TRES MUJERES EN LA FUENTE PABLO PICASSO

TRES MUJERES EN LA FUENTE  1921

TRES MUJERES EN LA FUENTE
óleo sobre lienzo 205 x 173 cm
The Museum Of Modern Art of New York

Resulta chocante que un cuadro en el que la inspiración proviene del mundo de la escultura, el reino de los volúmenes , en suma, del triunfo de las formas colosalistas con una abrumadora plasticidad de los cuerpos, gozándose en su existencia tridimensional , sea del mismo año en que fueron pintadas las dos versiones de Los tres músicos penetrada de un espíritu rítmico y melódico y en las que los planos superpuestos tienden a evitar, por todos los medios , una valoración del relieve, cuando no su brutal eliminación.

Aquí, por el contrario, Picasso centra su interés en revelar lo opuesto: la plenitud y la soledad de las moles , la formidable magnitud de la corpulencia , la gran capacidadde las redondeces, las facciones de rasgos grandes o las extremidades abultadas , a fin de describir un ambiente poblado por seres ciclópeos .

En esta tendencia el maestro sigue una  moda que por entonces comenzaba a triunfar en Europa y en una civilización, la occidental que salía de los desmanes y aberraciones de la primera guerra  mundial, soñando con una nueva época arcádica elevada sobre múltiples ruinas, que especialmente en Europa fueron numerosas .

Se intenta recuperar el aura prestigiosa de la Antigüedad -de la que el pintor había alejado con sus experiencias cubistas en aras de fijar una nueva idea del espacio-que había renacido al contacto con Italia desde 1917 . Así utilizó drapeados y caída de pliegues , empleó el cromatismo restringido como el de ciertos frescos, eliminó toda referencia a la hondura  psicólogica y desplegó motivaciones  externas con voluntaria ausencia de inquietudes .

El resultado es un cuadro magistral firmemente arraigado a la tradición, que describe a tres gracias vistas a través del prisma de la modernidad.

Mercedes Tamara
31-10-2014

Bibliografia : Picasso, Edic Taschen

RETRATO DE UNA MUJER CON SOMBRERO NEGRO ( GERTRUDE SCHIELE ) GUSTAV KLIMT

RETRATO DE UNA MUJER CON SOMBRERO NEGRO ( GERTRUDE SCHIELE ) 1909

Retrato de una mujer con sombrero negro ( Gertrude Schiele )
óleo y pintura metálica sobre tela 100 x 99,8 cm
Colección particular

Este retrato constituye un ejemplo de la influencia del arte de Gustav Klimt sobre la fase temprana de Schiele . Entre los años 1907 y 1909 Klimt fue el principal referente estílistico para el joven muchacho.



Muchas obras del gran maestro vienés proveyeron a Schiele de esquemas compositivos para sus propios trabajos. Para esta obra, Schiele parece haberse inspirado en la figura de Higeia que Klimt introdujo en Medicina, una de las tres polémicas pinturas que realizó por encargo para decorar una sala de la Universidad de Viena. Al igual que Higeia, la figura femenina de Egon-que protagoniza su hermana Gerti. está representada desde una acentuada perspectiva inferior-; muestra una actitud altiva y arrogante, luce un vestido de similares motivos decorativos en círculo y eleva sus manos a la altura de su pecho para sostener unos objetos que son difíciles de identificar en su caso ( por su parte, Higeia sostiene la serpiente y la copa de Leteo, atributos como diosa de la salud ) 

Higeia ( detalle de Medicina ) Gustav Klimt 1900-07
óleo sobre tela , medidas desconocidas
obra quemada

De Klimt también deriva el ejemplo de un formato cuadrado- que privilegiaron muchos otros artistas sezesionistas-y la aplicación de la pintura dorada y plateada a la superficie, aunque en Schiele el efecto es mucho menor resplandeciente. Es probable que ello estuviera condicionado por la utilización de materiales más baratos por parte de nuestro pintor , y su consecuente necesidad de recurrir a láminas de latón o aluminio. Pero también se sabe que, sobre todo en esta obra, el mismo Schiele buscó deliberadamente contrarrestar los elementos decorativos de la pintura metálica, lo que debe interpretarse como una nueva intención estílistica.





