juan les Pins"
óleo y arena sobre lienzo
Museo Guggenheim, Nueva York

La fusión del estilo que se había convertido en una característica de la obra de Picasso es evidente en Mandolina y guitarra " Juan les Pins"

Los instrumentos de cuerda desempeñaron un papel vital como motivo en el Cubismo analítico durante el período comprendido entre 1910 y 1911 . 

Sus collages y papiers colié ( papel pegado ) de 1912 contenían elementos ya preparados de la vida moderna como periódicos , billetes de autobús y fragmentos de partituras , además de desechos como el serrín , hilo y arena . Para Picasso , estos fragmentos de vida moderna constituían una nueva forma de representación que no sólo interpretaba el espacio pictórico , sino que también ofrecía un nuevo lenguaje visual en que los objetos actuaban como símbolos. En el siguiente período de la producción artística de Picasso conocida como

Cubismo sintético , desarrolló formas más definidas de significados pictóricos al otilizar, por ejemplo, una paleta de colores más vivos para expresar sus ideas 

Picasso pintó 

Mandolina y guitarra " Juan les Pins" en el punto álgido de su participación en el Surrealismo en el que André Breton le describió como " uno de los nuestros " 

Mercedes Tamara ( autora )

24-06-2015