El fondo de este retrato , originariamente decorado con motivos metálicos de color dorado y plateado , fue repintado por el artista en un tono gris claro. De este modo, tal y como ya había procedido en un anterior retrato de Gerti Schiele renunció totalmente a la configuración ornamental del fondo y con ello, obviaba toda concepción estética ,que poco después el joven pintor dejaría de considerar conveniente para su particular desarrollo artístico , adhiriéndose a las tendencias artísticas expresionistas,.


                                               Mercedes Tamara
                                                     31.-10-2014

Bibliografia : Gustav Klimt, Edit Taschen

RETRATO DE MADAME HANKA ZBOROWSKA AMEDEO MODIGLIANI

RETRATO DE MADAME HANKA ZBOROWSKA 1917

Retrato de Madame Hanka  Zborowska
óleo sobre lienzo
Galleria de Arte Moderno, Paris

Tan importante es este retrato que el espectador apenas se da cuenta de lo improbable , incluso grotesco, que llega ser así en la magia indescriptible  de Modigliani. El extravagante cuello blanco de la camisa únicamente llama nuestra atención: sobre el cuello torneado de manera exagerada que parece enmarcar la imagen y los rasgos dibujados a mano que se pueden ver arriba. La nariz, que emerge remilgada y alargada , realzan las exquisitas cejas que se arquean sobre los ojos irregulares : la única singularidad que da vida a todo el retrato.El resultado , aunque casi estilizado en la forma de la figura, consigue un efecto irresistiblemente real , no vemos únicamente una cara bonita, sino a una mujer viva, pensativa y con sentimientos.

Las figuras femeninas de Modigliani a menudo se han comparado con las del maestro italiano Botticelli, sin lugar a dudas debía haber estudiado el arte del Renacimiento en su taller natural antes de marcharse a París. Cuando llegó 

a la capital francesa en 1906, se sumergió por completo en una vida bohemía. En 1909 incitado por su amigo el escultor Constantin Brancusi ( 1876-1957 ) creó un pequeño circulo de artistas : " los maditos " . Junto con Chalin Soutine

( 1893-1943 ) Maurice Utrillo ( 1883-1955), Modigliani era de hecho un " maldito" Sufrió de tuberculosis , alcoholismo y drogadicción , pero su obra parece no haberse visto afectada en absoluto por estas aficciones.

Mercedes Tamara

31-10-2014

Bibliografia . Amedeo Modigliani, Edic Taschen

RETRATO DE JEANNE HÉBUTERNE AMEDEO MODIGLIANI

RETRATO DE JEANNE HÉBUTERNE 1919

Retrato de Jeanne Hébuterne
óleo sobre lienzo 100x 64,7 cm
Guggenheim Museum, Nueva York

En 1917, Amedeo Modigliani ( 1884-1920 ) conoció a la joven Jeanne Hébuterne, una estudiante de arte que solía posar como modelo para los artistas de París . La relación amorosa que nació entre ambos provocó el rechazo de la familia de ella , una familia católico -romana de la burguesía. Modigliani era famoso por su vida disipada , a pesar de su precaria salud, era un gran consumidor de drogas, hábito que le procuró el sobrenombre de Modi , palabra que rima con maudit ( malditos) en francés 

En 1918 , la pareja se mudó a Niza donde Hébuterne quedó embarazada y dió a luz una niña a la que llamaron Jeanne . Cuando el artista murió en 1920 de una meningitis tuberculosa , Jeanne que estaba embarazada de ocho meses , se suicidó dos días después tirándose por una ventana del quinto piso del edificio donde vivían sus padres. Ambos están enterrados en el cementerio Pére Lachaise de Paris .

La influencia del arte primitivo en la obra de Modigliani es evidente en Retrato de Jeanne Hébuterne . El rostro en particular ( con los ojos almendrados y la nariz y el cuello longilíneos ) recuerdan sobremanera a las máscaras africanas , estética que explotaban los vanguardistas más relevantes de la época. Modigliani engrandeció las caderas y los muslos de Jeanne para aludir esencialmente a una icónica representación de la diosa de la fertilidad. Aunque la imagen transmita una sensación de ternura y felicidad, estas emociones aparecen matizadas por el tono general sombrío de la composición . El color intenso y cálido de la joven , y también su suéter contrasta con el oscuro interior gris en el que aparece representada.

Mercedes Tamara

31-10-2014

Bibliografía : Amedeo Modigliani, Edic Taschen

RETRATO DE FELIPE IV PABLO PICASSO

RETRATO DE FELIPE IV

Retrato de Felipe IV 
óleo sobre lienzo 54,2x 46,7 
Museo Picasso de Barcelona

Copia efectuada por Picasso , durante su estancia madrileña, de un célebre cuadro de Velázquez existente en el Prado,institución de la que sería nombrado director treinta y nueve años después. Pertenece a una etapa formativa , en la que el autor no se sintió a gusto en la capital de aquella España gobernada por la reina María Cristina, viuda de Alfonso XII cuyo reinado efectivo comenzaría  en 1902.

El lienzo original de 69x 56 cm, muestra al monarca en la última etapa directa que le pintó el maestro sevillano entre 1653 y 1657, a lo largo de la postrera fase de su vida, cuando el pintor alcanzó su cenit técnico y estético.

No es de extrañar por tanto que el joven artista -contaba escasos dieciséis años- se sintiese atraído por esta especial creación y pretendiese aprehender su magia interna accediendo al mensaje de honda humanidad que transmite.

Aquí Velázquez revela crudamente la fustración de una vida sin reducir la dignidad del modelo , con el que mantenía una estrecha relación de trabajo y amistad, tal vez por estas y otras causas , Picasso escogiese el cuadro a fin de indagar con talento en el mundo oculto que palpita desde que aquel rostro fatigado de músculos desprendidos , cuya mirada simboliza la decadencia de una dinastía que tuvo una gran parte del mundo conocido a sus píes.

Es más probable que habiendo conseguido captar los valores intrinsecos de la pieza, los conservase fervorosamente junto a otros y los trasmitiese, transformado por su entusiasmo su libertad y su imaginación , incansablemente creadora a muchos de sus retratos. herederos de tal inspiración nacida de las salas del museo madrileño

Mercedes Tamara 
31-10-2014

Bibliografia : Museo Picasso de Barcelona

PANES Y FRUTERO SOBRE UNA MESA PABLO PICASSO

PANES Y FRUTERO SOBRE UNA MESA 1908-1909 

Panes y frutero sobre una mesa
Óleo sobre lienzo 164 x 132,5 cm
Basilea, Offentlinche Kunstmuseum Basel

Esta naturaleza muerta de Picasso se remonta a la primera fase de su etapa cubista . La pintó después de terminar los cuadros  pioneros de esta corriente artística Las señoritas de Avignón y  Tres mujeres. Daniel Henry Kahnweiter recuerda su primera visita al estudio de Picasso en esa época " Rue Ravignan 1907 "

Aquella vieja barraca de madera se encontraba bajo la  jurisdicción del municipio . Nadie sabe con qué finalidad . Actualmente viven en ella pintores y escritores. Desde la plazuela de Ravignan ,se accede primero al piso superior ,desde donde se baja por unas escaleras a las otras plantas ; en efecto , al otro lado está la colina .

La puerta de Picasso está llena de inscripciones. Siempre abría la puerta en mangas de camisa , con las piernas descubiertas . Depués se pone los pantalones . En las paredes cuelgan trozos de viejos papeles pintados . Una ventana y una claraboya iluminan la pequeña barraca . Delante de las dos estufillas de hierro, hay una montaña de lava , un montón de cenizas más alto que la estufa .Cuadros, innumerables cuadros , extendidos o enrollados , llenos de polvo.

Picasso pintó este cuadro de gran formato utilizando estudios de Carnaval en el Bistró ; hay dos variantes de esta obra en las que se aprecia la representación similar de una mesa . La versión en acuarela y lápiz , realizada con claros y en tono azul claro y pardo, presenta un grupo de hombres reunidos alrededor de la mesa .En el fondo aparece una bailarina con las mismas características que Las señoritas de Avignón .

En la segunda versión de Carnaval en el bistró , las figuras que están detrás de la mesa se funden con el fondo del cuadro en una única superficie . En ambas obras, la mesa se muestra desde dos puntos de vista ; la parte posterior se reproduce según la perspectiva habitual , en tanto que la anterior, redondeada y pintada en tonos claros , está vista desde arriba. Ambas, se contraponen y, al final, la linea horizontal de la ruptura perspectivista se impone a la forma semicircular resaltada en tonos claros.

Picasso partió de ambas obras para pintar la naturaleza muerta Panes y frutero sobre una mesa (Pains et compotier aux fruits sur une table ), lo que se aprecia en la configuración similar del mueble . También es comparable la construcción del cuadro bajo la mesa ; y por otra parte , las referencias a la ropa de las figuras que están de pie al fondo en Carnaval de bistró  se traducen en la naturaleza muerta en cortinas drapeadas .

El bodegón, con un frutero , un paño, una manzana, un pan partidoy una escudilla , está claramente relacionado con la obra de Cézanne De la misma época es una naturaleza muerta en la que Picasso  aludía abiertamente al pintor , tan importante para él, en el título Naturaleza muerta con sombrero ( el sombrero de Cézanne ).

Mercedes Tamara
31-10-2014

Bibliografía : Picasso Edic Taschen

NATURALEZA MUERTA CON TENORA GEORGES BRAQUE

NATURALEZA MUERTA CON TENORA 1913

Naturaleza muerta con tenora 
papeles de periódico recortados ,
carbón, tiza, acuarelas y óleos
95,2 x 105,3 cm
Museum of Modern Art of New York

Naturaleza muerta con tenora es un ejemplo consumado del estilo del papier collé  ( lieralmente " papel pegado " ) de Braque . Los rotundos fragmentos geométricos de tipos de papel contrastantes , entremezclados con motivos figurativos dibujados a carbón , recuerdan la estructura de una fuga , en la que dos melodías distintas se entretejen formando una rica composición sonora donde cada una pone fondo a la realidad de otra.

Al inventar en 1.912 el papier collé ,Braque y Picasso iniciaron una revolución en la pintura occidental cuyas repercusiones aún perduran. Pegando trozos de papel ( de periódico , de pared y vetado a imitación de madera) en sus naturalezas muertas , introdujeron materiales y texturas reales en un arte que hasta entonces se basaba en el ilusionismo.

La importancia de aquel paso fue incalculable , porque con esa técnica estos artistas declararon la autonomía de la imagen pintada o dibujada y la divorciaron de cualquier intento de representación . Los fragmentos unidos a la superficie del cuadro rara vez seguían los contornos delos motivos dibujados ( copas, botellas o instrumentos musicales ) antes bien lo contradecían paradójicamente De este modo impugnaban las convenciones del modelado y la perspectiva y dirigían la atención a la plenitud absoluta de la superficie bidimensional

Mercedes Tamara

31-10-2014

Bibliografia : Cubismo, Edic Taschen

MUJER EN SILLÓN ROJO PABLO PICASSO

MUJER EN SILLÓN ROJO 1932

Mujer en sillón rojo 
óleo sobre lienzo 130,2 cm x 97 cm
París, Musée Picasso

Es muy difícil reconocer una figura humana en Mujer en sillón rojo ( Femme au fauteuil rouge ); sólo la composición , la agrupación de un sillón con varias figuras amorfas dispuestas encima, permite asociar la obra con un retrato. No obstante, en el contexto de los esbozos. dibujos, esculturas y cuadros de Pablo Picasso de la misma época Mujer en sillón rojo no sólo explicacomo parte de un proceso de evolución estilística en la obra del artista centrado en el tema de

las relaciones recíprocas entre la pintura y escultura , sino que constituye el punto final de una serie de retratos de Marie- Thérèse Walter realizada por el pintor en el espacio de pocos días.

El 14 de enero de 1932 creó el primer cuadro de su joven amada , que aparece graciosamente sentada en un sillón con la cabeza hacía atrás . Picasso construyó su retrato , que le sirvió de base para pintar el 26 de enero una obra de carácter totalmente distinto, que puede considerarse,a su vez, el anteproyecto de Mujer en un sillón rojo , utilizando suaves lineas  decorativas dispuestas en el lienzo a modo de ornamento. El pintor transformó las diversas partes del cuerpo de la joven mujer - cabezas, brazos, cuello, pecho y vientre -en elementos abstractos y plásticos que, reflejando la estructura básica del anterior retrato, se acoplan  en un esqueleto extraño.

Mujer dormida 1932

Tras la fase marcadamente clasicista de principios de la década de 1920, en la que Picasso experimentó con las formas tradicionales de la imagen y con los temas clásicos, a partir de 1926 se observa en su obra una tendencia absolutamente nueva. La equilibrada belleza de sus figuras sufre una metamorfosis y evoluciona gradualmente hasta dar lugar a cuerpos monstruosos , deformes y fragmentarios como los que aparecen en la serie Bañistas de verano de 1927 , para cuya corporalidad Picasso recurrió a dos modos de representación diferentes . Por un lado pintó cuadros en los cuales los cuerpos parecen incrustarse en la superficie, como si las diferentes partes no perteneciesen a un todo plástico y orgánico,sino que se alinean sucesivamente. Por otra parte, Picasso desarrolló formas marcadamente plásticas , las cuales, sin embargo, se unían en un todo desproporcionado y hasta muy deformado en muchos casos.




Esta tendencia , observable también en la escultura picassiana se une en la pintura con una materialidad extraordinariamente sugestiva que produce la impresión de una suave sensualidad, aunque en otros casos simula una materia dura, como piedras o huesos . Picasso experimenta en el cuerpo y, además de integrar en su representación ideas analíticas relacionadas con su estructura interna, trata de expresar- y aquí radica el carácter especifícamente surrealista de sus cuadros de aquella época-sensaciones, deseos u¡y proyecciones vinculadas al cuerpo femenino, y, sobre todo, a su irradiación sexual,

Mercedes Tamara 

31 10-2014

Bibliografia : Picasso, Edic Taschen

MUJER DESNUDA EN EL SILLÓN ROJO PABLO PICASSO

MUJER DESNUDA EN EL SILLÓN ROJO   1932

Mujer desnuda en el sillón rojo de Pablo Picasso
Óleo sobre lienzo 73x80 cm
Tate Gallery , Londres

Hacía el año 1932 Picasso pintó una serie de cuadros con mujeres sentadas o acostadas para las que posa Marie -Thérèse .

 De este mismo año data Mujer desnuda en el sillón rojo , que Picasso firmó en Bongeloup . que era por aquel entonces, la mansión campestre del pintor y, según su costumbre, durante unos días debió dedicarse a trabajar sobre este tema y sus variaciones , como se puede apreciar en un dibujo a pincel, todavía más curvílineo , fechado el 30 del mismo mes.

En aquel año había encontrado Picasso a Marie - Térèse Walter, muchacha de sencilla belleza , que le inspira obras en la que expresa sin rodeos su sensualidad callada y plena,
a quien por su mata de pelo rubio es fácil de reconocer en diversos cuadros de mujeres durmiendo , echadas o sentadas.

Dentro de la ingente labor de Picasso , ésta es una época estilísticamente imprecisa , en la que se combinan ciertos resabios del cubismo con un desenfadado faves y aun con una intención expresionista .

Lo más característico de este cuadro -del que sólo se reproduce  la parte central -es la superposición del perfil sobre el rostro de frente , dando a su fisonomía un cierto aspecto lunar.

Mercedes Tamara 

30-10-2014

Bibliografia : Picasso, Edic Taschen

MUJER ANTE EL ESPEJO PABLO PICASSO

MUJER ANTE EL ESPEJO 

Mujer ante el espejo
óleo sobre lienzo 150 x 232 c,
The Museum Of Modern Art, Nueva Yrk

Marie-Thêrèse Walter inspiró a Picasso no pocas obras ,como acontece en ésta , en un período de plena madurez de su ejecutoria, caracterizado por el despliegue de una gran energía física y una formidable actividad artística .La presente creación llevada a cabo en la primavera de1932 , se corresponde con ese momento sumamente vital en el que las figuras femeninas revelan una poderosa carga de sensualidad , visible en numerosos aspectos .


Conjugando puntos de vista distintos , valorando con toda magnitud el espejo, que protagoniza la mitad del cuadro y desarrollando un juego de contrastes que van de la propia imagen de la protagonista , ya metamorfoseada a su plasmación en la luna del mueble que la refleja , el autor logró una pieza que no pasa desapercibida en su producción al revelar a u modelo de una manera  eminentemente erótica .

Los senos, las nalgas , el vientrey el rostro de la joven adquieren un papel que, no obstante las distorsiones formales y la diversidad tonal , un tanto chirriante por su carácter relativamente absurdo , se  reconoce como esencial para su personificación avanzada por la gestualidad de los brazos .

Se produce una rara coexistencia de lineas rectas y curvas que confieren una especial ondulación al conjunto , todo el presidido por la libertad de interpretación , producto de la fértil imaginación del autor.

Mercedes Tamara

30-10-2014

Bibliografía : Picasso, Edic Taschen

MAGIA NEGRA RENÉ MAGRITTE

MAGIA NEGRA

Magía negra
óleo sobre lienzo
Colección particular

El surrealismo es un movimiento artístico creado por André  Breton y que sucede al dadaísmo. Los surrealistas denunciaron la corrupción de la sociedad y perpetuaron el sentido de rebeldía y  la provocación de los dadaístas.

No obstante , también se caracterizaron por creer en los sueños, el azar, la alucinación y , sobre todo, en la teoría del inconsciente formulada por Freud.

Los surrealistas desvelaron el sueño y lo imaginario , puesto que se consideraban fuentes inagotables y misteriosas: lo insólito, lo chistoso hallaron en el surrealismo una fuente de expresión libre , aunque prevaleció la simbología sexual , a menudo turbia y violenta.

Asi, los artistas metamorfosearon los objetos , de manera que los transformaron en cuerpos animados y, a la inversa , ya que transpusieron y fragmentaron los elementos anatómicos, con lo que representaron a sus propios fantasmas en vastas llanuras vacías y minerales 

En el caso de Magritte se vio afectado por el suicidio de su madre que tuvo lugar cuando el contaba 14 años de edad, presenciando como sacaron su cuerpo del río .

 Esta tragedia le afectaría de manera visceral y a su reflejo espiritual donde se alojaría para siempre un latente martirio . Por esa decisión tan terrible que tomó su madre ,él jamás lo pudo comprender y por el perdón que  no se permitíó otorgarse  a si mismo.

Ese dolor lo vierte en el lienzo , mientras por su mente circulan ideas subversivas , delirantes tratando de atrapar el misterio existencial´ Según Magritte la concepción de su estilo proviene de un sueño donde él veía un huevo en una jaula en vez de un pájaro. 

Dicho error le causó un schok, peses que se trataba de dos objetos afines. Tal irrealidad le incita a provocar el mismo efecto con sus pinturas. Por eso baraja distintas posibilidades conectando objetos no relacionados entre sí, que provocan símbolos difíciles de descifrar

Es un hombre muy inteligente y esa inteligencia que posee le sirve para desafiar al intelecto

En Magia negra lo logra de una manera excelente . Nos presenta a un monstruo horripilante, mitad pescado , mitad piernas de mujer. Lo cual no implica que la obra sea detestable , bajo ningún concepto

La modelo de Magia negra era su esposa Georgette Berger , con quien se casó en 1922 . La hermosa mujer es parte celestial y parte humana, las dos unidas. A la vez separadas por matices etéreos , azul cielo y un terso ocre de tierra. Se observa un torso con senos turgentes , luce un rostro de bellas facciones pensativo De la cintura para abajo destaca el vientre de la vida y el nido del deseo sexual


                                          Mercedes Tamara
                                              30-10-2014

Bibliografia : René Magritte,Edit Taschen

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LO QUE ME DIO EL AGUA FRIDA KHALO

LO QUE ME DIO EL AGUA 1938

Lo que me dio el agua

óleo sobre lienzo

Fundación Frida Khalo, México

André Breton visitó y se hospedó con Frida Khalo y su esposo Diego Rivera durante su visita a México en 1938 reconociendo que la artista era una surrealista " autoinventada " El hecho de que Breton escribiera el prefacio de la exposición de Khalo no la calificaba como artista surrealista, de hecho ella huía de ese término. Aunque sus fantasías pictóricas suelen asociarse  con una estética surrealista, no sólo pintó sus sueños o imaginación, sino  lo que veía como su propia realidad pesadillesca.

En 1925, un grave accidente de tráfico la dejó gravemente discapacitada.Recluida con frecuencia en la cama de un hospital durante semanas para someterse a cirugía reconstructiva, la artista se construyó una imagen de si misma de Las dos Fridas para poder deshacerse del dolor y seguir manteniendo cierta sensación de realidad

Posteriormente , descubrió que no podía tener hijos y en un autorretrato  realmente conmovedor ,Henry Ford Hospital (1932) se la puede ver sufriendo una hemorragía después de haber tenido un aborto natural . Aunque su marido Diego Rivera la apoyó artísticamente , la relación entre ambos siempre fue muy tensa, ensombrecida por el hecho de que Rivera era el artista vivo más famoso  de México. Khalo representa su preponderancia en la pintura Frida y Diego Rivera ( 1931 mientras que su separación y posterior soledad la plasmó en Las dos Fridas (1939)

Mercedes Tamara 

30-10-2014

Bibliografia : Frida Khalo , Edic Taschen

PIERREUSE, LA MANO SOBRE EL HOMBRO PABLO PICASSO

PIERREUSE, LA MANO SOBRE EL HOMBRO 1901

PIERREUSE LA MANO SOBRE EL HOMBRO
óleo sobre cartón 69,5 x57 cm
Museo Picasso Barcelona

Una joven mujer vestida de rojo y con un sombrero profusamente adornado se sienta a una mesa azul, con ambos codos sobre la mesa y la mano derecha  apoyada en el hombro izquierdo. Los brazos cruzados, envolviendo el cuerpo, reflejan un gesto de protección,en una postura que señala hasta que punto se encuentra absorta en si misma.

Sus ojos miran soñadoramente hacía una lejanía indeterminada. Ese arrobamiento se transmite de forma muy sugestiva al observador, no sólo a causa de la postura , sino también de la refinada composición de Picasso. La figura se inclina hacía el margen izquierdo de la obra , marcando la diagonal en declive del cuadro y aportando un elemento dinámico a sus estructuras, que, sin embargo, es cuidadosamente compensado y neutralizado por el ordenamiento general.

Los medios empleados para la distribución de la superficie parecen disonantes. Gracias a su inclinación sobre la mesa , la figura avanza hacía el espectador y supera la distancia , mientras que la ubicación de su sombrero, cortado ligeramente en varias partes por el borde  del marco, da la impresión de que la joven se evade del cuadro.

Sin embargo, su posición detrás de la grande superficie azul de la mesa origina un cierto distanciamiento. Así se crea una atmósfera a la que contribuyen los fuertes contrastes cromáticos de colores elementales y la oposición entre las diversas formas planas y parceladas y francamente disociadas. Picasso emplea aquí ciertas técnicas de los puntillistas, de Vicent van Gogh, y Paul Gauguin para crear un medio estilístico propio.

Mercedes Tamara 

30-10-2014

Bibliografía : Museo Picasso Barcelona

LA COLUMNA ROTA FRIDA KHALO

LA COLUMNA ROTA 1944

La columna rota 
óleo sobre lienzo montado 40 x 30 cm
Colección particular

En la Columna rota vemos a Frida Kahlo con su tronco erguido , abierto por el medio , parecido sostenido únicamente por el corsé. Sustituyendo la columna herida de la artista , vemos una columna jónica rota en múltiples puntos . La grieta abierta , la carne herida,es retomada como motivo de fondo en los surcos del quebrado paisaje árido, que simboliza por igual su dolor y soledad .Sobre su rostro rígido , inmóvil , corren las lágrimas . Un símbolo más contundente de los dolores sufridos son los numerosos clavos hincados en el rostro y en el cuerpo , que recuerdan el martirio de San Sebastián, atravesado por flechas. También el paño blanco rodeando las caderas que alude a las enagüillas de Cristo establece un nexo con la iconografía cristiana.

En sus trabajos citaba a menudo representaciones de Cristo , de santosy de mártires , tan comunes en todas las iglesias de México y en muchos altares caseros. Con corona de espinas, flecha, cuchillo, corazón y heridas abiertas expresaba con dramatismo su dolor

y sufrimiento.

La recurrencia a elementos de la iconografía cristiana no debe interpretarse como manifestación de su creencia católica, como tampoco su adhesión artística a los exvotos nada tenía que ver con la religiosidad. Frida Kahlo compartía la posición anticlerical de los intelectuales mexicanos y de la política mexicana tras la Revolución.

Mercedes Tamara
30-10-2014

Bibliografia : Frida Khalo,  Edic Taschen

GALCONDE RENÉ MAGRITTE

GALCONDE 1953

Galconde
óleo sobre lienzo 
Cortesía de la colección Merrill Houston. Texas

Era un texto de gran influencia sobre el modernismo , El pintor de la vida moderna( 1863 ) su autor, Charles Baudelaire ( 1821-1867 ) habla sobre el flaneur , un "hombre de la multitud " que puede observar y mantenerse en el anonimato con impunidad: es un texto basado en el héroe de un cuento de Edgar Alan Poe  que el mismo tradujo al francés.

René Magritte que también rindió homenaje a Poe en su pintura La reproducción prohibida ( 1937 ) vivió una vida muy recluida en su pequeño adosado en Bruselas. Apenas viajó después de 1930 y vivía a efectos prácticos un estilo de vida propio de la pequeña burguesía.Sin embargo, fue un "hombre de multitud"que con frecuencia por las mañanas paseaba a su perro " Loulou " y por las tardes, iba al Café Greennwich. Estas actividades le permitieron observar las nimiedades y lo intrascendente, lo normal y anormal. Los hombres con bombínes  y las cosas tristes de Galconde representan el anonimato de la vida del artista, impasible y distante , un " hombre de la multitud " .

El estilo collage de Magritte en el que repetía el motivo de la imagen refuerza estas nociones, pero también introduce una dialéctica en la que el absurdo de los hombres " que caen como gotas de lluvia " hace que el espectador se cuestione la realidad dentro de una matriz paradójica de contradicciones.

Mercedes Tamara
30-10-2014

Bibliografia : René Magritte, Edit Tasch

RETRATO DE AMBROISE VOLLARD PABLO PICASSO

RETRATO DE AMBROISE VOLLARD  1910

Retrato de Ambroise Vollard
Óleo sobre lienzo 93x 66 cm
Museo Estatal de Bellas Artes Puskhin Moscú

Cuatro años antes del estallido de la primera guerra mundial ,Picasso vivía con apasionamiento la excepcional aventura cubista - que si se analiza en profundidad resulta bastante misteriosa- en la que no es fácil deslindar los descubrimientos que le corresponden a Braque. 

Con éste trabajó durante varios años en estrecha colaboración tanto en la génesis de las audacias del cubismo y en la elaboración de su lenguaje como en la selección de los temas y en el desarrollo de las diferentes etapas que conforman tan complejo movimiento,uno de los sugestivos ismos del siglo XX . 

Su concepción revolucionaria , aquí visible con claridad , comenzó manifestándose como una tentativa para simplificar los asuntos-ya fuesen personas u objetos , ya paisajes interiores o exteriores-y reducirlos a sólidos geometrismos , con objeto de proporcionar el sentimiento de presencia física táctil y, llevándolos al lienzo ,ir suprimiendo progresivamente su flotar en la perspectiva tradicional.

La rápida evolución experimentada llevó al maestro malagueño a crear retratos como el presente , pintado en invierno de 1909-1910-que revela el célebre galerista francés , originario de la Reunión,criollo de rostro ceñudo , quien osciló en su interés por el artista, sin llegar a comprenderle del todo - que es verdaderamente una pieza canónica a la hora de entender este momento del cubismo.

El color ; limitado a varios tonos neutros , se coordina de modoque que se acentúe la unidad del cuadro; el rostro se magnificaen su realidad escultórica y, posteriormente , disecado , es  presentado bajo todos sus ángulos y descompuesto en facetas que el espacio, tratado de la misma manera , tiende a absorber; en consecuencia , la forma busca disolverse en su contrario y cristalizarse en signos cada vez más herméticos , tal y como aquí acontece al proporcionar una inolvidable efigie.

Mercedes Tamara 

29-10-2014

Bibliografia : Cubismo, Edic Taschen